Tepepa - Westerns

La légende de Jesse James

2012-01-29T22:41:00.005+01:00

The Great Northfield Minnesota Raid
1972
Philip Kaufman
Avec: Cliff Robertson, Robert Duvall

Devisant aux chiottes avec un accent de péquenot, les cheveux rares ramenés sur le devant du front, le Jesse James de Philip Kaufman, joué par Robert Duvall est un semi cinglé bègue qui ahane des visions piquées à son complice Cole Younger. Frank James est de la même étoffe (des zéros) et Cole Younger (Cliff Robertson), le seul à être un peu au dessus du lot, en a marre de passer à côté de la gloire.
Voilà le portrait qui se veut totalement irrespectueux et sans doute aussi plus réaliste de cette fameuse légende de l'ouest. Exit le romantisme, exit la grandeur d'âme, James s'apparente plus à un terroriste guérillero qui vient foutre le bordel en territoire ennemi dix ans après la fin de la guerre. La démarche peut énerver, mais au moins, c'est marrant, et puis quand les armes parlent, Kaufman n'hésite pas à faire ressortir le caractère légendaire de ces gars là, en en rajoutant de belles et bonnes couches dans l'exagération de leur habileté aux armes et de leur résistance aux balles (Cole, criblé de balles, qui se maintient néanmoins debout devant la foule extatique).

Comme tous les westerns de cette époque, l'on cherche également à se distinguer avec une imagerie qui tranche avec les us et coutumes du genre, par exemple ce tracteur à vapeur que l'on retrouve également dans un film de la même année (John McCabe) ou cette partie de baseball qui se termine par un coup de carabine en plein vol. Bref, on veut à tout prix se détacher des glorieux aînés des années cinquante. Brion n'aime pas, et une fois de plus il se trouve à sec pour présenter le film (j'espère qu'il n'est pas payé pour ça). Pourtant, le tout reste maîtrisé, iconoclaste et divertissant, et cela fait plaisir de voir les américains capables de traiter leurs légendes sous tous les angles.

Cependant, vu juste après le très bon Les Charognards et le plus ambitieux Soldat Bleu de la même époque, The Great Northfield Minnesota Raid déçoit, laisse comme un goût d'inachevé, échoue à dépasser la simple mise en image politiquement incorrecte du mythe. OK c'est différent, OK c'est maîtrisé, mais il manque le petit supplément d'âme pour que l'on s'attache malgré tout aux personnages. Le plus touchant étant finalement Luke Askew, avec sa lèvre explosée, qui passe sont temps à la cacher au monde sous un foulard ou une fausse moustache, même devant ses copains, même pour manger.

Mais de tout cela, Flingobis en parle mieux que moi: http://westerncivilization.hautetfort.com/archive/2009/08/25/d8d223d7cb6bbddec0a1ea2a5c2124b0.html

Les charognards

2012-01-27T23:49:00.003+01:00

1971
The Hunting party
Don Medford
Avec: Oliver Reed, Candice Bergen, Gene Hackman

Le viol dans le western est toujours un moment pénible. Parfois parce que le metteur en scène réussit à faire vaguement passer la vraie pénibilité de l’épreuve (par exemple Clint Eastwood dans Pale Rider ou Josey Wales, encore qu’ici le viol soit aussi une manière de soigner l’entrée du héros). Parfois aussi parce que le réalisateur réussit une scène bien sordide, installant un malaise indéfinissable chez le spectateur (par exemple Clint Eastwood encore dans L’homme de hautes plaines, ou Lucio Fulci dans 4 de l’apocalypse). Mais la plupart du temps, le viol dans le western est une affaire pénible parce qu’il n’est qu’un gimmick, une scène obligée censée titiller nos bas instincts. C’est déjà pénible en soi, mais en plus, les scènes ont bien souvent vieilli, les cris paraissent surjoués et peu réalistes. En gros, cela n’atteint même plus son but initial, même les plus pervers d’entre nous mâles baillent en attendant que le héros vienne faire cesser les brassages de jupons. C’est comme ça dans la plupart des westerns spaghetti, c’était déjà comme ça au temps du muet (en plus suggéré).

Les charognards de Don Medford, réussit à être particulièrement pénible dans tous ces domaines. L.Q. Jones tente par deux fois de violer Candice Bergen de façon classique, c'est-à-dire la façon où on s’emmerde à attendre que quelqu’un vienne la sortir de là pendant qu’il s’échine à éplucher toutes les couches de jupons qui font obstacle. Clairement, c’est du typique, on attend que ça passe. Mais il y a aussi deux autres viols, pénibles pour les autres raisons. Le premier est un viol conjugal de Candice Bergen (encore) par Gene Hackman, scène quasi muette, qui ne paraît pas être un viol à première vue, mais dont le montage en parallèle avec une scène montrant des bandits en train de découper une peau de bête fraichement tuée permet d’en faire ressentir de façon assez saisissante la violence sourde et la douleur.

Le deuxième est le viol de Candice Bergen (avait-elle lu le scénario ?) par Oliver Reed, qui a le mérite d’être moins bruyant, plus en retenue, plus en douceur, et donc plus crédible, tout en installant un malaise du fait qu’il est inattendu. En outre, le personnage de Candice Bergen semble s’en accommoder, et finit par tomber amoureuse du gars. On a donc là une morale vachement féministe : si vous devez absolument violer une femme, faites le avec douceur, peut-être qu’elle tombera amoureuse de vous. Histoire de dédouaner le pauvre Oliver Reed qui n’est qu’un bandit qui a ses besoins, Gene Hackman viole de façon particulièrement sadique une pute chinoise, pour bien montrer que le vrai méchant c’est lui.

Comme vous avez pu le remarquer, Les charognards est déjà vachement malsain sur le plan du viol. Mais il faut ajouter qu’il n’est pas avare en hémoglobine non plus. Le pitch est tout bonnement formidable. Les bandits qui avaient enlevé l’institutrice Candice Bergen pour qu’elle apprenne à lire a leur chef (Oliver Reed) se font décaniller les uns après les autres par Gene Hackman et ses hommes, armés de carabines très longue portée. Les bandits ne peuvent rien faire d’autre que fuir, car leurs poursuivants prennent soin de se tenir toujours hors de leur portée. C’est une très belle idée de scénario, que le peu connu Don Medford pousse jusqu’au bout, le film prenant sur la fin des airs de fable. Candice Bergen et Oliver Reed redeviennent des hommes primitifs (Oliver Reed s’étant débarrassé de ses armes devenues inutiles), des sortes d’Adam et Eve poursuivis par un Dieu colérique. Et la fin est bien dans le genre du film, c'est-à-dire sordide.
Riz Ortolani signe une superbe musique dramatique, et le film étant tourné en Espagne, c’est l’occasion de revisiter la plupart des lieux de tournage des westerns de Sergio Leone, dont cette immense dune qui fait office de désert. Le DVD de Seven 7 est OK, avec une présentation totalement inutile de Patrick Brion qui n’aime pas le film et qui ne s’en cache pas. Jean-François Giré aurait peut-être lui, eu des choses plus intéressantes à dire. En tout cas, un western des années 70 assez peu connu, et pourtant particulièrement soigné, original, bien qu’assez dur et morbide dans l’ensemble. A voir.

Soldat Bleu

2012-01-22T18:52:00.003+01:00

Soldier Blue
1970
Ralph Nelson
Avec : Candice Bergen, Peter Strauss, Donald Pleasence

Surtout connu pour son massacre final, qui fait de Soldier Blue l’un des westerns les plus radicalement pro-indiens, voire anti-américain de l’histoire, c’est finalement plus l’espèce de tragi-comédie précédant le massacre – et constituant la matière principale du film – qui nous surprend aujourd’hui. Candice Bergen, plutôt fade et anachronique dans La chevauchée sauvage, est tout aussi anachronique ici, mais loin d’être fade. C’est elle qui est chargée de réveiller la conscience du pâlot Peter Strauss, déclamant des facts and figures documentés qui pourront vous resservir pendant vos discussions de café du commerce. Démonstratif dans sa violence finale, le film l’est aussi dans son propos. Enfonçant des portes désormais grandes ouvertes depuis longtemps, Soldier Blue reste au ras des pâquerettes sans vraiment convaincre. Pire, la violence finale des Tuniques Bleues est tellement outrée, leurs rires vicieux sont tellement surjoués, que cette violence à l’encontre des indiens se révèle in fine moins percutante que celle mieux maîtrisée, plus courte, émotionnellement mieux amenée de films, comme Little Big Man ou Danse avec les loups. Le malheur dans tout cela étant que ce massacre évoque des massacres bien réels, celui de Sand Creek en 1864 et celui de Mŷ Lai au Vietnam en 1968.

Et donc, déçus de cette radicalité annoncée qui tombe plutôt à plat, on est par contre charmés par le reste, le road movie qui précède. Candice Bergen, loin d’être fade donc, possède en plus de son extra-lucidité sur le problème indien, un franc parler appréciable, une débrouillardise de tous les instants, des rôts bien modulés, des injures de charretier, et des vêtements qui s’amenuisent sans cesse. Peter Strauss s’applique à être benêt, et fait tout pour que l’inversion des rôles soit la plus caricaturale possible. La scène dans le chariot où il ne peut se résoudre à détacher avec les dents les liens de Candice Bergen sans préalablement lui couvrir pudiquement les fesses ballotantes, en est la plus marrante illustration. Donald Pleasence, de son côté porte le patronyme de Isaac Q. Cumber, ce qui ne jurerait pas dans un western parodique. De ce coté là, Soldat Bleu est vraiment bien inscrit dans la lignée des années 70, où le western se retrouve réduit à un simple décor convenu, dans lequel on fait son intéressant en détournant malicieusement les codes du genre un par un. Rencontres pittoresques, aventures iconoclastes, ton décalé, musique seventies de type Jon Baez, on apprécie la liberté de cette époque, la volonté de faire des films différents, d’inventer quelque chose de neuf, tout en restant formellement accessible et divertissant. Le contraste avec le massacre final aurait dû en être d’autant plus violent, mais comme on est au courant à l’avance de ce qui va se passer, tout est largement désamorcé, surtout qu’en terme de boucherie, Il faut sauver le soldat Ryan et John Rambo ont largement fait sauter le verrou supérieur depuis. Restent donc quelques images symboliques fortes, comme cette armée américaine qui piétine le drapeau américain et le drapeau blanc. Ce qui est quand même couillu, même dans les années 70.

Le dividi Studio Canal : ne vous fiez pas à la jaquette, il y a bien la VOST, et heureusement car la VF a certaines intonations grotesques à fuir.

Sting

2012-01-21T16:07:00.002+01:00

De 1997 à 2001, j'ai été un vrai fan de Sting. Ça peut arriver à tout le monde et même aux meilleurs, ça vous prend comme la grippe un jour que vous vous apercevez que Beneath a desert moon la face B de You still touch me est finalement meilleure que ladite face A. Commence une frénésie pour chopper toutes les chansons passées obscures et cachées de l'artiste en question et de son ancien groupe The Police. Avec parfois des pépites comme cette excellente reprise de Truth Hits Everybody en 1983 et d'autres bien minables comme Oo la la la hugh. Internet existe, mais pas encore le peer to peer. Un vaste monde de collectionneurs chevronnés, de CD fairs, de rarities, de bootlegs s'ouvre à vous, avec bien sûr un graal: les chansons de Last Exit, le premier groupe où Sting chanta à Newcastle avant la stardom Policienne. Certains collectionneurs veillent jalousement sur leur stock, une rareté trop vite échangée perdra de la valeur. D'autres sont plus cools et vous copient volontiers leurs plus belles pièces. Je finis par dénicher quelques morceaux de Last Exit. Son pourri, groupe encore amateur, mais qu'importe, le graal étant atteint, on est presque heureux, on écoute en boucle. Mais les pièces les plus rares de Last Exit sont dans quelque forteresse autour des cœurs de quelques collectionneurs. Napster arrive, on commence à trouver tout et n'importe quoi, des trucs qu'on avait mis pas mal de temps à dénicher se retrouvent en 128kbps disponibles pour tous, et il faut trier les vraies raretés des machins labellisés Sting mais qui n'en sont pas. Les règles du jeu ayant changé, le jeu s'arrête.
Pourquoi vous parler de ça aujourd'hui alors qu'une chanson de Sting à la radio me fait presque aussi peu d'effet qu'une de Rod Stewart ? Parce que j'ai trouvé ça sur Youtube. C'est vieux, le son n'est pas top, mais il y a comme un frisson en entendant la voix du jeune Sting. C'est disponible pour tout le monde et c'est tant mieux. Les collectionneurs aigris ont dû pleurer la dilapidation publique de leurs privilèges chèrement acquis, mais le partage, c'est quand même ce qu'il y a de plus beau.

L'ange et le mauvais garçon

2012-01-01T18:22:00.002+01:00

1947
Angel and the badman
James Edward Grant
Avec: John Wayne, Gail Russell, Harry Carey, Bruce Cabot

Curieux western qui paraît atypique dans la carrière de John Wayne, et qui l’est d’autant plus qu’il en est le producteur. C’est l’histoire de Quirt Evans (John Wayne), un homme violent, mais pas foncièrement mauvais – comme pourrait le faire penser le titre – qui est recueilli par une famille de quakers, non-violents. Le film est en noir et blanc, le générique possède une touche de série B des années 30, et on y trouve d’ailleurs les noms de Harry Carey et de Yakima Canutt (comme assistant réalisateur). Le contraste entre cette mise en matière tonitruante (la musique de serial) et le calme nonchalant de l’ensemble du film est saisissant. La caméra s’attarde sur les réactions charmantes de Penny (Gail Russell) , tombée instantanément amoureuse de Quirt, qui écoute les propos délirants du blessé révélant un passé empli de femmes et de fureur. On observe aussi tranquillement la vie de la ferme, le biberon d’une jeune chèvre, la messe des quakers, et Quirt qui évolue peu à peu, sans appui grossier de la caméra. John Wayne adoucit un peu son personnage habituel, Quirt est moins brute et plus attentionné : la femme n’est pas ici un être que l’on se contente de respecter pour s’en éloigner dès que possible, c’est bel et bien une femme que l’on tente de comprendre. Ajoutons en outre que le comédien de doublage de la VF n’est pas l’habituel Raymond Loyer, mais –si j’en crois wikipedia – Claude Bertrand, qui lui donne ici une voix très tendre. Le DVD en ma possession n’ayant pas la version originale, je n’ai pas pu juger si John Wayne lui-même a adouci son timbre de voix pour ce film (On trouve le film en VO en streaming facilement, mais la qualité est épouvantable.)
Si on est mal disposé, l’ennui finit pourtant rapidement par s’installer, le film étant bien bavard, l’action rare et la conclusion évidente. La rechute, suivie de l’électrochoc salutaire qui orientera définitivement Quirt dans la voie de la non-violence se suivent sans réelle émotion. L'ensemble manque finalement de densité. Quelques scènes réussies nous réveillent, dont toutes celles faisant apparaître Harry Carey, l’immense star du western muet, qui tourne ici son dernier western. C’est lui qui sauve Quirt au final, et qui lui permet de s’en sortir en renonçant à la violence tout en se débarrassant de ses ennemis, ce qui est un beau tour de force. Le film sera un échec cuisant au box-office, ce qui ne doit pas vous empêcher de le savourer comme une curiosité.

Ce vieux John Wayne… (3)

2011-12-31T15:31:00.004+01:00

Et voici la dernière fournée de « John Wayne vieux », ces films mi-réussis mi-ratés de sa fin de carrière, qui manquent d’ampleur par absence de grands réalisateurs aux commandes, mais qui sont en général sauvés par la prestance du Duke, ou par notre bienveillance à son encontre. A noter que John Wayne est imprimé à jamais dans l’inconscient américain puisque pas plus tard que dans la saison 7 de Desperate Housewives, Felicity Huffman doit sa démarche « à la John Wayne » à un abus de galipettes avec son amant.

L’on commence donc avec Les Géants de l’Ouest (The Undefeated, 1969) de Andrew V. McLaglen. On a du mal à le croire comme ça, mais c’est sorti la même année que La Horde Sauvage, pourtant c’est d’un classicisme à toute épreuve. McLaglen nous montre un monde où les rancœurs de la guerre de Sécession se règlent à coup de Bourbon, un monde dans lequel un jeune indien peut courtiser sans problème une femme de race blanche. Trop gros, ça passe pas, tout comme cet espèce d’enthousiasme collectif Fordien des hommes en groupe, que l’on nous ressert depuis Le cheval de fer. La communauté soudée, qui fait passer l’honneur avant tout, les décisions prises ensembles, avec concours de belles phrases et envolées lyriques : on va les aider ces maudits sudistes, de toute manière, les seuls vrais salauds ce sont ces cons de français avec leurs sabres, yihaaa ! C’est plaisant, ça vous arrache un sourire complaisant envers la race humaine, mais ça ne fait pas un grand film. Heureusement il y a Rock Hudson, et il y a John Wayne, qui font un beau numéro d’acteurs, ainsi que toute la clique habituelle (Ben Johnson, Harry Carey Jr, Bruce Cabot). Malgré son âge, Wayne papote avec une dame et lui parle de fonder une famille. On lui pardonne, c’est la magie du cinéma.

On passe rapidement à une production du même type, The Big Jake (1971, George Sherman), une œuvrette plutôt sympa et décontractée, bien ficelée, bien menée, bien troussée, bien balancée mais sans l’ampleur qu’un grand réalisateur n’aurait manqué de tricoter au sein du canevas de départ. Pour autant, on est en droit de ne pas bouder son plaisir : une intro magnifique avec même des extraits du tout premier western tourné (Le vol du rapide) ancre l’œuvre dans la veine crépusculaire mais sans le coté désenchanté. Ce qui justifie illico la présence d’automobiles et de motocyclettes dans l’histoire. Et les cascades réalisées à moto ont un effet immédiat : non seulement elles renouent avec les facéties virevoltantes de Tom Mix, mais elles rejoignent également toutes ces séries B des années 30 avec John Wayne, ces « John Wayne maigres », qui mélangeaient allègrement les automobiles les chevaux et les trains dans des poursuites toujours plus folles. Certes ce constat ne fait pas naître une émotion à la hauteur d’une Prisonnière du désert ou d’un Fils du désert, mais au moins ça rend le film un peu moins creux qu’un simple Voleurs de trains. Pour le reste, les interprétations sont très bonnes (dont Richard Boone), les interactions entre personnages fonctionnent, les caricatures aussi, et les multiples types d’armes (derringer, pistolet, fusil à lunette, machette…) aussi. Hop comme dirait Achille.

Les cordes de la potence ensuite (1973, U.S. Marshall Cahill), réalisé à nouveau par Andrew V. McLaglen, fonctionne bien, malgré l’âge avancé de son interprète principal. Wayne laisse un peu la place aux deux jeunes gamins (Gary Grimes, un de ceux du Sang dans la poussière, et Clay O’Brien, présent déjà dans Les Cowboys) qui tiennent le principal de l’intrigue sur leurs frêles épaules. Les méchants, George Kennedy en tête, ont une bien belle présence, et Andrew V. McLaglen leur concocte des plans classieux sous la pluie digne des meilleurs spagh. On note la présence de Jackie Coogan, le Kid de Chaplin, en poivrot qui manque de se faire assassiner dans son sommeil, et puis Harry Carey Jr. dans un petit rôle. Le Duke s’endort avec le double chien de son shotgun armé, ceci face à ses prisonniers. Tant pis pour eux s’il a la bougeotte pendant son sommeil ! Neville Brand nous fait un numéro savoureux de demi Comanche, amateur de cigares, le scénario est plutôt intéressant, bref, une fois de plus, si ce Duke n’est pas un chef d’œuvre, il y a tout ce qu’il faut pour passer un bon moment, sans ode inutile à la gloire du Duke. Plutôt pas mal, donc, même si on ne peut pas s’empêcher de sourire devant l’aisance des personnages à se mouvoir avec épaule trouée ou jambe cassée.

On termine avec Le dernier des géants (The Shootist, Don Siegel, 1976) qui émeut tout le monde à cause de la résonance entre le destin de l’acteur et celui du personnage (en allant jusqu’à présenter une intro faite de stock shots des films du Duke), mais qui ne fonctionne que par ce biais là. En effet, pour le reste, il faut bien dire que les derniers instants d’un vieux pistolero atteint d’un cancer ne sont guère passionnants. C’est Wayne que l’on regarde mourir, et non pas John Bernard Books. Le film en devient sordide et voyeuriste, même si en réalité, Wayne n’avait pas encore fait sa rechute quand il a tourné ce film. La patte de Siegel ne se reconnaît qu’à la toute fin, sinon c’est filmé de façon plate et conventionnelle. Tué dans le dos de deux coups de shotgun, notre héros a le temps d’acquiescer lorsqu’il voit Ron Howard (que l’on a vu aussi dans Du sang dans la poussière, qu’est ce qu’ils avaient ces jeunots à faire du western avant d’être des hommes !) jeter au loin son arme avec dégout, faisant suite à une thématique à peine esquissée du gamin qui veut se mesurer à la légende. Si j’en crois imdb, cela aurait dû être le personnage de Ron Howard lui-même qui tuait J.B. Books, dégoûté ensuite par son acte. Wayne a demandé à rajouter le barman en intermédiaire, allez savoir pourquoi. Du coup, plus rien ne fait sens, on ne comprend pas pourquoi le barman tue Books, on ne comprends pas trop non plus pourquoi le personnage de Ron Howard est si dégoûté de son acte qui est pourtant plus un réflexe qu’un assassinat délibéré. En bref, Wayne a perverti le film. Admiratif de Don Siegel et de son Dirty Harry, il rend le travail de celui-ci impersonnel à force d’exigences ajoutées les unes après les autres (il a aussi fait supprimer une scène où il abat un homme dans le dos). Sans doute l’une des raisons pour lesquelles tous ces « John Wayne vieux » sont relativement fades et sans saveur, la star imposant une routine standardisée et une norme aseptisée à ses réalisateurs.

Lucky Luke

2011-11-13T17:37:00.003+01:00

Lucky Luke
1990
Terence Hill
Avec: Terence Hill

Réévalué à l'aune des récents Dalton et autres Astérix (pas vu le film avec Dujardin), ce Lucky Luke là a au moins le mérite d'une certaine sincérité. Un film sans prétention vaut mieux qu'un film "nouveau beauf". Un film sans prétention vaut mieux qu'un film à la bêtise cynique. Un film sans prétention vaut mieux qu'un m'as-tu-vu de stars du petit écran.
On aime bien se moquer du gentil Terence Hill, c'est un fait. Ce petit film là, s'il ne respecte pas l'oeuvre de Morris et Goscinny, il ne la trahit pas. Bien réalisé, tourné au Nouveau Mexique, les principales lignes directrices de l'album Daisy Town sont respectées, ainsi que quelques gags de l'humour Lucky Luke: la construction hyper rapide de la ville, les touches anachroniques, le goudron et les plumes. Bien sûr, Terence Hill, fait un piètre Lucky Luke, un poil trop vieux et trop proche de son personnage de Personne. Bien sûr, on ne tient pas là le film du siècle, mais je répète, entre ce petit film gentillet destiné aux enfants et une superproduction survitaminée aux effets numériques et dopée par les guest stars du monde de la télé et de la Formule 1 (sic), j'ai ma petite préférence.
Le mieux étant, au final, de se replonger dans les albums.

PS: on retrouve avec plaisir Neil Summers, le petit gars aux grandes dents de Mon Nom est Personne, ainsi qu'un bout de la musique de la chevauchée des Walkyries du même film), et on note une curieuse séquence où Joe Dalton (Ron Carey, plutôt bon) révèle aux Indiens le futur Américain, avec les échangeurs routiers et la bombe atomique, ce qui en ferait presque un film à message (cette séquence étant me semble-t-il plus ou moins présente dans l'album).

Sugar Colt

2011-11-11T17:40:00.001+01:00

Franco Giraldi
1966
Avec: Hunt Powers

Le titre est stupide, et la première image pitoyable. Une piteuse pancarte indiquant "Snake Valley" au milieu d'une vallée vue cinq cents fois, ça vous sort du film avant même d'y être entré. J'avais ce film en magasin depuis fort longtemps (merci au Chat au passage), mais je n'avais jamais réussi à dépasser le choc psychologique de cette branlante pancarte.

Armé d'une volonté de fer, j'ai passé la vague, bien m'en a pris. Passé le massacre des tuniques bleues presque aussi toc que la pancarte, un fabuleux thème à la trompette de Luis Bacalov se déploie. Et immédiatement ressurgit des entrailles de votre âme tout ce qui vous manque dans le western américain: une ambition dramatique démesurée, une marionetisation des actes et des destins, un sens de la vie forgé dans le sang, une universalité des archétypes humains loin des mythes et de la morale américaine.

Et bien sûr cette ironie toujours présente. Ici le ton louvoie entre comédie et drame sérieux, et cela fonctionne parfaitement. On retrouve avec bonheur un western "enquête", avec des populations qui n'osent pas parler et des hommes de main intimidants. L'originalité réside dans l'objet de l'enquête qui consiste ici à rechercher des soldats disparus mystérieusement. Le héros se fait passer pour un docteur, une "petite gens" sans prétention qui peuple le petit monde du western. L'humour naît des réactions du docteur face aux vexations (une marrante baston type pugilat), du décalage entre sa dégaine et ce dont on le devine capable. Le drame prend de l'ampleur à chaque développement de l'enquête. Pas de message, pas de sous-texte, pas de discours sur l'humain. Une intrigue, des bastons, des morts et une belle musique. La mayonnaise prend.

Pour moi, Hunt Powers n'était qu'un légume de plus à la Robert Woods, perdu à jamais dans les délires de Demofilo Fidani. Surprise, Hunt Powers est ici un excellent acteur. Sorte de dandy séducteur, il se déguise et dégage une très bonne expressivité. Le regard provocateur, le sourire perpétuellement ironique, il est un des atouts indéniables de ce bon petit spagh bien réussi. A ne pas rater évidemment, le festival habituel de tronches du genre (dont le fleuriste du Retour de Ringo), et les idées loufoques habituelles de ce genre de production. Ici, Hunt Powers commence en tant qu'instructeur dans une école de tir pour dames. Et bien sûr, même si Franco Giraldi n'est pas franchement le plus baroque des réalisateurs italiens, ne pas manquer le final, bien excessif dans la mise en scène de la mise à mort du chef des méchants.

Le train sifflera trois fois

2011-11-10T22:29:00.001+01:00

High Noon
1952
Fred Zinnemann
Avec: Gary Cooper, Grace Kelly
Encore un classique de mon enfance que je n'avais pas revu depuis des lustres, empêché par un souvenir vivace d'inaction totale, et par les propos de Hawk sur son Rio Bravo qui serait l'anti-High Noon par excellence. Et comme j'aime beaucoup Rio Bravo, j’ai attendu longtemps. L’autre jour je l’ai vu chez Noz aux cotés de deux Terence Hill retitrés: Trinita remet le couvert et Trinita reprend l’avantage. J’ai pris le Gary Cooper.

High Noon commence par cette belle image de Lee Van Cleef. Etrange destinée de cet acteur, qui fait que rétrospectivement on attache de l’importance à ses rôles de seconds couteaux. En tout cas, dans ce film, même si son personnage n’est pas très développé, il survit pendant quasiment toute la durée du métrage. C’est déjà bien.

Les lèvres bougent pendant la chanson du générique, mais on n’entend pas leurs paroles. L’effet est étrange, comme si on épiait les deux hommes, et comme si le réalisateur nous prenait pour des gens intelligents, capable de comprendre un film sans en avoir toutes les clés.

La ballade, chantée par Tex Ritter, est langoureuse à souhait, ce qui a pour effet de dédramatiser la chevauchée de ceux dont on ne saurait pas encore qu’ils sont les méchants si l’on n’avait pas reconnu Lee Van Cleef.

La chanson s’efface au profit des cloches. C’est beau. On se dit que Leone dans ses films n’a fait qu’exacerber un esthétisme déjà en place pour mieux nous le révéler.

En parlant de Leone, une gare et trois truands, on y est. L’un deux se rafraichit la figure dans un baquet qui traine par là. Le pittoresque au service du cinéma.

Les yeux incroyablement perçants de Grace Kelly, dont c’est l’un des premiers films.

Des seconds rôles bien écrits. Le film a l’intelligence de ne pas leur faire faire ce que l’on attend d’eux: les couards restent couards, les indépendants restent indépendants, les butés restent butés, et le Shérif Kane sera finalement aidé par la personne qu’il attendait le moins.

Gary Cooper, encore beau, fringant et sûr de lui, n’a pas encore commencé sa mue en vrai héros de western.

Le juge se barre et emporte son drapeau avec lui. C’est la civilisation qui recule devant la barbarie. Je n’ai pas bien compris en quoi ce film pouvait être une dénonciation du maccarthisme, mais ce genre de plan va certainement à l’encontre du mythe de l’Ouest en perpétuelle marche en avant vers la civilisation.

Le maitre d’hôtel (Howland Chamberlain si j’en crois imdb), un savoureux petit enfoiré, mesquin et détestable.

Le swearengen du coin, encore un tout petit personnage intéressant (Larry J. Blake toujours selon imdb), légèrement louche et pas vraiment sympathique non plus.

Le regard de Gary Cooper commence a trahir la pression, le découragement, la peur…

… au point qu’il se laisse aller à pleurer sur son bureau. Pas étonnant que le Duke n’ait pas aimé.

L’omniprésence de cette horloge, filmée quasi en temps réel, en plans de plus en plus rapprochés, contribue fortement à l’efficacité du film, sans aucun temps mort malgré l’absence totale d’action.

Autre gimmick visuel, seules lignes de fuites de ce western essentiellement urbain, les rails vers l’horizon, échappatoire impossible puisque de là vient le danger.

La dernière minute avant l’arrivée du train est extraordinaire, succession de plans de plus en plus rapides et de plus en plus rapprochés, qui permet de revoir tous les personnages du film…

… jusqu’à cette belle composition.

Gary Cooper a achevé sa métamorphose. Sueur, saleté, peur, mais aussi classe et détermination, on y est, le western peut commencer.

Formidable mouvement de grue qui symbolise la solitude du shérif face au danger. De nos jours ce genre de plan révèle des hordes de soldats pixélisés à l’infini. Là on découvre du vide, économie de moyens pour effet maximal.

Quand je disais que le western vient seulement de commencer, en plus il n’est pas avare de poncifs.

Le héros à terre. Belle image d’impuissance couplée à une belle scène d’action. Efficace.

Encore un poncif oui, mais un poncif avec Grace Kelly n’est pas un poncif.

Autre plan redoutablement bien mené: la rue qui soudainement se remplit de monde alors que la ville semblait désertée.

Le plan final, qui me fait plus penser à la scène parodique que l'on trouve dans Lucky Luke que l’inverse. C’est le problème d’être né trop tard pour avoir découvert les choses dans l’ordre.

Johnny Guitar

2011-11-05T17:50:00.002+01:00

Johnny Guitar
1954
Nicholas Ray
Avec: Sterling Hayden, Joan Crawford, Mercedes McCambridge, Ward Bond, Ernest Borgnine

J'ai vu ce film tout petit. C'était un peu comme une sorte de légende dans la famille, ouah, il y a Johnny Guitar qui passe à la télé! Je n'avais comme souvenir que la scène de pendaison, et vu l'aura du film dans le milieu autorisé, fallait bien que je mette la main dessus un jour.
J'ai trouvé la VHS pour dix centimes dans un vide-grenier, aux cotés de deux Bud Spencer: Malabar à New York et Malabar à Miami. Vous n'allez pas me croire, mais j'ai laissé les deux Bud Spencer et j'ai pris le Johnny Guitar.

Le début est tout bonnement formidable. Des explosions dans la montagne, une attaque de diligence vu de loin, presque genre "Tiens, une attaque de diligence...", du vent, de la poussière de partout, et une guitare. C'est déjà une bonne intro, mais ça continue, une énorme batisse au milieu de nulle part, le bruit de la roulette et du vent, toujours aucun dialogue. La tension monte, et quand ça se met à parler, c'est pas pour causer météo!
Les échanges haineux commencent, avec Vienna au milieu de son escalier. La précision des dialogues, la répartie des protagonistes sont ébouriffantes. Arrivent des bandits dont l'un s'appelle Dancing Kid. On apprécie le parallèle du nom avec celui de Johnny Guitar. L'esthétisme du huis clos étouffant continue avec la toux de l'un des bandits et ce verre vide qui tourne....
"C'est mon nom, vous voulez le changer?". Le film avance, mais la tension ne faiblit pas. Mieux, elle va crescendo. Le héros n'a pas d'arme. Mais on sait que c'est du pipeau, parce qu'on regarde un western, et que dans les westerns, les héros qui n'ont pas d'armes sont tous des as du révolver (à l'exception de Hoot Gibson).

On est un peu sur un nuage.

Et puis le soufflé retombe. La "révélation" de la virtuosité aux armes du guitariste tombe à plat, et limite trop vite. La "révélation" du passé commun amoureux de Vienna et Johnny tombe aussi à plat vu qu'on n'en attendait pas moins. Le film devient extrêmement bavard, avec un enchaînement de phrases bateaux ("Quand l'amour se consume, il ne reste que des cendres"), de dialogues à double-entendus barbants, de souvenirs, de regrets et de larmes de mauvais mélodrame. On étouffe, on voudrait sortir à tout prix de ce saloon, vas-y Johnny, aide la à descendre son lustre, qu'on se sorte de là.
Le film manquant aussi singulièrement d'humour. Par exemple, après qu'il ait fini de se battre avec Ernest Borgnine, j'aurais bien vu Johnny Guitar demander "Barman, un whisky, ça me donne soif ces petits jeux moi!", mais non, on est dans le sérieux, dans le pathos sans aucun recul, faut bien qu'on comprenne la dureté du truc, faut pas rester là monsieur. Mais pourquoi, quel est donc le message du machin?

Pour le message, faudra attendre. Pour l'instant, on respire un peu. Il y a une cascade sous laquelle il faut passer pour arriver au repère des bandits. Haaa, un truc de serial, et ici vraiment un hommage puisque absolument pas crédible. D'habitude, derrière une cascade, il y a une grotte, ce qui nous donne par exemple dans The Toll Gate de belles scènes contrastées avec les yeux fixes de William S. Hart. Là derrière la cascade, il y a des montagnes et une cabane que l'on doit donc croire ignorées de tout le pays. On s'en accomode.
Le nuage remonte. L'attaque de la banque est formidable. Le posse constitué d'hommes en noir est d'un esthétisme classieux, où la beauté naît du contraste. Contraste du noir et blanc avec toutes les couleurs chaudes éparpillées dans le film. Incongruité de la tenue au regard de son utilisation: la chasse à l'homme.
Le personnage d'Emma se dessine. Elle devient beaucoup plus intéressante que Vienna, engoncée, elle, dans ses vêtements d'hommes et ses mystères. Emma a droit à des plans fulgurants, parfois brefs comme lorsqu'elle attend sur le pont "ses" hommes parce que - trop pressée - elle a pris trop d'avance, parfois longs comme lorsqu'elle met le feu au saloon. Le message aussi se dessine: L'amour refoulé, ça fait faire des conneries, la justice expéditive, c'est pô bien. OK.

Dans l'ensemble, la redite de la confrontation dans le saloon et la scène du lynchage fonctionnent très bien, mais sont plombées par des incohérences mélodramatiques. Tom se fait descendre, et Vienna trouve le temps de lui parler gentiment, de lui expliquer qu'il n'est pas insignifiant alors qu'il était bien un personnage insignifiant dans le film (il s'appelle vraiment Tom d'ailleurs ?). Un genre de scène obligée alors que l'importance du personnage ne la justifiait pas, ça vous sort du film.
Et hop, à peine sauvée du lynchage, on remet ça dans les galeries de la vieille mine: "Je t'aime. Moi non plus. Je t'ai aimé jadis. Et toi? Mais vas-tu le dire boudiou?!" Zzzzzzz roôôo zzzzzzzz.
La dernière partie, là haut dans la montagne interdite, ressemble à du mauvais spagh. Un duel féminin, déjà, fallait oser. Les yeux sont exorbités, les machoires serrées à bloc. Mais la mort du Dancing Kid, c'est la cerise sur la gateau. Dans un spagh - pourvu de toute la distance ironique nécessaire - j'aurais applaudi. Ici, cela déssert le film. La limite est facilement franchie, dans un film au final baroque, entre l'apothéose des sentiments et le ridicule. La limite n'est pas franchie dans Duel au Soleil. Elle l'est ici, malheureusement, au regard de la réputation de l'œuvre ..

Au final, malgré quelques passages que j'ai soulignés, j'ai aimé ce film. N'en déplaise à ceux qui détestent le genre, j'y ai retrouvé une atmosphère, une esthétique que l'on retrouvera plus tard dans le western européen. J'y ai aussi retrouvé, le jeu outré et les effets du muet. Malgré tout, le film avec ses effets de couleur, sa dramaturgie appuyée, son symbolisme lourdingue, démontre une sorte de modernisme qui a mal vieilli. Le film n'est plus le chef d'œuvre qu'il a été, mais n'en demeure pas moins une incontestable curiosité de grande qualité.

Images: USMC sur Western Movies

L'Homme qui n'a pas d'étoile

2011-08-19T11:18:00.001+02:00

Man without a star

1955

King Vidor

Avec: Kirk Douglas, Jeanne Crain, William Campbell, Richard Boone, Claire Trevor

Classique du genre, avec la fin de l'Ouest et de ses riantes pâtures, l'arrivée du barbelé qui limite la liberté des uns et les troupeaux de plus en plus grands qui augmentent les profits des autres. Ce film narre la disparition des hommes simples, valeureux et fiers. Dempsey Rae (Kirk Douglas) le premier, vagabond et libre et à l'individualisme forcené, une constante chez Kirk. Il fuit, toujours plus au Nord, il fuit les barbelés et les complications. Mais bientôt il devra faire un choix, comme un genre de thématique Manniène chez King Vidor dont les personnages portaient également souvent cet individualisme auto-destructeur. Le contremaître (Jay C. Flippen) fait aussi partie de ces hommes à l'ancienne, droit, respectueux de ses voisins et des coutumes. Il se fait virer car il est un tenant du capitalisme paternaliste à l'ancienne et n'a pas assez l'obsession de la finance. C'est tout cela que conte L'homme qui n'a pas d'étoile, et bien sûr, malgré le cliché, on peut bien le dire: ce tout cela là résonne encore de nos jours.

Dans le genre classique, on a le droit aussi également, comme dit précédemment, au héros qui fait un choix. Après une première partie où Dempsey Rae évite soigneusement de choisir réellement son camp, il est obligé après un passage à tabac en règle de retrousser ses manches et de mettre leur pâtée aux méchants, c'est à dire tuer l'ignoble Richard Boone, l'homme de main sans scrupules. La fin trop vite expédiée masque le fait que si les petites mains ont eu leur leçon, la patronne (Jeanne Crain), elle, continue sans doute ses méfaits sans être inquiétée.

Toujours dans le canevas classique, on a aussi en magasin la relation d'un homme avec le frère ou le fils qu'il n'a jamais eu. Les séances de tir, les conseils, puis la prise de distance et l'oiseau qui s'envole du nid dans la mauvaise direction pour finalement revenir dans le droit chemin, le package est mené avec justesse. William Campbell, dans le rôle de l'oiseau, manque un peu de charisme néanmoins, et son amourette avec Claire Trevor est sans intérêt, autre que de voir Claire Trevor. L'érotisme sourd et tendu est à chercher ailleurs, dans la relation dominant/dominé entre Kirk Douglas et Jeanne Crain, sans que l'on sache d'ailleurs qui domine qui.

La violence des hommes ne fait pas dans la dentelle, surtout pour un film de 1955. Ils portent des cicatrices, ils se battent et tuent souvent (voir le petit rôle marquant de Jack Elam, dans cette introduction ferroviaire qui préfigure L'Empereur du Nord d'Aldrich). Pour autant, les scènes "baroques", à savoir le passage à tabac de Dempsey Rae, ou la baston finale, n'atteignent pas la frénésie délirante du final de Duel au Soleil. Bourreau de travail, Kirk Douglas avait un mois à tuer entre deux tournages, et en tant que producteur il embaucha King Vidor pour tourner ce film vite fait bien fait. La réussite du film, dans cette situation de précipitation et de rencontre entre deux personnalités aussi indépendantes et fortes, tient sans doute du miracle. Le fait qu'il ne s'agit pas encore tout à fait d'un authentique chef d’œuvre aussi.

Image: Abilène sur Western Movies

Mon petit poussin chéri

2011-08-17T19:13:00.002+02:00

My Little Chickadee
1940
Edward F. Cline
Avec: W.C. Fields, Mae West

Présenté comme un western comique par le programme téloche, Mon petit poussin chéri est avant tout un "véhicule", un prétexte, pour réunir ces deux grandes stars du début du parlant: Mae West et W.C. Fields. A vrai dire, on voit bien comment a pu germer l'idée chez les producteurs: deux spécialistes des mots subtils, à double tiroirs, des sous-entendus graveleux, des one-liners à la Oscar Wilde, des petits jeux avec la censure, du mauvais goût et du cynisme, ça ne pouvait faire que des étincelles. Le résultat fut apparemment au-delà de toutes les espérances pour les producteurs, le film étant si l'on en croit wikipédia, le deuxième plus gros succès de l'année après Autant en emporte le vent.
Le résultat est tout autre pour le spectateur du vingt-et-unième siècle. Poussif, longuet, sans rien d'autre à se mettre sous la dent que le numéro de fleuret moucheté et de piques assassines que se lancent les deux vedettes, le film devient très rapidement ennuyant, à l'exception de quelques séquences burlesques (Mae West qui dégomme à elle seule toute une bande d'indiens belliqueux) et de quelques répliques bien senties qui restent franchement marrantes. Le coté vieilli du métrage est plus pesant que véritablement charmant, la mise en scène est totalement plan-plan, et le problème fréquent avec les films comiques de ces années là est le rythme, beaucoup trop lent à cause des effets appuyés qui s'étirent en longueur pour ne perdre personne en route. Une curiosité malgré tout, ne serait-ce que pour voir l'abattage des ces deux grandes stars des années 30 et 40.

Les colts au soleil

2011-08-16T23:52:00.003+02:00

The Man called Noon
1973
Peter Collinson
Avec: Richard Crenna, Stephen Boyd, Patti Sheppard

Les colts au soleil, on le sait, ça brille, ça fait pioeww, et ça fait virevolter tout un tas de figurants latins. Ici, point d'exception à la règle, Richard Crenna décanille du tireur (mal) embusqué à la pelle, voire à la fourche ou à la hache. Bacalov singe Morricone en plutôt bien, et on ne peut pas dire que ça dessert l'histoire. Ah oui, l'histoire. L'histoire, heuu l'histoire. On va juste reprendre le pitch alors. C'est un pistolero amnésique avec la voix de l'inspecteur Harry qui cherche à comprendre qui qui lui en veut et qui y'en a vouloir trahir lui et pourquoi, et kiséki qu'a caché le trésor d'un quart de million de dollars et où. En vérité, c'est encore plus tordu, et je n'ai pas cherché à comprendre, même Jean Van Hamme n'y retrouverait pas ses petits. La mise en scène est à tiroir, c'est à dire que chaque scène est censée être un moment clé, qui se trouvera être invalidée par la scène clé suivante. Quand on a compris le truc, on étend ses jambes, on se décontracte, et on n'écoute plus trop ce qui se dit. Ajoutons à cela que chaque personnage, aux motivations doubles, voire triples se la joue profond mystère avec phrases sibyllines à double ententes (voire triples), et vous vous retrouvez vite devant un produit dont le style est si ampoulé que la jubilation qui l'accompagne vous fait passer pour un extraterrestre. Dans le même temps, le réalisateur a fait le pari idiot de ne jamais placer sa caméra à l'endroit le plus évident pour la compréhension de la scène, non, chaque plan, chaque séquence se doit d'être filmée en plongée, en contre-plongée, avec tous les accessoires imaginables en avant plan. Le mec a dû passer des heures à repérer chaque anfractuosité de rocher à travers lesquelles il pourrait filmer. Je sais, ça fatigue, mais moi j'aime bien, surtout que pour se reposer, il y a les décors, la forteresse habituelle recyclée dans tant de spagh, d'improbables mines /grottes où qu'il fait bon se faire assiéger, et surtout il y a quelques belles invraisemblances qui agrémentent l'ensemble, tel ce stupide chef des méchants qui se fait écraser par une grosse pierre qui a le bon goût non seulement de lui foncer pile poil dessus, mais qu'il a en plus le bon goût de ne pas avoir le temps d'éviter, trop occupé qu'il est à tuer ses propres hommes qui eux ont le temps de fuir ladite pierre! Avec tout ça, on n'a plus trop le temps de remarquer l'artificialité des révélations de dernière minute (surtout qu'on s'attend à ce qu'elles soient invalidées la scène suivante, mais non, le dernier coup de théâtre est le bon), ni le ridicule surjoué du duel féminin.
Bon, si vous avez un peu lu mes anciennes chroniques sur le spagh, vous savez que tous les défauts du monde ne suffisent pas à me faire passer un mauvais moment en compagnie d'un western européen. Celui-ci est plutôt de bonne facture, mais les spagh haters l'auront compris, ils peuvent passer leur chemin, bien que beaucoup de constituants de ce film soient anglo-saxons (les acteurs, le réalisateur, le roman d'origine). Les aficionados eux, aimeront, et pourront en prime repérer quelques second couteaux connus (Aldo Sambrell par exemple). Et merci ciné-classic!

Image: Rex-Lee sur Western Maniac

La Prisonnière du désert

2011-08-08T15:20:00.001+02:00

The Searchers
1956
John Ford
Avec : John Wayne, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Harry Carey Jr. Nathalie Wood

Tout a été dit déjà sur ce film. Il n’y a qu’à lire les commentaires sur Western Movies ce mois-ci, le film est intouchable. Sa réussite tient au mystère des personnages, à la mysticité des lieux, à son message anti-raciste, à la beauté de ses plans, de ses non-dits, de toutes les qualités intrinsèques, extrasèques, archisèques, sous-textuelles, sur-textuelles, intra-textuelles, pré-textuelles, post-textuelles, bi-textuelles, constructivistes, déconstructivistes et post-modernistes de sa réalisation. Pourtant, passé la première demi-heure, l’ennui pointe et tire, le rythme s’affadit, ça devient barbant. Ce qui fonctionne en littérature (cette sensation du temps qui passe) ne marche pas aussi bien au cinéma : vertige de la quête, l’ellipse cinématographique anéantit la temporalité. Le début est formidable, haletant, tendu, fort bien tous ces non-dits, ces regards, ces caresses sur des vareuses, ces personnages cadrés dans des portes. OK, c'est du beau cinéma, mais ensuite? Deux fantômes errants, changeant de saisons, de pays, de costumes pour toujours revenir au même point ? On croirait presque par moment, un road movie des années 70, dont le but serait plus le cheminement en lui-même que le but à atteindre, avec Monument Valley en personnage à part entière. Alors oui c’est vrai, le final est magnifique, le mythique « Let’s go home Debbie », puis la porte qui se referme sur l’outcast Ethan, où le Duke vient de faire – cerise sur le gâteau – son petit hommage à Harry Carey, oui superbe, plus belle scène du septième art tout ça OK, je veux bien, n’empêche qu’avant ça on a eu une de ces abominables chansons que John Ford ne pouvait s’empêcher de placer ça et là dans ses films, on a eu une horripilante mexicaine avec ses castagnettes, on a eu l’exécrable séquence avec Look, la grosse indienne pataude, séquence sauvée in extremis par la découverte de sa mort qui remet du drame dans la grosse farce, on a eu un interminable mariage avorté qui retarde l’échéance, désamorce beaucoup de choses pour faire avancer des intrigues secondaires qui finalement n’ont pas tant d’importance que ça, bref on a eu du Ford de chez Ford comme on n’aime pas trop, à part chez les inconditionnels amoureux du vieux borgne.
Et pourtant dans tout ça, il y a toujours cette ambivalence, l’attaque finale qui s’apparente plus à un massacre (on voit peu de morts, mais on se rend bien compte que le campement est surtout composé de femmes et d’enfants, le Duke qui scalpe son homologue indien, pourtant tué par un autre, et Ward Bond, qui se fait féliciter au final alors qu’il n’a perdu apparemment aucun de ses hommes et que sa troupe hétéroclite a tout de la bande de mercenaires pas vraiment officiels), Ethan, le personnage du Duke, totalement perfide dans ses actes et sa froideur (Ne laisse-t-il pas le personnage joué par Harry Carey Jr. courir droit vers la mort, sans rien faire pour le retenir, ne risque-t-il pas sciemment la vie de Martin (Jeffrey Hunter) pour abattre ses poursuivants dans le dos ?) mais qui a ses sursauts d’humanité et d’amour pour son prochain, il y a ces blanches captives des Comanches, devenues folles – scènes glaçantes – et en même temps les morts indiennes, les scalps de Scar, vengeant ses fils, toute la richesse du cinéma de Ford qui prend l’Homme comme il est, et qui l’aime, dans toute la richesse de ses contradictions.

El Padre

2011-07-29T22:31:00.000+02:00

El Padre
1981
Lambil et Cauvin

Quand j’étais petit, mon père affirma un jour que ce dix-septième album de la série des Tuniques Bleues était pompé sans vergogne sur La bataille de San Sebastian. Je n’étais pas d’accord à l’époque. Je ne le suis toujours pas aujourd’hui. D’abord, parce que si l’idée de départ du scénario a très probablement été inspirée par ce film, Cauvin n’a quasiment rien gardé d’autre de la trame originale. Pas de vaqueros avec un pied dans les deux camps, pas d’acheminement de munitions, mais à la place, deux bandes rivales, une otage et beaucoup d’action. Ensuite, Cauvin a suffisamment été pendant des années considéré comme la lie de la BD par la critique pour qu’on n’en rajoute pas une couche en inventant de faux procès pour plagiat. Les Tuniques Bleues est une belle réussite de Lambil et Cauvin, avec son background très bien documenté sur la guerre de Sécession (cette série n’est-elle pas d’ailleurs responsable du fait que la plupart des français connaissent mieux la guerre de Sécession que la guerre de 1870 ?), ses personnages attachants, le Sergent Chersterfield, buté, aux ordres, ridicule, mais droit et moral, le caporal Blutch, anti-militariste, lâche mais intelligent, et toute la ribambelle de seconds rôles, Stark en tête, et ses légendaires « Chargez ! ».
Les dessins sont également très réussis et Lambil parvient parfaitement à montrer la violence de la guerre sans être gore ni choquant. L’aspect semi-réaliste, avec décors, flingues à poudre noire, uniformes, chevaux et canons très précis et très travaillés mixés avec les gros pifs des personnages (et la bouche de travers de Blutch) rendent la BD à la fois très accessible et très sérieuse. Je me suis arrêté vers les albums 25 ou 26 il y a vingt ans environ, entretemps le duo a pondu 25 albums de plus, et il semblerait que la série soit devenue un brin répétitive. Mais cela ne m’a pas empêché de me replonger avec plaisir dans ce dix-septième album et de retrouver avec malice les attaques verbales ciselées de Blutch envers son supérieur.

La bataille de San Sebastian

2011-07-27T23:00:00.001+02:00

1968

Henri Verneuil

Avec : Anthony Quinn, Charles Bronson

Un bon souvenir franco-italo-mexicain d’enfance de plus. Ennio Morricone se plagie lui-même, mais qui lui en voudra ? Le générique fait des arrêts sur images foudroyants sur sur des soldats virevoltants dans la mort, en pleine poursuite. Déjà, rien que ça, que demander de plus? Anthony Quinn trouve refuge dans une église, et elle est belle cette église scotchée à ses fondamentaux, l’église des gens d’en bas, la vraie église pauvre, humble et mythique des origines, qui prend la défense du peuple face au pouvoir des politiques, des armes et du grand clergé corrompu et déconnecté du monde. Henri Verneuil flatte les croyants là où ça fait du bien, tout en ne manquant pas de résumer la grande marche politique de la civilisation dans la bouche de Teclo : d’abord une maison, puis deux, puis vient une église, et après elle des soldats, et au bout du compte ils appellent ces terres les leurs et en refoulent les indiens. Le traitement de la religion à l’écran est rarement athée, toujours au mieux consensuel. Si Verneuil démonte la bêtise des miracles, si son héros n’est pas converti à la fin du film et si le réalisateur met l’emphase sur l’action plutôt que sur les pleurnicheries des prières (comme ce bien bon prêtre dans l’Aventure du Poséidon) il accrédite tout de même la force de la foi, il donne corps à une église bonne et soucieuse d’autrui, déconnecté du politique, alors que tout le monde sait que cette église là n’a jamais, ou trop rarement existé. Mais passons.

Verneuil se fait plaisir, et il nous fait plaisir. Il a du pognon (plein de figurants, des explosions, des armes, des décors), il a une excellente histoire (même si elle lorgne du coté des Sept) et il a des stars internationales, Anthony Quinn d’abord, impeccable en bandit au grand cœur, et Charles Bronson ensuite, trop rare (il n’a guère le temps de jouer avec son arc) mais également intéressant par sa révolte de métis éclairé. Et puis Verneuil a la chance d’avoir Morricone qui lui signe une excellente partition qui comme le dit Giré, rajoute du lyrisme à l’affaire. Verneuil est un des réalisateurs avec qui Morricone a bien fonctionné: plusieurs de leurs films (I comme Icare, Le Clan des Siciliens) acquièrent cette consonance particulière où musique et images se complètent et se transcendent. Et si Verneuil ne fait pas atterrir un avion sur une autoroute cette fois-ci, il nous offre une splendide bataille, très bien rythmée et qui n’a pas vieilli d’un poil. On apprécie certains plans, comme ce barrage s’écroulant, cadré entre deux arbres (bien que la surimpression soit devenue trop visible à nos yeux numériques du vingt et unième siècle), ou ces péons qui referment les portes en feu comme un tombé de rideau sur la fameuse bataille. On regrettera juste alors le manque de spécificité du produit, ni latin, ni américain, ni même français. Un pur produit international, sans identité derrière, mais avec tout de même une humanité, un premier degré et un refus de la sophistication qui font parfois défaut aujourd’hui. Mais tout cela reste à voir malgré tout, et cela me donne envie de revoir I comme Icare et Le Clan des Siciliens.

Image: USMC sur Western Movies

Barquero

2011-07-02T15:29:00.004+02:00

Barquero!
1970
Gordon Douglas
Avec : Lee Van Cleef, Warren Oates, Forrest Tucker, Mariette Harley

Tel Bayard, le chevalier sans peur et sans reproche qui interdit, seul, en 1504, l’accès au pont de Garigliano à toute une armée, Travis (Lee Van Cleef) fait face, quasi-seul, à une armée d’outlaws sanguinaires et leur interdit de traverser une rivière, buté, borné, burné. Lee Van Cleef a les biscottos d’un chevalier, il a la lance des chevaliers (un interminable fusil de précision) prend la défense des faibles et porte un nom aux consonances moyenâgeuses. Face à lui, Remy (Warren Oates) et Marquette (Kerwin Mathews) aux noms qui fleurent bon également la vieille Europe, trépignent, jurent et s’énervent. Warren Oates est sapé comme le Prince Noir, le Bad Guy par excellence mais qui n’a pas totalement abandonné sa morale chevaleresque, en témoigne cette scène du massacre inaugural où il contrecarre le viol d’une habitante par l’un de ses hommes en tuant à la fois son mercenaire et sa (présumée) victime. On peut-être assassin de masse et ne pas prendre l'honneur des dames à la légère.
Mais avant d’en arriver là, à cette révélation d’un archétype par son contraire, Travis était l’outcast, le mec pas intégré, le type qui profite du poncif de la communauté en marche sans vraiment en faire partie. Il était Charon, faisant passer les colons de l’enfer de la civilisation au paradis promis des terres vierges et inexplorées de l’Ouest, alors même que certains (le révérend) envisagent une topologie exactement inverse, le paradis étant la civilisation en avant et l’enfer le monde des sauvages et des outlaws. La symbolique se précise pourtant lorsque Remy arrive avec sa horde sauvage par le mauvais coté de la civilisation, style cancer des colons. Travis devient alors bel et bien le gardien de ce paradis face aux foudres de l’enfer, même si d’une part les colons qui l’accompagnent sont eux-mêmes un poil corrompus, et si le lieu géographique de l’enfer évolue au gré de l’histoire et des transferts de population en barge ou en radeau. Dans tout ça, Warren Oates fait du Warren Oates, pète les plombs, tue symboliquement la rivière, mère nourricière mais castratrice du fait qu’elle l’empêche d’atteindre son but, et Lee Van Cleef fait du Lee Van Cleef, c'est-à-dire qu’il fume sa pipe en plissant des yeux, et ça suffit, bordel de merde, à en faire l'un des acteurs de western les plus marquants de toute l’histoire du cinéma.
Avec sa barge, Lee Van Cleef bâtit également un point de passage entre le western américain et le western européen. Comme le dit Tavernier en bonus, Gordon Douglas absorbe les influences sans maugréer, digère le tout et en ressort un produit fini pas dénué de qualités. Les thèmes de la frontière en mouvement et de la civilisation en marche cohabitent joyeusement avec la violence à outrance et l’absence de morale des outlaws, sans bien sûr que cohabiter signifie se compléter. Le tout paraît en effet un poil bancal, la violence al’italiana semblant plaquée par effet de mode sans le cynisme transalpin qui relève habituellement la sauce, et les grands mythes américains en paraissent du coup superficiels. Mais peu importe, malgré une légère baisse de rythme au milieu, le film tient fort heureusement bien le coup, à l’aide également d’une bonne musique et de seconds rôles très bien construits, comme le français Marquette et son dandysme de façade, l’homme des bois Mountain Phil (Forrest Tucker) et sa truculente bonhommie mangeuse de fourmis et l’énigmatique Anna Hall (Mariette Harley) femme intelligente, libre et cultivée, qui va chercher encore plus loin que Bayard ou Charon pour qualifier Lee Van Cleef, en le traitant purement et simplement d’homme préhistorique. A voir ou revoir pour ceux qui auraient jugé la chose un peu précipitamment à l’époque de sa sortie.

Rio Conchos

2011-05-20T22:30:00.005+02:00

Gordon Douglas
1964
Avec: Richard Boone, Stuart Whitman, Jim Brown, Edmond O'Brien, Anthony Franciosa

Je voulais voir Rio Conchos depuis longtemps, depuis que j’avais lu dans le guide des films de Jean Tulard une phrase qui, à propos de Pour une poignée de dollars, disait à peu près ceci : «La même année sortait Rio Conchos, et personne ne cria au génie, allez comprendre… ». Ah ça, ça vous pose un film, hein ? J’imagine le petit rédacteur allergique au spagh, obligé de pondre une notule de trois lignes sur Pour Une poignée de dollars, et qui se dit, voyons, qu’est ce qui est sorti en 1964 comme western américain et qui vaut à peu près le coup ?
Rio Conchos, de Gordon Douglas donc. On connait Gordon Douglas pour son film de petites bêtes qui deviennent grosses (Them !) et pour son remake de Stagecoach (La diligence vers l’Ouest) qui tient le coup mais sans plus. Mais ses autres westerns (Le trésor des sept collines, la charge sur la rivière rouge, Chuka le redoutable…) nous sont inconnus (ouais, quand on veut faire sérieux, on dit « nous » au lieu de « je ». Bon sur un blog, c’est point grave, mais si vous voulez écrire un bouquin, mettez « nous », genre on est toute une bande de spécialistes aguerris à plancher sur le western, même si vous êtes tout seul à suer pour recouper vos fiches et vos DVD…), mais il paraît que Gordon Douglas est un artisan talentueux et que Rio Conchos est son meilleur film. Alors commençons par celui-là. En tout cas, tout comme Major Dundee tourné la même année (avec lequel il partage cette trame du périple qui part en couilles), il est la preuve que le western américain avait commencé sa mutation bien avant l’arrivée de la déferlante spagh, histoire de contrer une idée reçue selon laquelle le spagh aurait forcé le western américain à évoluer. (Mais qui se soucie encore de ces fadaises de nos jours ? Les nouveaux venus qui tombent dans le western consomment tout ce qu’ils trouvent avec le même bonheur, et c’est tant mieux.). Personnages non schématiques, torturés, violence fréquente, sauvagerie, l’Ouest et son mythe en prennent déjà pour leur grade en 1964. Tom Mix et Buck Jones sont déjà partis loin, et on ne les reverra plus jamais, car cela fait cinquante ans maintenant qu’à chaque fois qu’un western sort, on affirme haut et fort qu’il déboulonne le mythe de l’Ouest sauvage ! Coños, l’Ouest démystifié avec sa sueur et sa poudre est devenu un mythe à lui tout seul.

Dans Rio Conchos, les personnages sont cyniques (en particulier Richard Boone), ils ont la trahison facile et la gâchette ou le couteau chatouilleux. Même Stuart Whitman, le fadasse bellâtre des Comancheros, compose ici un militaire dont la mauvaise conscience lui file des aigreurs d’estomac. Et comme c’est un nordiste, on lui colle un sergent noir (l’athlétique Jim Brown dans son premier rôle) dans les pattes. Le quatrième larron est le latino Anthony Franciosa à l’irritante séduction, mais qui a le bon goût comme le dit Bertrand Tavernier dans le bonus du DVD d’échapper au stéréotype du greaser. Le casting est complété par l’incroyable Edmond O’Brien en gradé sudiste qui comme il se doit refuse la fin de la guerre, pète un câble, est atteint de la folie des grandeurs et agit comme un exalté. Le scénario est tout bonnement excellent et imprévisible. Même si le canevas de base (une mission pour récupérer un chargement d’armes) est tout ce qu’il y a de plus banal, on parvient rarement à deviner ce qui va se passer ensuite jusqu’au baroque finale.
Bien sûr, à cause de Tulard, je n’ai pas pu m’empêcher de comparer Rio Conchos à Pour une poignée de dollars. Ce film, aussi visuellement intéressant et ambitieux qu’il soit, peut-il être à la hauteur de la claque du maestro italien ? Pour moi, la réponse est non, mais je n’ai pas pu m’empêcher de noter une foultitude de détails qui plairont aux accros du spagh. En premier lieu la belle musique de Jerry Goldsmith qui préfigure les chtouigs Morriconiens. Ensuite cette scène inaugurale, où la vue en plongée sur Richard Boone sous son chapeau qui décanille des indiens évoque… Django. Sans parler de la violence qui ne fait pas dans la dentelle, de la sueur palpable, des esprits torturés, tout cela montre à nouveau que le western transalpin n’a rien inventé, mais plutôt catalysé une évolution en marche. Et d’ailleurs, prochainement si tout va bien, je vous causerai de Barquero.

Ce vieux John Wayne... (2)

2011-05-13T22:24:00.006+02:00

On commence ce deuxième aperçu de la carrière tardive de John Wayne avec le très réputé El Dorado. Ce film ne peut pas vraiment être classé dans les « John Wayne vieux ». L’acteur n’a alors que 59 ans et il tient encore parfaitement la route, sept ans après Rio Bravo. Pourtant, Howard Hawks ironise déjà de façon fracassante sur l’inexorable décrépitude de son héros : handicapé par une balle dans le dos, le Duke est forcé de conclure le shoot out final avec un bras paralysé. L’image de fin qui le voit boiter de concert avec l’excellent Robert Mitchum est dans toutes les mémoires. Hawks réédite son exploit de Rio Bravo, sens du timing, de l’action, sens de l’humain, sens de l’humour, El Dorado est une perle que l’on revoit toujours avec plaisir et dont on connaît les plans par cœur (attention, Mississippi va faire choir la pancarte sur un méchant !). Il est juste un poil en-deçà de son illustre prédécesseur parce qu’il manque un bon petit Degüello pour faire vibrer notre corde opératique, mais par contre, l’absence du My rifle my pony and me remplacé par une hilarante concoction anti-gueule de bois penche plutôt en sa faveur.

Trois ans plus tard, Wayne ne tient plus la route dans Rio Lobo. Grossi, bouffi, vieilli, il fait peine à voir avec sa bedaine qui dépasse de son ceinturon. Howard Hawks en joue et le fait traiter de « confortable » par la donzelle de service. Hawks lui-même est moins en forme également. La longue introduction en pleine guerre de Sécession est censée donner de la matière à l’amitié entre le Duke et les deux sudistes, mais elle a pour effet de dédramatiser le drame qui se joue ensuite à Rio Lobo (y compris la peu crédible vengeance), alors que dans Rio Bravo et El Dorado, les non-dits sur le passé des protagonistes renforçaient au contraire leurs zones d’ombre et leurs personnalités ; tandis que la dramaturgie pouvait prendre toute son ampleur. En outre, le fade Jorge Rivero n’est pas Robert Mitchum, le passage par la case prison est réduit au strict minimum, et le traitement « bonne humeur » des scènes d’action en désamorce la portée. Pourtant cette bonne humeur communicative est plutôt à porter au crédit du film, tout comme la très belle musique de Jerry Goldsmith (inclut l’excellent générique de début), la performance exaltée de Jack Elam qui a la meilleure ligne du film (« You don't mind if I shoot, do you? It makes me feel better. ») et l’attaque de train très bien menée. J’avais peu de souvenirs de ce film à part la double détente du deux-canons de Jack Elam liée avec du fil de fer et la winchester du méchant qui lui explose à la gueule. Je croyais me souvenir qu’il en mourrait, mais non, une des multiples jolies filles du film vient accomplir sa vengeance. Dommage, un méchant qui se tue tout seul, sans l’aide du gentil, cela aurait été une belle fin ironique pour ce dernier western du maître Hawks.

John Wayne apparaît paradoxalement plus vieux, mais plus en forme dans Cent dollars pour un Shérif (True Grit) tourné pourtant quelques mois auparavant, et que je me suis finalement décidé à revoir. L’acteur reçoit alors un Oscar pour son rôle de Rooster Cogburn, et tout le monde s’accorde pour dire que l’oscar récompense sa carrière plutôt que son jeu d’acteur dans ce film. Pourtant, il faut bien avouer que parmi tous les westerns de la fin de sa carrière, c’est bien dans celui-là que John Wayne est le moins John Wayne. Jurant, buvant, borgne et pitoyable, l’acteur en fait des tonnes pour donner de la matière à son personnage, et ça marche plutôt pas mal. Henry Hathaway filme avec talent et application une histoire convenue dont le principal ressort dramatique est la présence dans les basques du Duke d’une jeune fille qui n’a pas froid aux yeux (Kim Darby). Puisque le remake des Coen est encore chaud dans les mémoires, on ne peut s’empêcher de constater que Hathaway a mis plus de chaleur et d’humanité dans son film sans gommer totalement le cynisme du livre. Mattie est certes la même jeune fille débrouillarde et calculatrice, mais son attachement pour son défunt père est visible au contraire de la Mattie des Coen qui apparaît alors comme un véritable robot. La scène des serpents bien sûr est moins percutante que dans ma mémoire (d’ailleurs il n’y a qu’un serpent) mais quand même sacrément angoissante. A la fin, le Duke saute à cheval par-dessus une barrière. C’est beau.

En 1975, John Wayne fait encore bonne figure dans Une bible et un fusil (Rooster Cogburn) tourné par Stuart Millar. Malgré le coté attachant de ce film conçu comme une suite au film de Hathaway, l’opportunisme de la chose apparaît trop clairement pour totalement adhérer à l’entreprise. Les scènes du bouquin de Charles Portis non exploitées dans Cent dollars pour un Shérif se retrouvent traitées ici (le lasso pour empêcher les crotales d’approcher, le tir sur les galettes de maïs – scènes que l’on retrouve d’ailleurs dans le film des frères Coen) un peu en décalé. L’association Wayne Hepburn paraît beaucoup trop artificielle pour fonctionner pleinement et les appels du coude en direction de African Queen sont bien trop constants pour amuser. Ajoutons à cela des méchants plutôt insipides, un suspense inexistant malgré la présence de nitroglycérine et un jeune indien sans beaucoup de relief, et on se retrouve bien en deçà du film de Hathaway. Malgré tout, la bonne humeur de l’histoire suffit amplement à éviter la lourdeur et l’académisme de la plupart des « John Wayne vieux ». Si vous voyez Cent dollars pour un shérif, ça ne vous fera donc pas de mal de voir celui-ci dans la foulée. En rayon, il me restera à vous parler de Big Jake, des Géants de l’Ouest, des Cordes de la potence et du mythique Dernier des géants pour clore ce tour d’horizon mi-complaisant mi-agacé du crépuscule westernien du Duke. Mais ce sera pour une prochaine fois, il ne faut pas abuser des bedaines d’armoires à glace, fussent-elles confortables.

Images: USMC, Laurent, Jicarilla sur western movies

True Grit

2011-04-22T12:02:00.001+02:00

True Grit
2010
Joel et Ethan Coen
Avec : Jeff Bridges, Haile Steifeld, Matt Damon, Josh Brolin

Le film s’appelle True Grit parce que dans la France des années 2000, c’est la classe de laisser les titres en anglais. Son premake s’appelait Cent dollars pour un Shérif parce que dans la France des années 70 c’était encore vendeur de mettre le mot dollar dans les titres de western. Je n’ai pas beaucoup de respect pour les marketeux.
Je n’ai pas voulu revoir le John Wayne dont tout ce qui me reste est la fosse aux serpents à sonnette. Le souvenir reste traumatisant et je ne veux pas l’effacer en remarquant la faiblesse des effets spéciaux. On critique souvent la facilité du remake, on le dénigre presque toujours, pourtant, le principal intérêt du remake est de retrouver une forme d’oralité aux histoires cinématographiques. Comme la mort des parents de Bruce Wayne, racontée dans tous les sens et avec toutes les variantes par des générations d’auteurs, le remake participe à la construction des mythes. King Kong serait-il un mythe sans ses remakes ? Ben Hur serait-il connu sans son remake (il faudrait d’ailleurs suggérer à Ridley Scott de mettre en chantier un remake de ce film avec Russel Crowe, beaucoup de jeunes ne connaissent pas Ben Hur)
On n’en est bien sûr pas là avec True Grit. Mais quand la fosse aux serpents arrive, une vieille angoisse ressurgit, on se crispe sans le vouloir, ce n’est pas la même chose, et pourtant cela participe de la même dynamique. D’autres scènes font écho, il y a comme un air de déjà vu, et pourtant on est sûr de n’avoir jamais vu le film. L’histoire est racontée par d’autres trouvères, la tradition orale se perpétue, les deux films tomberont peut-être dans l’oubli, mais pas l’histoire, pas les serpents. Pas encore en tout cas.
L’un des plaisirs de ce remake est de savourer l’histoire justement sans cette vieille carne de John Wayne et son encombrante légende. Jeff Bridges ne peut pas comme John Wayne tourner dix films de fin de carrière qui n’ont d’autre but que de glorifier son propre vieillissement sous couvert d’ironie mordante. Et c’est tant mieux, on ne regarde plus un John Wayne, mais un film où chaque personnage peut se révéler. La gamine Haile Steifeld est époustouflante dans son assurance et j’adore le final qui révèle que toute cette intelligence et cette maturité ne produira finalement qu’une vieille fille un peu coincée. Jeff Bridges est parfait en vieux routier de l’ouest aux bredouillages incompréhensibles. Je suis plus réservé sur Matt Damon qui semble un peu trop occupé à écorner son image, mais ce n’est pas grave. Le film est bon, les Coen ont cherché à faire un western sans faire du Coen. On peut le déplorer, pour une fois, ce n’est pas l’histoire de loosers pathétiques qui font n’importe quoi. Pour une fois les personnages sont ce qu’ils prétendent être, les Coen font du vrai western, sans ironie destructrice, sans démystification à outrance, sans légende qu’on imprime à la place de la vérité. Un Marshall seul peut-il charger quatre méchants à cheval et gagner à la fin ? Oui, mille fois oui, et il dégomme les rattle snakes en rappel juste après !! Un Texas Ranger peut-il tuer un homme à quatre cent mètres avec sa carabine Sharp ? Putain que oui ! Un héros peut-il galoper jour et nuit pour sauver une fillette, bien sûr que oui, et ce soir là, les étoiles sont comme il se doit superbes ! Tout le reste, tous les tirs ratés, l’ivrognerie, les bavardages, le procès, veulent faire croire à un western post-moderne de plus, mais non, les frères Coen voulaient faire un western, et ils en ont fait un, rien de moins, rien de plus, allant jusqu’à évacuer toute ambiguïté sexuelle (aucun des personnages, pas même parmi les méchants, ne semble intéressé par la jeune fille sur ce plan là, ce qui se révèle finalement plus troublant que l’inverse venant d’un film moderne que l’on attendait un peu plus rough que cela) pour inscrire leur œuvre dans le classicisme du genre. Un bon western au cinéma, ne vous privez pas !

Ce vieux John Wayne...

2011-04-11T23:30:00.003+02:00

L’autre jour quelqu’un a cru bon m’alerter : « Tu as vu, ils passent plein de vieux John Wayne sur la TNT ! ». Je fus donc évidemment intrigué qu’une chaîne de la TNT puisse diffuser des westerns des années 30 en noir et blanc, mais après tout, pourquoi pas ? Naturellement, ces vieux « John Wayne » n’étaient pas les pêchés de jeunesse de l’immense star, mais bien des « John Wayne vieux », les westerns des années 70 qu’il tournait encore alors qu’il était devenu un vieillard. Il faudra que je m’y résolve : les films des années 70 sont devenus des vieux films pour tout un chacun. Mais l’essentiel n’est pas là ! Il y a du « John Wayne vieux » à la télé, c’est le moment de s’en remettre quelques uns. Mais juste trois alors, parce les « John Wayne vieux », ça use.

Commençons donc par Chisum (1971, Andrew McLaglen). Insupportable monument de paternalisme chevillé dans la bonne conscience des gros propriétaires bienveillants, Chisum est en outre chiant au point qu’on se retrouve vite malgré soit à zapper sur Le Pacte des loups ou American Beauty qui passent chez la concurrence. Wayne, tel un gros pouf sur son cheval, regarde l’horizon et médite sur le temps qui passe. Ben Johnson, le regarde de loin l’air compréhensif parce que c’est son pote de l’ancien temps où que le progrès et la corruption y venaient pas faire chier. La loi ça sert à rien quand c’est un méga propriétaire terrien comme le Duke qui est aux manettes : il est sympa avec ses employés, sympa avec ses voisins, juste et droit, le patron rêvé, l’utopie made in MEDEF. Peu importe que le vrai Chisum était bien moins fair play, le Duke en chef d’empire équitable, McLaglen nous l’avait déjà servi en plus drôle dans Le grand McLintock et c’était déjà pas terrible. On se console en voyant passer des seconds rôles connus et des légendes de l’ouest : Billy The Kid, Pat Garret, tout ça. Allez, on oublie.

On enchaîne avec Les voleurs de train (1973, Burt Kennedy). Après une intro sympatoche pompée sur Il était une fois dans l’Ouest, le film part bien, même si Ben Johnson et John Wayne semblent continuer le film précédent et en remettre une couche sur la nostalgie qui n’est plus ce qu’elle était et les histoires du temps passé. Burt Kennedy radote aussi puisqu’il il nous remet une belle fille qui se voit obligée de faire bouillir ses vêtements pour qu’ils soient plus moulants, comme Raquel Welch dans Hannie Caulder, et qu’il nous remet aussi un étrange homme en noir presque fantomatique comme dans le même Hannie Caulder. La suite devient franchement ennuyante malgré de très belles images. Des bivouacs, des chevauchées, des discussions à deux balles sur l’opportunité d’être honnête ou sur la vieillesse qui affaiblit l’homme, puis encore des bivouacs entrecalés de temps en temps de bonnes doses d’action bien menées. Curieusement, le film visuellement, fait penser à Mon nom est Personne, pourtant sorti la même année, mêmes tonalités de couleurs, et surtout, ces chevauchées furieuses de plusieurs dizaines de tueurs pressés avec le même type de montage alterné (mais sur une musique beaucoup moins belle) et une destinée tout aussi explosive qui rappellent bien sûr celles de la Horde Sauvage. Belle coïncidence, mais qui ne suffit pas à relever un film creux dont le twist final ne fait même pas hausser les sourcils. Mais quelle importance, le Duke reste le Duke, les paysages sont magnifiques, le film n’est pas désagréable.

Avec Les Cowboys (1972, Mark Rydell), on monte d’un tout petit cran, parce que la violence est beaucoup plus malsaine, le ton plus amer et la morale moins sauve. Je vous crache le spoiler : le Duke se fait descendre, en quasi-martyre, salement amoché, la scène est très forte, marquante, dérangeante. Dans son livre sur le western, Christian Viviani écrit : « […] The Cowboys, que John Wayne avait conçu comme une sorte de testament, semble bien être un mauvais tour que Rydell a joué à son interprète. En fait, cette histoire qui voyait des enfants aider Wayne à convoyer son bétail et qui, le long du périple, sous le coup de l’« apprentissage » de leur aîné, devenaient des tueurs sanguinaires, ne laisse apparaître que maintenant son ironie et sa verdeur. » Mouaiff, l’ironie et la verdeur n’apparaissent pas tant que ça, le film reste un parcours initiatique assez banal, et la vengeance finale, bien que cruelle, ne semble pas vouloir montrer que les gamins sont devenus sanguinaires, mais bien que la catharsis ayant opéré, ils sont maintenant devenus des hommes. Mais on peut tout de même laisser au film le bénéfice du doute, et de ces trois « John Wayne vieux » diffusés récemment par la TNT (me demandez pas la chaîne, elles sont toutes interchangeables dans mon esprit), c’est quand même bien celui-là le plus intéressant. Allez, j’ai plus qu’à me retaper Rio Lobo et Cent dollars pour un Shérif, et je vous en reparle, et peut-être même qu’un jour je regarderai The shootist, qui paraît-il est très émouvant. Et vive le Duke, même si au final, entre les « John Wayne jeune et maigre » et les « John Wayne vieux et gros », c’est quand même les « John Wayne mûr et massif » qu’il vaut mieux regarder.

Images: USMC, lasbugas et jamesbond sur Western Movies.

Amour, fleur sauvage

2011-03-07T23:52:00.000+01:00

Shotgun
1955
Lesley Selander

Avec : Sterling Hayden, Yvonne De Carlo, Zachary Scott

Ce qui m’a le plus fasciné dans cette pure histoire de vengeance de série B, c’est l’attitude du héros interprété par Sterling Hayden. L’acteur de Johnny Guitare avec son regard toujours noir, sa bouche constamment tordue en une sorte de rictus méprisant interprète à merveille le héros froid et vengeur, déterminé, presque franchement antipathique. Et pourtant, il finit toujours par remporter l’adhésion, lorsqu’il se sort des embûches à coup de revolver ou à l’aide de ses poings ; ou lorsque il remet à leur place Yvonne de Carlo ou le cynique Zachary Scott avec une répartie et un à propos qui étonnent. Pour un type censé être guidé par les œillères de la haine, notre sombre héros paraît particulièrement lucide sur sa situation et celle des autres. C’est l’un des indéniables atouts de ce petit film d’un petit faiseur oublié de cinéma.
Mal considéré, Lesley Selander n’a même pas l’honneur d’une petite ligne dans le bouquin de Christian Viviani. Pourtant Shotgun dégage l’aura des pépites peu renommées : interprétation de qualité, bonnes idées scénaristiques de ci de là, mise en scène rigoureuse, développement psychologique suffisamment étoffé pour ne pas paraître une contrainte de cahier des charges. Il y a d’abord les shotgun du titre (je ne m’étendrais pas sur l’antithétique titre français), dont le méchant se sert au début pour assassiner à bout portant l’ami du héros. On ne nous montre pas les dégâts (vivement que le film soit remaké par un opportuniste contemporain !), mais on nous dit qu’ils y sont ! La fascination pour les armes est toujours un bon ingrédient du bon western, c’est le gimmick que l’on se raconte à la récré. Notre héros emporte un shotgun avec lui pour se faire vengeance, œil pour œil, tripe pour tripe, le shotgun devient le symbole même de la violence et donne à la vengeance un degré supplémentaire de morbidité qu’un simple colt 45 aurait au contraire banalisée.
La poursuite lente et opiniâtre dans ces magnifiques et grandioses paysages de l’Arizona sert également de révélateur de la petitesse de la nature humaine. Peu de monde à qui faire confiance dans cet Ouest surchauffé. Que ce soit la fille perdue ou le chasseur de prime ambigu, tout le monde inspire de la méfiance – et avec raison - à notre soupçonneux héros. L’humanité Fordienne, le partage, l’entraide sont plutôt sous-représentés ici, en témoigne ce conducteur de chariot qui veut bien offrir de l’eau au héros, mais qui ne s’arrête même pas pour lui en laisser le loisir. On pourrait alors compter sur les indiens pour apporter un peu d’humanisme à l’ensemble, mais c’est plutôt leur facette de tortionnaires sophistiqués qui est développé ici. On pourrait compter sur la femme pour civiliser ce beau monde. Au lieu de cela, Yvonne De Carlo se baigne nue et déchaîne les passions des mâles voyeurs.
Malgré tout, au final, ce n’est quand même pas totalement un western nihiliste. La fille est finalement quelqu’un de bien, le chasseur de prime est finalement un type recommandable, le chef Indien tient tout de même parole, et Sterling Hayden finit par relâcher ses muscles faciaux pour faire un sourire à Yvonne De Carlo. Pourtant l’impression d’un monde désagréablement mesquin subsiste. La substance mortifère de ce monde sauvage n’est pas balayée par le happy end de rigueur, et la frustration de la mort rapide et limite absurde du méchant laisse le spectateur sur une pulsion meurtrière inassouvie qui prolonge l’état de tension permanente que ce petit artisan du septième art a pourtant réussi à distiller tout au long de son film. A voir.

Le film vu par Vincent sur Inisfree.

Affiche: Chip sur Western Movies

La Capture de Rio Jim

2011-02-27T19:46:00.001+01:00

The Taking of Luke McVane
1916
William S. Hart
Avec : William S. Hart, Enid Markey, Clifford Smith

Curieux western de William S. Hart qui fait partie de ses premiers films produits avec Thomas H. Ince et qui pourtant ne tient pas ses promesses. Le scénario paraît bancal, sans réelle motivation. Bien que la mort finale de McVane soit totalement inattendue (et l’image finale très belle), son sort ne nous émeut guère, la faute à une absence de caractérisation du personnage. Hart a ici peu de marge de manœuvre pour faire évoluer son jeu et son héros : presque pas de regard menaçant, aucun regard de détresse, peu d’héroïsme, le fan est un brin déçu. Des indiens sortis de nulle part viennent faire le job, et les thèmes initiés ne sont pas développés. Le crime inaugural étant bien entendu de la légitime défense, le thème de la rédemption n’est pas au cœur de l’œuvre. La femme dont le héros tombe amoureux n’est pas une vierge pure, pensez-vous, c’est une chanteuse de saloon, dont le héros tombe amoureux sur la durée, et non pas par le biais d’un transfigurant et révélateur coup de foudre.
Une fois McVane en fuite, l’on s’attend alors à une course poursuite épique où le héros innocent s’enfonce à chaque étape un peu plus dans le malentendu et n’échappe que de peu à la peine capitale. Mais non, ceci est également rapidement évacué ! Décidemment, toutes les attentes, tous les poncifs Hartiens sont absents, car encore trop peu rodés, mais il n’y a aucune autre substance pour lier la sauce. Reste alors la toujours impeccable prestance de William S. Hart et ses tenues réalistes étudiées avec soin, une belle attaque d’indien, en cercle, et une notable maîtrise des mouvements de foule lors des scènes urbaines.
C’est peu mais c’est toujours bien !

Riddle Gawne

2011-02-19T23:15:00.003+01:00

Riddle Gawne
1918
William S. Hart
Avec : William S. Hart, Katherine MacDonald, Lon Chaney

Film totalement perdu à l’exception d’une bobine, Riddle Gawne semble le parfait exemple du film typique de William S. Hart, avec quête de vengeance, transfiguration par la grâce d’une femme et lâché de méchant du haut d’une falaise. Le film paraît encore avoir la force directe des films de William S. Hart tournés sous l’égide de Thomas H. Ince dans les années précédentes (pour ce film, Hart et Ince étaient déjà brouillés, Ince étant malgré tout crédité au générique en tant que superviseur), sans avoir encore la pesanteur de ses toutes dernières productions. Les treize minutes miraculeusement visibles de nos jours ne permettent pas de se faire une idée précise de l’intrigue, mais sont suffisantes pour combler de joie l’amateur de William S. Hart. A noter les critiques de l’époque qui voyaient dans l’interprétation de Hart une représentation de l’esprit de combat des boys alors au combat en Europe. La particularité de ce film également est de donner le rôle du traître à l’immense Lon Chaney, celui qui jouera Quasimodo et le fantôme de l’Opéra, et de montrer William S. Hart tirant dans le dos d’un homme (sans toutefois le tuer). Malgré tout, le film est si amputé qu’il faut le réserver aux fans du bonhomme uniquement.

Où le trouver ? A vrai dire je ne saurais dire. Le film m’a été copié par une forumeuse de western movies qui consacre un blog entier au film muet. Mais je ne sais pas où elle se l’est procuré.
Capture: scan de The Complete Films of William S. Hart

A noter : la Russie a décidé de rendre aux Etats-Unis cent quatre-vingt quatorze films muets qui n’étaient pas préservés sur le territoire américain. Ce qui veut peut-être dire que ces films seront bientôt un peu plus visibles que par le passé. Et sur les dix premiers qui ont été livrés, il y a un western avec Harry Carey (Canyon of the fools). Yipeeeee !

La poursuite sauvage

2011-02-11T13:24:00.002+01:00

1972
The revengers
Daniel Mann
Avec : William Holden, Ernest Borgnine, Woody Strode, Roger Hanin.

C’est un gars qu’on lui zigouille toute sa famille. Alors il va dans un bagne, embauche des trognes aux spécificités bien affirmées, et se met à la recherche des meurtriers.

Dans la lignée des westerns des années 70 post-modernes, déconstructivistes, démystificateurs, crépusculaires et tout le toutim, La poursuite sauvage est certes moins renommé et moins ambitieux que certains westerns (re)connus tels John McCabe, Little Big man (ou Josey Wales pour rester dans un film qui commence un peu pareil), mais je l’adore quand même. D’aucuns méprisent vaguement son assimilation de certains tics spaghetti, d’autres trouvent certains éléments de scénario un poil invraisemblables (oh merde les gars, on a trouvé un western au scénario invraisemblable, on fait quoi ?), d’autres enfin trouvent que la thématique de l’affaire est exécutée avec des sabots par trop grossiers messieurs dames. Certains quand même apprécient ce sympathique western pour ses scènes d’action et le bon temps passé devant son écran en compagnie de grands noms du western tels William Holden qui ne desserre pas les dents du film, Ernest Borgnine qui cabotine à outrance, et Woody Strode super classe. Et même Roger Hanin en frenchy qui séduit toutes les femmes qu’il croise sur son chemin remporte l’adhésion.
Et pourtant moi, c’est bien ce qui rattache le film aux années 70, le pitch, le surtexte, l’interligne, le twist final, la core value du truc quoi, qui me fait au fond adorer ce film. Cette façon toute finale de désamorcer la thématique de la vengeance avec un simple regard hirsute, c’est tout ce que je me souvenais de ce film, lisible, basique, beaucoup plus efficace qu’un discours sur la violence qui n’engendre que la violence. Le désir de revanche qui se transforme en pitié ou en simple dégoût, c’est finalement assez couillu. Et comme l’emballage pan pan tagada tagada du résidu intrinsèque de l’affaire est bien mené et bien ficelé, avec même une pause narrative féminine (Susan Hayward) plutôt bien intégrée, je ne peux faire autrement que recommander ce film à tous les amateurs de westerns exigeants mais conciliants ! C’est pô l’affaire du siècle, mais c’est du bon quand même !

Le DVD : « Quand la violence traque la violence, il ne reste que l’enfer ! ». J’aime bien ces accroches de jaquettes de DVD, interchangeables dans l’ordre des mots et de film à film. « Quand l’enfer traque l’enfer, il ne reste que la violence », ça marche aussi, et pour une ribambelle de films. Je ne sais pas si le marketing est une science exacte, mais c’est clairement une activité d’abrutis. Sinon, on nous dit que c’est un western « implacable » ! Et La Prisonnière du désert, c’est un western placable, connard ?

El Magnifico

2011-01-08T00:25:00.001+01:00

1973
Enzo Barboni
E poi lo chiamarono il magnifico
Avec: Terence Hill, Gregory Walcott, Harry Carey Jr.

A tout bien réfléchir, ce cinéma là, méprisé et vilipendé par la critique bien-pensante de toutes les époques, a au moins le mérite, comparé aux Dalton ci-dessous, de la gentillesse, de l’humanité et de la bonne humeur qui ont totalement disparu de nos écrans aujourd’hui, remplacés par le cynisme, l’ironie méchante et le fameux esprit Canal qui s’est transformé avec les années en humour nouveau-beauf. Partageant des similitudes très souvent remarquées avec Le Pied Tendre de Morris, on pourrait presque dire que El Magnifico est finalement la meilleure adaptation de Lucky Luke jamais réalisée, bien que je m’avance légèrement avec cette affirmation, n’ayant pas encore vu la version de James Huth (à part les centaines de B.A et teasers disponibles sur le net avant sa sortie), ni celle de Terence Hill (mais dont on ne dit pas que du bien).
Pour El Magnifico, Terence Hill, trois ans après On l'appelle Trinita et un an avant Mon nom est Personne est au zénith de sa carrière – et peut-être le seul acteur au monde ayant réussi en terme d’aura internationale à côtoyer l’ahurissant succès mondial de Chaplin – place toujours ses sourires angéliques, sa feinte naïveté et ses yeux grands ouverts au service du bien, de la veuve et de l’orphelin. El Magnifico fonctionne sur le thème du citadin en déphasage avec l’Ouest dur et austère. Sur ce thème pourtant usé jusqu’à la corde déjà au temps du muet (voir Go West du maître Keaton, ainsi que Malec chez les indiens, où l’on retrouve le filet à papillons), Enzo Barboni parvient à dépasser la lourdeur parodique de ses Trinita pour réaliser un agréable film, tout public et à la bonne humeur communicative. Certes, il y a les inépuisables fayots, certes il y a les ridicules chasseurs de primes des Trinita, certes il y a les interminables bastons, mais le scénario est plus fin, plus comestible, plus familial. On apprécie toujours autant cet inépuisable attrait des héros de westerns italiens envers les faibles et les marginaux (les trois bandits socialement inadaptés, le charpentier irlandais et sa ribambelle de gamins) et on remarque un brin gêné ce pur héros aux yeux bleus qui avoue sa peur avant sa transformation en dur à cuire. On apprécie également, n'en déplaise aux puristes, de retrouver Harry Carey Jr. dans ce western. Dans ma mémoire, le scénario était plus du type de ceux des westerns samouraï, c’est à dire qu’on découvrait que l’Anglais, malgré son déphasage avec la société de l’Ouest, parvenait à se sortir du pétrin paradoxalement grâce à ses bonnes manières et à sa candeur. Il n’en n’est rien. Il faudra que le héros se fasse littéralement violer (comme le précise Jean-François Giré en introduction du DVD Sidonis) pour que la métamorphose opère et qu’il se fonde enfin dans son environnement. Si vous ne goûtez guère à Terence Hill mais que vous avez apprécié Mon nom est Personne, essayez donc celui-là!

Les Dalton

2011-01-01T23:26:00.002+01:00

2004
Philippe Haim
Avec : Eric Judor, Ramzy Bedia

Facile évidemment de démolir consciencieusement une telle entreprise, si éloignée de l'humour de René Goscinny, si bête et dénuée de la moindre sympathie a priori, si vide de sens et d'humanité que la regarder jusqu'au bout tient au mieux du pari stupide, au pire, de la profession de foi. Un sombrero magique, des effets spéciaux numériques à tous les plans, un Rantanplan hideux, l'arche d'Il était une fois dans l'Ouest (c'est à qui qu'ils espèrent faire plaisir en mettant des hommages à l'un des meilleurs films au monde dans un film aussi nul ?), on est finalement si éloigné de l'univers du Lucky Luke de la bande dessinée que l'on peut se concentrer sur le reste, ces curieuses couleurs saturées jaunes et vertes, ces décors soignés implantés - caramba - en Espagne du Sud, et ces quelques gags qui fonctionnent, non pas parce qu'ils sont hilarants, mais parce que noyé sous un déluge de dialogues débiles et de caméos insipides, on est bien forcés à un moment ou un autre de rire, sous peine d'être emportés par ce torrent de conneries fatigantes débitées in extenso sans souci de rythme ou de cohérence. Il y a peut-être Michaël Youne qui fait une apparition, ou peut-être pas, et s'il n'y est pas, on doit sûrement voir la gueule de Elie Semoun ou celle d'un abruti de la bande à Ruquier, et c'est pas Jean Dujardin qui nous fait un numéro à la Brice de Nice là? (Des vannes style Brice de Nice dans un Lucky Luke, Goscinny doit avoir le tourni à force de se retourner dans sa tombe). Et au fait, c'est pas Jean Dujardin qui fait Lucky Luke dans le film de James Huth? Le monde est petit!
Lucky Luke justement, fait quelques apparitions dans ce film. Il est joué par Til Schweiger, et il tient plutôt bien la route, taciturne, ses dialogues se limitant à Mouaip, c'est finalement lui le plus fidèle à l'esprit de la BD. C'est pas grand chose, mais ce personnage, et les quelques gags au choix qui vous feront rire (pour moi: le gag de Joe faisant des jumelles - vraiment grossissantes - avec ses mains, et les poulets aux piments explosifs), permettent de se remémorer cet adage souvent vérifié par les amateurs pervers de western spaghetti: même dans le pire film, on trouve toujours un petit truc sympathique à se mettre sous la dent. Le générique arrive et il est rempli de dessins de Morris. On se demande ce qu'ils foutent là, mais ça aussi, c'est toujours bon à prendre!

NB: Voici les paroles du réalisateur, trouvées sur AlloCiné: "Il s'agissait de transposer un monde figé sur page, assez épuré, en quelque chose de vivant et de dynamique, mais sans en perdre l'identité. (...) L'enjeu pour moi était d'offrir un spectacle familial qui ne trahisse jamais la BD. Elle est intemporelle, parce que l'immense authenticité de ces personnages fonctionne toujours."
Bon, quiconque connait la BD et a vu ce film sait que le réalisateur non seulement a trahi la BD, en a perverti l'identité mais qu'en plus, le spectacle proposé n'a rien de vraiment familial. Ce que j'aimerais savoir moi, c'est si ce genre de petites phrases issues des dossiers de presse sont prises au sérieux par ceux qui les récitent, ou si en plus ils ont l'insigne honneur de se foutre de notre gueule?

Adios Hombre

2010-12-20T23:50:00.003+01:00

Sette pistole per un massacro
Mario Caiano
1967
Avec: Craig Hill, Eduardo Fajardo, Piero Lulli

Il y a bien longtemps que je n’avais mis une galette spaghetti dans la machine, et ma foi j’avais un peu perdu mes repères. Grand dieux ! Qu’est ce que c’est que ces décors minables au possible ? Une ville tout sauf crédible (le fronton de la banque qui fait toc, au secours!), vide, au ciel bas et froid ! Pas d’Almeria, pas de chaleur, pas de mobilier, le néant. Mario Caiano a beau soigner ses plans et ses perspectives, on se retrouve brutalement plongé dans la misère spaghettienne la plus nue. Lorsque Craig Hill (en bonne place dans le palmarès des acteurs de western spaghetti sans charisme) rentre dans le saloon, il y a un peu plus de monde, on pourrait y croire, on se dit même que cela ressemble à un effet recherché mais on est alors frappés par l’indigence de la vestimentation. Où sont les tenues baroques et étudiées, où est le choc esthétique procuré par les accessoires, où est le soin apporté au détail ? Eduardo Fajardo a rarement été aussi peu inquiétant, tant il est mal sapé et même Piero Lulli ne fait guère d’effet engoncé dans son costume simili-cuir mal ajusté.
Heureusement, peu à peu, le charme ineffable du western italien agit. Après deux ou trois chtouig à la guitare de la partition de Francesco de Masi, après deux ou trois coups de feu à l’écho ultra exagéré, après l’apparition de têtes aimées comme celle de Nello Pazzafini, on reprend plaisir au truc, la machine se remet en marche, le cerveau se remet sur les rails, et youpi, on n’a plus qu’à cataloguer la ribambelle de points positifs de l’entreprise. En premier lieu, un scénario solide, bien ficelé, bien mené et que l’on suit avec plaisir jusqu’au bout. Bon, étant donné le pitch – à savoir une bande de bandits qui tient une ville en otage – on se serait attendu, de la part d’un western italien, à plus de démesure dans les sévices, brimades et autres violences diverses à l’encontre de la population locale, mais comme le dit en introduction Jean-François Giré dans un argumentaire un peu bancal, Caiano fait partie de ces réalisateurs qui ont affirmé leur personnalité en copiant le classicisme américain plutôt que le style Leonien (bon je caricature un brin, mais ça revient à ça). Donc, de la violence oui, ma non troppo. Quoi qu’il en soit, le huis-clos étouffant est bien mené, bien rythmé, avec en filigrane des histoires de trahison et de vengeance qui tiennent la route. Les femmes ne font pas que de la figuration, on apprécie l’implication de Giulia Rubini, l’importance des dialogues qui lui sont accordés, le temps consacré à son personnage. Spartaco Conversi apparaît à la fin pour notre plus grand bonheur, et même si l’on sait avant même que la diligence n’arrive qu’elle sera remplie d’hommes de loi, et bien ma foi le film a rempli son office, il a permis de passer une bonne petite soirée spaghetti sans prise de tête, tout en rêvant, comme d’habitude, de ce qu’aurait pu être le film avec plus de moyens, plus de tripes et plus de cran. Malgré tout, un spagh honnête quoi, ni plus, ni moins.

Le DVD Seven 7: image pas tip top, manquant de netteté, couleurs légèrement délavées par moment, un peu vives à d'autres moment, il manque les tons ocres du genre. Introduction factuelle de Jean-François Giré qui dit tout ce qu'il peut sur un film somme toute assez mineur malgré ses qualités de mise en scène.

Bandido Caballero

2010-12-18T14:55:00.001+01:00

Bandido !
1956
Richard Fleischer
Avec: Robert Mitchum, Gilbert Roland, Ursula Thiess

Dix ans avant Damiano Damiani, Richard Fleischer nous fait découvrir le Mexique révolutionnaire, avec son armée de gris vêtue qui se fait tailler en pièces, ses péons hurlants qui tombent comme des mouches, les révolutionnaires guerilleros bardés de cartouchières, les automobiles primitives et sa course au trésor, bien qu’ici c’est d’une chasse au dépôt d’armes qu’il s’agit. Le duo entre l’occidental arriviste et le Mexicain révolutionnaire est déjà là aussi, bien que le mexicain joué par Gilbert Roland ne suive pas la pente initiatique vers la révélation sociale que suivront ses successeurs italo-cubains. Robert Mitchum, par contre, avec son flegme et son absence de scrupules, préfigure bien la ribambelle de pingouins polako-finlandais qui déferleront sur le territoire du Mexique Spaghetti dans les années soixante, mais western américain oblige, c’est la femme (Ursulla Thiess) qui lui donnera une leçon d’humanité, et non pas le rustre indigène local. On est tout surpris également de trouver un Mexique verdoyant et varié (le film a bel et bien été tourné au Mexique selon imdb), à mille lieues des cailloux désertiques d’Almeria, mais aussi des gorges épineuses de Peckinpah. La mer au Mexique ? Mais oui, c’est possible. Des marais poisseux ? Mais oui, aussi !
Si le film aura alors un incontestable attrait pour les amateurs de western zapata, il n’en reste pas moins agréable à suivre pour le commun des mortels, avec des moyens, des grenades, du second degré et une lisibilité limitée des intentions du héros. Mitchum est bien, sans flingue et sans chapeau, Gilbert Roland un peu moins convaincant, en révolutionnaire presque intellectuel.

Image: USMC sur Western Movies

Les Commancheros

2010-12-18T14:12:00.001+01:00

The Commancheros
Michael Curtiz
1961
Avec: John Wayne, Stuart Whitman, Ina Balin, Lee Marvin

Ce que l’on retiendra de cet ultime western de Michael Curtiz, ce n’est pas justement, qu’il fut son ultime western, terminé, pour cause de maladie, par John Wayne lui-même. On ne reviendra pas non plus sur la prestation en demi-teinte de Stuart Whitman en fade joueur de cartes, qui rappelle Tony Curtis dans Les années sauvages. L’on ne s’attardera pas non plus sur la sympathique prestation du bedonnant John Wayne, en Texas Ranger paternaliste, au cours de laquelle le Duke joue très bien le Duke comme il aimait à le rappeler, alors qu’on préfère se rappeler pour notre part de ses prestations dans La Prisonnière du désert ou Le fils du désert, dans lesquelles le Duke parvenait haut la main à surpasser le Duke.
C’est plutôt le personnage de Pilar Graile et son interprétation par Ina Balin pour le coup qui nous a marqué, tant par son sourire ravageur, sa personnalité indépendante, ses répliques imprévisibles, son intérêt trouble pour Stuart Whitman et son insensibilité totale à la virilité vieillissante du Duke. Dommage qu’une fois l’action pliée, elle rentre dans le rang, enlève son pantalon pour le troquer contre une robe et regarde langoureusement le lisse Stuart Whitman d’un air de femme bien élevée. Tsss.
Il reste à se mettre sous la dent beaucoup d'action, des indiens qui tombent comme des mouches, une apparition bien trop courte mais savoureuse de Lee Marvin, une autre apparition de Guin 'Big Boy' Williams et des anachronismes en veux-tu en voilà (comme ces winchester dans les années 1840). Le film étant sympathique mais pas exceptionnel, je me réserve pour plus tard les westerns de Curtiz avec Errol Flynn (Les conquérants, La caravanne héroïque et La piste de Santa Fé), qui selon Christian Viviani, sont beaucoup plus personnels et intéressants.

Image: lasbugas sur western movies

Mais qu’avez vous fait à Solange?

2010-10-28T18:00:00.001+02:00

Cosa avete fatto a Solange ?
1972
Massimo Dallamano
Avec: Fabio Testi.

La belle langue italienne parlée au beau milieu de Londres, voilà qui offre déjà un peu de piquant pour ce giallo édité par Neo Publishing. L’on commence fort gentiment avec une belle tripotée de jeunes filles en fleur pédalant doucement sous la belle musique d’Ennio Morricone. D’emblée on est saisi par la lourde ambiguïté de ce type de métrage, ces riantes jeunes demoiselles veulent respirer l’innocence qui alimentera la haine vengeresse du spectateur choqué par leur horrible supplice. Et en même temps, si le spectateur va voir ce film, c’est bien qu’il espère en voir de belles, des nichons et des fesses, des yeux révulsés de terreur et du sadisme bien pimenté. Qu’à cela ne tienne, coté cul et nichons, l’intégralité des plans est sur la jaquette du DVD Neo Publishing, donc rien ne sert de mettre la galette dans le lecteur pour cet inavouable penchant là, et en plus, je vous en remet une couche…:

Pour le sadisme, le sort réservé aux gaies mutines est également décrit sur la jaquette, de surprise point donc, et malgré quelques plans graphiques corsés, le sadisme de l’affaire paraît bien fade avec les années. Reste alors le suspense, le scénario alambiqué qui malgré une lenteur toute relative reste cohérent, maîtrisé et surtout assez inattendu au niveau de la révélation du pourquoi du comment de toutes ces saletés. L’interprétation est bonne, Fabio Testi en tête bien qu’il s’efface plus ou moins vers la fin au profit de Joachim Fuchsberger, l’inspecteur local. On est également surpris de voir certains personnages disparaître prématurément alors que le suspense reposait plus ou moins sur eux, tandis que d’autres formatés et catalogués depuis le début évoluent lentement et révèlent d’autres facettes de leur personnalité, comme la teutonne femme du héros joué par Karen Baal, qui une fois qu’elle a dénoué son rigide chignon sait faire preuve de grâce et de compréhension. Notons au passage qu’à part une grosse mégère tricoteuse, l’ensemble du casting féminin est sidérant de beauté, ce qui n’est pas le cas du libidineux, torve et crispé casting masculin constituant la ribambelle de pervers suspects qui gravite autour du collège de jeunes filles en jupettes (dont le spaghettiesque Antonio Casale). La Solange du titre apparaît fort tardivement, elle est joué par Camille Keaton, la petite fille de Buster Keaton, qui nous marquera plus huit ans plus tard dans l’horrible et vieilli I spit on your grave. Un film bien fait, qui permet de se replonger dans l’ambiance seventies où la libération sexuelle se confrontait à la rigidité ecclésiastique, sans que l’on sache bien qui gagne à la fin, car si les meurtres sont unanimement condamnés, force est de constater qu’elles l’avaient bien cherché les salopes, comme si le mal à l’état pur n’existait pas, comme pour rassurer le bon père de famille : rien de tel n’arrivera à vos filles si elles se tiennent à carreau ! Et puis, l’on sait désormais où Brian De Palma a été cherché ses idées de nymphettes sous la douche collective et de caméra subjective pour suivre l’assassin.

Pathfinder

2010-10-28T11:29:00.002+02:00

Pathfinder
2007
Marcus Nispel
Avec: Karl Urban

L’Amérique du Nord précolombienne est un fatras de grosses racines enchevêtrées nimbées d’une brume permanente savamment CGIsée. Les arbres semblent avoir oublié que pousser tout droit est une option, les précipices de trois kilomètres de haut disposent judicieusement d’une étroite corniche pour que les Vikings puissent se promener. La pluie et la neige sont si nettes et si belles qu’on en viendrait à mépriser le soleil. C’est dans cet environnement véritablement étudié au pixel près que Karl Urban, taillé comme un panneau cédez le passage, charcle du méchant Viking pour le compte des gentils indiens. Il faut dire qu’il a été Viking dans sa jeunesse, et donc, qu’il sait manier l’épée, et donc qu’il est capable de débiter du Viking au kilomètre, aidé également par le fait que ceux-ci ont la sale manie de se battre au ralenti, ce qui permet d’ajuster ses coups. Le ralenti à outrance, fléau des années 2000 est ici bien de la partie, les chevaux galopent au ralenti, les têtes éclatent au ralenti et le héros baise l’indienne au ralenti, anéantissant totalement l’érotisme d’une scène obligée qui n’émoustillera plus grand monde (par contre, les nuages parfois, avancent en accéléré, allez comprendre...).

Les Northmen pourtant sont magnifiques, Marcus Nispel en a fait des monstres, des tas de muscles impressionnants, des montagnes puissantes recouvertes de peau de bêtes, de cotes de maille, de casques aux excroissances cornues anarchiques. Le responsable costumes a du s’éclater. On ne sait plus où est l’humain là dessous, parfois on surprend un regard ou une dentition déplorable. La bête Viking feule, grogne, parle rarement, et quand elle parle c’est pour se désigner comme “être humain” alors que justement elle n’a rien d’humain, ni pitié, ni amour, ni humour. Et cette opposition avec les indiens simples, presque pas armés, souriants, aimant, formant une communauté vivante résonne avec le peuple Cheyenne des westerns qui eux aussi se désigneront sous le terme “êtres humains” et est renforcée par le fait que les indiens parlent anglais alors que les Vikings parlent un sabir incompréhensible.
Le film sait être efficace et n’hésite pas à flirter avec le n’importe quoi sans jamais dépasser le seuil de tolérance nanardesque du plus ingrat des fans de film à testostérone. Après une poursuite en luge (le réalisateur fait faire du surf des neiges au héros sur un bouclier, totalement improbable, mais celui-ci reste couché sur son bouclier tout de même, pas debout, ce qui là aurait été véritablement ridicule…), les Vikings vont faire un peu de spéléo dans des grottes curieusement peu photogéniques, puis de l’alpinisme, encordés et tout et tout. L’espace, les dangers naturels (glace qui craque, avalanche qui gronde, grizzly massif qui fonce) sont bien exploités, le film évite de s’apesantir trop longuement sur une élimination one by one Rambo style avec des pièges aux piquants de bois couverts de mousse pour favoriser une sorte de huis clos à ciel ouvert, avec tension palpable et comment vont-ils s’en sortir et tout le toutim.

Bref, malgré tout, on en vient à se dire que tout cela est fort divertissant et qu’on prend bien son pied, et ce n’est pas l’immonde, mais ô combien fréquent préchi-précha à deux balles des indiens qui va nous arrêter. Trouve ta propre voie, chacun sa route, chacun son chemin, passe le message à ton voisin. L’homme est dévoré par deux forces qui s’opposent, l’amour et la haine bla bla, suis mes conseils et je suivrai ta voie, on s’y perdrait si on écoutait, mais heureusement on n’écoute plus, on préfère admirer les monstrueux Vikings éclater des têtes à la masse d’arme, juchés sur d’improbables montures qui tiennent plus du char d’assaut que du cheval. Et c’est dans les scènes coupées qu’il faut aller chercher des séquences qui échappent un peu au marasme consensuel hollywoodien actuel: l’indienne subrepticement, vérifie que la bite de son héros gravement blessé est encore à l’endroit où elle devrait être et l’indien muet pète, au détour d’un bivouac, pour détendre l’atmosphère. La musique ne dépasse pas le cadre du simple accompagnement, les cordes font lourdement “honnnn” tandis que des chœurs discrets tentent d’appuyer la monstruosité des crimes commis, mais ça ne décolle jamais, parfois on croit que ça va s’élever, nous filer des frissons comme le ferait Arvo Pärt, mais non, malheureusement, tout cela reste au ras des pâquerettes, comme ces corbeaux qui sont là à chaque fois que les Vikings apparaissent. Mais si vous êtes bon public comme moi, le film devrait grandement vous satisfaire, même si le cinéma est relégué au second plan derrière l’esthétique, d’autant que le film qui n’a pas marché a sûrement déjà le statut de film “maudit” ou “culte” ou ce que vous voudrez. Et pour les fans de western, on retrouve deux acteurs native, Jay Tavare (The missing, Cold Mountain, Into the West) et Russel Means (Tueurs nés, Into the West, Le dernier des Mohicans), ce qui me permet de classer ce film dans “En marge du western”, hop!

Le Survivant des Monts Lointains

2010-10-09T21:36:00.002+02:00

Night Passage
1957
James Neilson
Avec: James Stewart, Audie Murphy, Dan Duryea, Olive Carey

C'est Anthony Mann qui aurait du tourner ce film, hors, c'est à un gars de la télévision qu'échut la tâche, et ça se sent. James Stewart joue de l’accordéon pour vivre. Comme souvent, il joue le gars tout fragile de partout mais qui en fait est un grand tireur qui s’auto-refoule. Audie Murphy est son jeune frère, pile du mauvais coté de la force, avec son attirail clinquant et son attitude de loubard des années cinquante. Le scénario est un peu complexe, guère passionnant. Le déchirement familial peine a produire l’effet escompté, et l’une des deux stars meurt sans qu’on soit plus touché que cela. Dan Duryea reprend son personnage de Winchester ’73 en plus cabotin, et donc en moins crédible. Il y a une ou deux nanas qui gravitent aussi autour de ce beau monde, histoire de rajouter du piment à la mayonnaise.
Tout cela rend le film sympathique, mais non passionnant, au point que ce qui retient le plus l’attention au final, ce sont les petits détails qui ne s’accordent pas avec l’imagerie habituelle du western. Primo, le James Stewart qui joue de l’accordéon, ce qui donne lieu à une intéressante confrontation avec Audie Murphy lorsqu’il lui joue un air de leur enfance. Deuxio, les décors finaux, avec ces mines et leur téléphérique, qui tranchent bien sûr avec les lieux typiques du western, la ville, le désert, le canyon.
On est content aussi de voir un film graviter autour d’une ligne de chemin de fer en construction, avec le riche visionnaire dans son wagon, parce que ça nous rappelle Il était une fois dans l’Ouest, alors qu’en principe c’est Il était une fois dans l’Ouest qui aurait dû nous rappeler ce film et d’autres du même genre. C’est ça le problème d’être né trop tard et de se construire une connaissance cinéphilique à rebours, en piochant au hasard des diffusions et des sorties DVD sans avoir le fil conducteur de l’Histoire en tête.
Enfin, on note la prestation d’Olive Carey, la femme d’Harry Carey, qui elle aussi contribue à imprimer la marque de sa famille dans l’Histoire du Cinéma. Elle joue également dans La Prisonnière du désert, où elle pleura, paraît-il, après que John Wayne rendit hommage à son mari avant de s’éloigner à travers une porte.

Captures: USMC sur Western Movies

The Local Bad Man

2010-10-03T22:13:00.000+02:00

1932
Otto Brower
Avec: Hoot Gibson

Hoot Gibson, toujours sans armes, d’une élégance rare, habillé en vrai cow boy avec ses chaps et ses jambes arquées, dégage une étrange assurance, une morgue et une répartie non dénuée de violence intériorisée, tel un garçon gentil qu’il ne faudrait pas chatouiller trop longtemps pour qu’il explose. Cette tension retenue est paradoxalement accentuée par son physique rondouillard et ses sourires désarmants. Super à l’aise sur son cheval (il fut champion de rodéo), il maîtrise tant la gent équestre qu’il ne juge pas nécessaire d’en faire des tonnes comme Tom Mix ou Yakima Canutt
pour nous impressionner. Mais c’est sûr, Hoot irradie. Et c’est tout l’intérêt de ce petit western de série B, Hoot Hoot et encore Hoot, qui éclipse ses deux sidekicks comiques, qui éclipse l’habituel scénario de complot, qui éclipse la girl de service, le tout étant uniquement destiné à nous faire passer le temps agréablement. Le temps est une denrée rare de nos jours, donc le film échoue à l’aune des critères de divertissement actuels, il nous donne l’impression de nous le faire perdre, notre temps, et dans le même temps, on se dit que tout ce petit monde là, disparu pour toujours, mérite bien qu’on stoppe pendant cinquante minutes le rythme de nos vies effrénées.

Vers l'Ouest

2010-09-25T23:48:00.001+02:00

Betty Miles, Ken Maynard, Hoot Gibson

Westward Bound

1944

Robert Emmett Tansey

Avec: Ken Maynard, Bob Steele, Hoot Gibson

Western de série B d’une quarantaine de minutes, Vers l’Ouest n’est pas mentionné dans le livre de Didier Lodieu parce qu’il date des années 40 et que le western B des années 30 intéresse si peu de monde en France que le tome 2 de son ouvrage – centré donc sur les années 40 – ne se fera sans doute jamais. Mais il évoque quand même cette série des “Trail Blazers” qui fait jouer ensemble trois stars importantes du western B: Bob Steele, Ken Maynard et Hoot Gibson.

En 1944, Bob Steele était toujours le petit gars nerveux, bon boxeur et séduisant. Le voir ici aux cotés de Ken Maynard montre à quel point il était petit. Bob Steele a déjà beaucoup été mentionné sur ce blog (cliquer sur l’intitulé en bas de l’article) alors que Ken Maynard n’a eu que les honneurs de l’excellent Hell Fire Austin. Ici Ken Maynard a pris un peu de bide. Son fidèle Tarzan n’est plus le même que dix ans auparavant. Il est un acteur sur le déclin, prétendument irascible, ivrogne et tapant sur les nerfs de son entourage. Mais dans le film bien sûr il est bon, il est fort, il est brave.

Hoot Gibson, je crois n’en avoir encore jamais parlé, alors qu’il apparaît pourtant en 1917 dans Straight Shooting et en 1919 dans By Indian post (c’est lui le gringalet en cache-poussière) de John Ford. Autant dire qu’en 1944, c’est déjà un sacré vétéran du western. Hoot Gibson est une personnalité à part du western de série B. Champion de rodéo, la bouille ronde et sympathique, il n’a pas le physique du jeune premier intrépide. Il joue au contraire de sa rondeur, de son humour. Presque jamais armé dans ses films, Hoot Gibson est très populaire et enchaîne les premiers rôles dans des westerns de veine plutôt comique. Dans ce Westward Bound, il se bat en effet à coup de tarte à la crème, joue du lasso et pilonne les bad guys à la dynamite comme un gros gamin qui fait une farce, avec un bon vieux gag final à la Tex Avery. On ne peut pas détester un gars comme Hoot Gibson.

Bob Steele (à droite) en pleine action

Et le film sinon? Et bien c’est le tempo habituel des séries B sans surprises et sans originalité, à part que nos trois héros ne portent pas de noms de scène, mais se font appeler par leurs vrais noms d’acteur. On voit également une cow-girl (Betty Miles) qui monte sacrément bien à cheval et qui est plutôt moins nunuche que la moyenne. Le tout reste bien sûr très agréable et très divertissant quand on aime de genre de vieilleries, et en plus, il y a une VF!

Law West Of Tombstone

2010-09-19T00:04:00.001+02:00

A gauche, Harry Carey

1938
Glenn Tryon
Avec: Harry Carey, Tim Holt, Evelyn Brent, Ward Bond

Très apprécié par Didier Lodieu dans son livre Le Western B, Law West of Tombstone est une sorte d’OVNI dans le petit monde formaté des westerns de série B. Le héros - mais s’agit-il d’un héros ? – est un vieux briscard menteur, voleur, baratineur, charmeur. Il est interprété par Harry Carey, la légende vivante – mais ici sacrément vieillissante – du western muet. Harry s’amuse beaucoup, affiche de larges sourires, ne semble jamais s’en faire, et devient une sorte du juge Roy Bean tenant justice alambiquée dans son saloon entre deux tournées générales (d'où le titre, en référence à la loi à l'Ouest du Pecos). Le scénario est difficilement compréhensible, et ce n’est pas faute de ne pas comprendre l’anglais, ce film a été diffusé sur Ciné-Classics avec des sous-titres français!. Harry a donc une fille dans le film, mais une fille qui ne sait pas qu’il est son père et qui ne doit pas le savoir. Il y a aussi une histoire loufoque avec une réserve indienne, le jeune premier Tim Holt qui joue une espèce de Billy The Kid qui ne tuerait point et qui serait poli avec les dames, des “punchlines” parfois assez réjouissantes, une ambiance à l’amoralité gentiment piednickelesque et des méchants qui font penser aux Clanton. Ajoutez à cela que le film se paye le luxe de débuter à New York, qu’Harry se retrouve obligé de voyager avec un singe et que Ward Bond fait une apparition, et vous conviendrez qu’on est loin du canevas habituel avec le héros intrépide qui déjoue un complot et sauve une jeune fille en cinquante minutes. Pour autant, si Law West of Tombstone est une curiosité, il ne faut rien y voir de plus qu’un amusant divertissement, tant son apparente immoralité et sa décontraction ne débouchent sur rien de spécifiquement original. In fine, tout est bien qui finit bien comme dans toute série B qui se respecte, mais pour découvrir une nouvelle facette de l'immense Harry Carey, et pour son scénario abracadabrantesque, Law West of Tombstone mérite le détour.

C'est qui? D'après imdb, c'est Ward Bond!

Le fils du désert

2010-09-12T00:28:00.005+02:00

Three Godfathers
John Ford
1948
Avec : John Wayne, Pedro Armendariz, Harry Carey Jr., Ward Bond

Le film débute sur la silhouette d’un homme à cheval, en contre-jour. Il s’agit de Cliff Lyons, posant nonchalamment sur sa selle à la manière de Harry Carey, auquel le film est dédié. Cet hommage à la grande star du muet – « bright star of the early western sky » - morte quelques mois plus tôt, est particulièrement significatif dans le cadre de ce film-ci. D’abord parce que le sang de la star coule dans les veines de l’un des acteurs principaux (son fils Harry Carey Jr. joue dedans quoi…), ensuite parce que Le fils du désert est une énième version cinématographique du roman de Peter B. Kynes, et que Harry Carey avait joué dans deux d’entre elles, la première en 1916 réalisée par Edward Le Saint, la seconde en 1919 réalisée par John Ford déjà, sous le titre Marked Men.
La version de Ford de 1919 est réputée perdue. Celle de Edward Le Saint l’est sans doute aussi. Il est donc difficile de juger sur pièces, mais le fossé technique et narratif qui existe entre le cinéma des années 10 et celui des années 40 est tel qu’il est difficile de parler de remake. Inutile de fantasmer donc sur une virtuelle comparaison entre les deux versions du même réalisateur. Dans les années dix, John Ford et Harry Carey écrivaient leurs scénarios à deux, ils tournaient en quelques jours. En 1948, l’écriture du scénario à lui seul prendra quatre semaines. La différence d’investissement est telle qu’on ne s’étonne pas que tous ces petits films du muet aient été si peu considérés, même par ceux qui les avaient produits, et finalement perdus. Aujourd’hui on s’en mord les doigts. Même tourné à la va-vite dans des conditions de production quasiment à la chaîne, on aimerait bien découvrir ce Marked Men. Mais je m’égare.

Le fils du désert est un film magnifique. L’histoire est magnifique, les acteurs sont magnifiques, la photo est magnifique. Dieu soit loué celui-là n’est pas perdu. Oui, un non-croyant comme moi peut grincer des dents à la parabole chrétienne poussive, mais j’évite de grincer des dents, ça fait sauter les plombages. L’histoire est simple et belle, et notons que selon Larry Langman dans A guide to Silent Western, il y avait déjà un critique en 1916 pour trouver que le scénario et les personnages de la version de Edward Le Saint étaient invraisemblables. Peut importe de toute façon, si le politiquement correct de 1948 fait grincer des dents aujourd’hui, le politiquement correct d’aujourd’hui fera sauter les plombages des mes petits enfants dans cinquante ans. On a tout dit sur le coté volontairement gentil du film, les bandits bien sympas, le shérif (Ward Bond, formidable) qui s’appelle B. Sweet et qui n’est pas payé pour tuer les gens, la bonne humeur et l’absence de réelle violence. On l’a tellement bien dit ailleurs que c’est plutôt l’inverse qui m’a sauté aux yeux. Il y a d’abord le fait que la ville nommée Welcome s’appelait auparavant Tarantula. Il y a ce plan du bandit tenant un biberon d'une main et un revolver de l'autre. Il y a ce revirement du Shérif qui offre une prime à ceux qui abattront les fuyards quand il croit à tort qu’ils ont assassiné la femme et dynamité le puits. Et il y a aussi le personnage de Robert Hightower joué par John Wayne. Ses deux comparses ne sont pas réellement des bandits : Pedro (Pedro Armendariz) n’est qu’un voleur de chevaux, il a eu femme et enfants. The Abilene Kid (Harry Carey Jr.) n’est qu’un bandit en devenir. Mais Robert est un vrai bandit, c’est lui le chef, c’est lui qui monte le coup de la banque, et c’est un dur à cuir, pragmatique et presque insensible. Lorsque le Kid déclare qu’il ne pourra pas traverser le désert, Robert évalue la situation et acquiesce, en l’aidant à déboîter les talons de ces bottes. Lorsque Pedro, avec sa jambe cassée, demande un revolver pour se défendre contre les coyotes, Robert lui laisse son arme et l’abandonne sans se retourner alors qu’il sait très bien qu’il va se suicider. Deux des personnages principaux meurent pour la bonne cause, à l’image du sacrifice des trois canailles de Three Bad Men. Tous ces éléments bien sûr ne démontent pas l’analyse parabolique et gentillette du film, mais ils l’inscrivent dans un registre crédible et plus réaliste qu’on ne pourrait le croire. Et John Ford, connu pour filmer entre les pattes des chevaux, filme les guibolles chancelantes des hommes, les pieds las qui trébuchent dans la rocaille, les visages fiévreux sous le soleil, la poussière qui assèche et étouffe. Aujourd’hui encore, cette traversée du désert n’a pas perdu de sa superbe.

Bien sûr on ne négligera pas la nostalgie qui patine un film et le rend meilleur. Le bébé enduit de graisse de chariot qui avait bien fait rire ma mère, les cactus qu’on décapite pour en récupérer le jus – grand moment de mythologie du désert, les deux fantômes qui suivent John Wayne et qui, dans mon souvenir étaient présents beaucoup plus longtemps. John Wayne enfin, qui entre au saloon, un bébé dans les bras, demandant un biberon et une bière. Si ça c’est pas sublime ! John Wayne qui fait du John Wayne sans vraiment faire du John Wayne, le visage beaucoup plus torturé et moins monolithique que d’habitude, parfois si expressif qu’on a du mal à le reconnaître. Quand il obtient enfin sa bière, on est heureux avec lui, et c’est la grande force de ce film de faire passer autant de moments humains et réels dans un conte fabriqué de toute pièce.

Note : certains osent prétendre que Trois hommes et un couffin est un remake de ce film. Honte à eux :-)

Sources : John Ford par Patrick Brion. John Ford par Philippe Haudiquet
Capture: Western Movies

Soleil Rouge

2010-08-28T23:58:00.000+02:00

1971
Terence Young
Avec : Charles Bronson, Toshiro Mifune, Alain Delon, Ursula Andress, Capucine

Multi-diffusé à la télévision, Soleil Rouge est un western de production française, tourné à Almeria, qui, bien que commençant à vieillir, est toujours aussi agréable à regarder. Pourquoi commence-t-il à vieillir ? Parce que certains défauts qui étaient invisibles à l’époque sautent aux yeux aujourd’hui : quelques longueurs dans les pérégrinations du duo de héros, des indiens plus que ridicules, et quelques détails marrants : au début, lorsque Charles Bronson ôte la selle de son cheval, il se prend l’étrier en pleine gueule, mais réussit à faire comme si de rien n’était. A la fin, Alain Delon effectue un saut de trois mètres du haut d’un grenier, se loupe et manque se vautrer, mais rétablit la situation en sauvant la face. Est ce l’ère numérique et ses images ciselées au pixel près qui nous fait voir ce genre de détails qui nous échappaient autrefois ? Verrait-on ce genre de chose dans un film avec un casting aussi prestigieux aujourd’hui ?
Toujours est-il que malgré ces « défauts », le film est très bon, en tout cas bien meilleur que ce que certains affirment. D’une part le duo de stars, Charles Bronson, la star américaine qui avait joué dans Les Sept Mercenaires et Toshiro Mifune, la star japonaise qui avait joué dans Les Sept Samouraï, fait merveille. Mifune, stoïque, rigide et implacable en samouraï vole même la vedette à Charles Bronson, sympa et un brin cabot. Ensuite Alain Delon est bien moins mauvais que ce qu’on peut lire un peu partout, y compris chez Giré. Delon est beau, il interprète un bandit un peu dandy, un peu loubard, et il réussit à être un peu inquiétant et crédible. Sa tenue « de prisunic » comme dit Giré, peut faire sourire, mais on peut l’interpréter comme la tenue maladroitement chic d’une gouape qui veut paraître civilisée et qui se serait acheté un beau costume de cow-boy rutilant, et il n’est pas loin en ce sens de la classe des héros de western des thirties et de leur élégance ridicule. Ursula Andress fait le minimum, montre ses jambes et gueule sur Bronson, puis vingt minutes plus tard montre ses seins et gueule encore sur Bronson. On préfère à la rigueur le court rôle de Capucine (qui jouait dans la Panthère Rose) et qui en fait moins. Les fans de cinéma européens se régaleront à reconnaître les seconds couteaux, pour ma part je n’ai reconnu que Luc Merenda qui joue le (faux) berger lors de l’attaque du train.
Le final dans les roseaux m’a rappelé un film Japonais intitulé Onibaba (1964) et qui se déroule intégralement dans les roseaux, où le bruit du vent permanent hypnotise et rend fou. Hommage ou pas à ce film, je ne sais pas, mais ce qui est sûr c’est que Soleil Rouge a été conçu pour réussir au Japon, en rendant hommage sans mépris à ses traditions et en castant l’un de ses acteurs les plus prestigieux (Toshiro Mifune) et l’acteur étranger le plus populaire là bas (Alain Delon). Le film fit en tout cas, beaucoup d’entrées en Europe, et je garde pour ma part beaucoup de tendresse pour ce film, ses gags (le moustique), ses coups de katana sanglants et le charisme des deux acteurs principaux.

PS: bien que les puristes risquent de m'écharper, je classe ce western dans 'western spaghetti', faute de mieux.

Où le voir: à la télé.

Image: Metek sur Western Movies

The Night Rider

2010-08-16T00:35:00.000+02:00

George Gabby Hayes, Harry Carey, Julian Rivero

The Night Rider
1932
Fred C. Newmeyer
Avec : Harry Carey, George Gabby Hayes, Bob Kortman

Harry Carey est une étoile emblématique du western muet, indissociable du jeune John Ford avec lequel il trouve le succès. Sorte de chaînon manquant entre Tom Mix et William S. Hart, Harry Carey n’a ni la démesure athlétique de l’un, ni l’emphase dramatique de l’autre. Avec son visage buriné qui le fait apparaître plus vieux qu’il n’est réellement et sa gestuelle étudiée, Harry Carey devient pourtant l’une des stars majeures du western des origines.
Aujourd’hui, Harry Carey est assez difficile à voir. Il commence sa carrière en apparaissant dans quelques Griffith comme The Battle at Elderbush Gulch mais il faut un œil de vautour pour le repérer. Puis, il tourne avec Ford, mais de tous les « Cheyenne Harry » qu’il a tourné avec le prometteur jeune réalisateur ne subsistent que Straight Shooting et Bucking Broadway. En 1921, Carey et Ford se séparent, ce qui n’empêche pas l’acteur de continuer sur la voie du succès. De tous les westerns tournés par la star dans les années 20, il semblerait que Satan Town soit disponible (Didier Lodieu affirme d’ailleurs dans son livre qu’il s’agit d’un excellent western), mais le reste est difficilement trouvable. La filmographie muette de l’acteur semble donc perdue ou difficile à obtenir (beaucoup plus en tout cas que celle de William S. Hart), il faut donc se rabattre sur ses films parlants pour se rendre compte du travail de Harry Carey.
En effet, dans les années trente, Harry Carey est toujours une star malgré son âge (la quarantaine bien tassée) et l’arrivée du parlant. Il alterne les premiers rôles dans les westerns de série B et les seconds rôles dans des films plus ambitieux (Duel au soleil, Monsieur Smith au Sénat, La rivière rouge). The Night Rider fait partie de ces séries B bon enfant qui se regardent avec plaisir. Les grincheux contemporains remarqueront la faiblesse de la sonorisation balbutiante (parfois les lèvres bougent, mais il n’y a pas de son), la faiblesse du scénario de roman feuilleton et le peu d’ambition de l’ensemble. Les amateurs apprécieront la bonne humeur générale, le numéro facétieux de George Gabby Hayes, les apparitions de Bob Kortman et la teneur ‘Comic’ de l’ensemble (jusqu’à la vestimentation du Night Rider qui fait immanquablement penser à celle de The Shadow, personnage vengeur apparu à la même époque et plus tard adapté en bande dessinée). Carey ne fait pas son geste emblématique dans ce film, ce geste simple qui consiste à tenir son bras gauche avec la main droite et auquel John Wayne rend hommage dans la Prisonnière du désert. Il ne le fait pas non plus dans Straight Shooting ni dans Bucking Broadway. Le fait-il dans Satan Town ou dans d’autres de ses films parlants encore disponibles, ou bien ce geste est-il une légende perdue avec les bobines de ses films ? Je vous tiendrai au courant au fur et à mesure de mes découvertes.

Où le voir : Alpha Vidéo

Malec chez les indiens

2010-07-29T22:16:00.003+02:00

The paleface
1921
Buster Keaton
Avec : Buster Keaton.

Malec n’est plus guère connu de nos jours, raison pour laquelle ce film est désormais souvent titré Buster chez les indiens en France. Sans être le meilleur court-métrage de Buster Keaton (La guigne de Malec, par exemple au cours du tournage duquel il se blessa en sautant d’un plongeoir sur une fausse dalle en ciment, est plus drôle, plus grinçant, plus inattendu), The paleface mixe avec bonheur l’habituelle frénésie de Keaton (en chasseur de papillon !) avec les clichés sur les indiens (danse autour du poteau de torture, arcs et flèches) et un petit discours en faveur des défavorisés que l’on a plus l’habitude de voir chez Chaplin que chez Keaton. Certains gags sont brillants et surprennent encore le spectateur contemporain, comme lorsque Malec semble s’enfuir soudain par peur des indiens alors qu’il se jette en réalité sur un papillon. Même si le film s’essouffle vers la fin par manque de cohésion, l’apparition d’indiens quasi-nus parce qu’ils « ont tout perdu au strip poker » et le baiser final qui dure deux ans ne manqueront pas de ravir les amateurs de burlesque.

Où le voir : intégrale des court-métrages, coffret Arte Video

Square Deal Sanderson

2010-07-25T21:14:00.003+02:00

Square Deal Sanderson
Lambert Hillyer
1919
Avec : William S. Hart, Ann Little, Frank Whitson

Réalisé en 1919 pour la Artcraft, Square Deal Sanderson est basé sur un livre de Charles Alden Seltzer, romancier américain qui écrivait des histoires sèches et concises de cowboys en pleine wilderness. Le livre est disponible gratuitement sur internet, et une lecture rapide est suffisante pour se rendre compte qu’il ne s’agit pas de grande littérature, mais d’un roman à deux sous reposant en grande partie sur des dialogues permanents au détriment d’un sens de la narration et de la description. Malgré tout, l’auteur utilise avec bonheur des dialogues efficaces et incisifs pour installer un climat délétère assez bienvenu. On remarque bien sûr que le scénario du film simplifie grandement les tours et les détours de l’intrigue d’origine (en sabrant en particulier un certain nombre de personnages secondaires), même si le ton général, âpre, rugueux, violent de l’histoire est parfaitement préservé.
Car si les films de William S. Hart sont généralement plus noirs que le Tom Mix moyen, celui-ci détonne dans sa filmographie et installe une violence sourde et suggérée qui ne cesse d’aller crescendo. Le film donne la part belle à tous les poncifs du western sur l’absence de civilisation dans l’Ouest : poursuite des voleurs de chevaux, règlements de compte dans la nature, tentative de lynchage sauvage, corruption à tous les étages, évasion, tentative de viol, c’est là encore du classique, mais Square Deal Sanderson en rajoute une couche avec le massacre de 3000 têtes de bétail par empoisonnement (plus trois cowboys en victimes collatérales) puis le mode opératoire assez ignoble utilisé par notre héros de se débarrasser du bad guy. Avec une corde, Hart pend le méchant (Frank Whitson) par le cou par dessus un mur, et massacre avec application les mains du pauvre type qui essaye de s’agripper au faîte du mur pour échapper à la strangulation ! Même si au final il se retient de le tuer tout à fait, cette scène est notée avec respect dans une critique de l’époque (reproduite dans le livre The Complete Films of William S. Hart) qui fait remarquer qu’après des dizaines de milliers de kilomètres de pellicules westerns tournés depuis Broncho Billy Anderson, il était difficile d’innover encore dans ce genre de scène, et que Hart s’en sortait ici avec brio.
Sans en rajouter sur le fait qu’en 1919, les critiques pensaient que le western avait déjà plus ou moins dit tout ce qu’il avait à dire, il convient de remarquer pour aller dans son sens que peu de westerns des années ultérieures seront aussi imaginatifs dans leur climax, et que Hart n’a rien à voir là dedans puisque la scène est dans le bouquin.
Cette violence assez poussée pour un muet (bien que sous-entendue pour la majeur partie) est parfaitement accompagnée par une série de dialogues magistraux assez fidèlement reproduits du livre. Chose curieuse, les dialogues par intertitres fonctionnent merveilleusement bien dans le cadre du western, propice aux affrontements verbaux peu verbeux. La première rencontre entre le héros et le bad guy est à ce titre exemplaire, et le jeu de William S. Hart est toujours en ces cas précis, extraordinaire. J’avais déjà évoqué, la première fois que j’avais parlé de Hell’s Hinges, d’une proximité de jeu entre William S. Hart et Clint Eastwood, et si la comparaison est souvent faite à propos des deux acteurs, c’est surtout dans un film comme Square Deal Sanderson qu’elle est la plus visible : mâchoire serrée, répliques assassines, moue ironique, William S. Hart est bien le héros Eastwoodien, calme, sûr de lui, un brin nonchalant et rapide aux armes.
Square Deal Sanderson est donc un film à voir pour tous ceux qui seraient intéressés par l’acteur, malheureusement, la copie vendue par Loving The Classics n’est vraiment pas de bonne qualité. Si l’image est relativement stable, elle pique les yeux tant elle est floue.
Mais quand on aime….

PS: imdb affirme que ce tueur n'est autre que Bob Kortman: vu sa gueule, c'est bien possible:

Le livre en Comic sans MS: http://infomotions.com/etexts/gutenberg/dirs/1/6/5/9/16597/16597.htm

The Showdown

2010-07-23T22:41:00.003+02:00

Art Acord à cheval au Saloon

The Showdown
1921
William James Craft
Avec : Art Acord, Jack Richardson, Edward Burns, Marcella Pershing

Art Acord pourrait être une invention de journaliste de cinéma, tant sa vie correspond à l’archétype de l’idée que l’on peut se faire d’un acteur du début du western. Tout y est, à commencer par l’origine « cowboy réel » certifiée par ses titres de champion du monde de rodéo 1912 et 1916 (chevauchant le taureau endiablé et luttant pour le titre contre Hoot Gibson). Viennent ensuite ses débuts de cascadeur, puis sa fulgurante carrière de héros sans peur et sans reproche pour la Bison d’abord, puis de nombreux autres studio ensuite. Sans avoir le statut de superstar à la Tom Mix, sa notoriété était tout de même solide, et comme tous les cowboys de l’époque il avait son cheval attitré. Naturellement, une star de cette envergure ne peut pas mettre son extrême bravoure de coté au front lors de la première guerre mondiale, d’où il ramènera la croix de guerre. Tout cela semble simple, limpide, trop beau, il faut donc rajouter du drame, un penchant pour les femmes et l’alcool, une carrière stoppée nette par l’arrivée du parlant (comme il se doit pour un archétype de l’acteur muet), et une mort suspecte au cyanure au Mexique en 1931. Suicide diront les autorités, meurtre diront ses amis, persuadé qu’Art a été assassiné par un politicien jaloux.
Difficile de se pencher sur le travail de l’acteur à la vue de ce seul The Showdown (la plupart de ses films étant perdus). Art Acord rentre à cheval dans un saloon, il s’amuse, il rattrape sa belle au lasso au vol lorsqu’elle chute d’un ravin, déjoue les pièges, gagne à la fin. Difficile pour nos yeux contemporains de voir une réelle différence de style, de jeu et de films entre Art Acord, Fred Thomson, Yakima Canutt et Tom Mix, même quand on commence à en avoir quelques uns derrière les paupières. On reconnaît les têtes, quelques détails propres à chacun, mais les intrigues sont interchangeables, les personnages aussi. Peut-être que dans cent ans, les cinéphiles curieux ne verront pas de différence entre Matt Damon et Daniel Craig, entre Tom Cruise et Charlie Sheen, entre Arnold Schwarzenegger et Dolph Lundgren. Mais en 1920, était-il impossible de confondre Art Acord et Tom Mix, par différence d’envergure, de moyens et d’aura ? Difficile de juger. Aujourd’hui, leurs noms subsistent, ils sont tous « le plus grand » ou « le premier », ils ont tous leur étoile au Walk of Fame, mais leur spécificité, leurs différences dans le jeu et le talent se sont perdues avec leurs films et le peu d’ambition de leurs œuvres (au contraire du burlesque, dont les plus grands ont été étudiés et comparés (Chaplin, Keaton, Lloyd) et sont toujours connus de nos jours, tandis que les imitateurs ont été oubliés). Comme une illustration de ces propos, The Showdown est en bonus – même pas mentionné sur la jaquette - du film Sand de William S. Hart sur le DVD Unknown Video, en compagnie de No Kidding avec Snub Pollard, un burlesque de petite envergure aujourd’hui totalement oublié.

Sources: tous les sites racontant la bio d'Art Acord racontent la même chose, la source d'origine étant peut-être : The strong, silent type: over 100 screen cowboys, 1903-1930. Pour dépasser cette vision simpliste de l'acteur, ce livre pourrait être intéressant: Art Acord and the movies: a biography and filmography

Sand

2010-07-16T00:24:00.003+02:00

Sand
1920
Lambert Hillyer
Avec : William S. Hart, Mary Thurman

En 1917, William S. Hart tournait The Narrow Trail pour la Artcraft. Se défiant désormais de son mentor Thomas H. Ince, il avait réussi enfin à obtenir un salaire cohérent avec son statut de star mais continuait malgré tout à travailler sous la (maigre semble-t-il) supervision de Ince. Suite à une dispute avec celui-ci à propos de son cheval Fritz, William S. Hart décida que sa monture (un cheval Pinto assez fougueux) n’apparaîtrait plus à l’écran. Il faut savoir que, comme le cheval de Tom Mix ou celui de Fred Thomson, Fritz était une star à part entière que le public était ravi de retrouver de film en film. Il convient de noter que dans le cas de Fritz, cet engouement était assez curieux, puisque bien que Hart fut très attaché à son cheval dans la vie réelle, il ne mettait jamais en avant Fritz en tant que cheval d’action dans ses films (peu de cavalcades effrénées, pas de trucs de cheval savant) mais plutôt en tant que confident des tourments de son maître.
Quoi qu’il en soit, Fritz disparut des écrans dans les quinze ou seize films suivants de Hart. En 1919, Hart était fatigué de jouer les « Two gun Man » dans des shoot’em up de plus en plus répétitifs. Désireux de ficeler des westerns plus sensibles, plus subtils et plus humanistes, Hart refusa de s’associer avec la toute jeune United Artist fondée cette même année par Charlie Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks et D.W. Griffith pour s’engager avec la Paramount où il aurait, pensait-il, les mains libres.

Sand fut le premier film tourné par Hart sous la bannière Paramount. Il y joue un employé de chemin de fer amoureux et l’action se fait rare, laissant une plus large place aux sentiments. Les confrontations violentes sont avant tout verbales. Sand marque également le grand retour de Fritz à l’écran, et ce retour est intégré comme élément de scénario, le héros retrouvant dans le même temps les deux choses les plus importantes dans sa vie : celle qu’il aime (jouée par Mary Thurman) et son cheval adoré. Cet attachement hors norme pour son cheval donne lieu à un quiproquo semi-tragique car sa belle est persuadée qu’une femme occupe le cœur de son prétendant plutôt qu’un cheval, tandis que la substance héroïque du film est basée sur une histoire d’attaques de trains dont le chef est un rival du héros.

Adolph Zukor de la Paramount ne fut pas satisfait du changement de style que Sand opérait sur la filmographie de l’acteur et Sand fut remisé aux oubliettes. Il savait que le public attendait de l’action et des coups de feu, et Hart dut produire The Toll Gate dans lequel il joue un good bad-guy plus en accord avec ses habitudes (mais on note ironiquement que le héros de The Toll Gate cherche à faire « un dernier coup avant de se ranger », un peu à l’image des ambitions de l’acteur). The Toll Gate fut un succès, et la Paramount sortit Sand des tiroirs, força l’acteur à refaire la dernière bobine pour augmenter la dose d’action. Et en effet, la fin du film apparaît en décalage avec le reste de l’intrigue, Hart faisant nager son cheval, tenant en joue un ensemble de bandits en pleine attaque de train, tuant deux récalcitrants et démasquant son rival à la tête du gang, comme dans un mauvais roman feuilleton.
Sand est alors un film bancal, marquant le début de la fin pour William S. Hart, qui sera jusqu’à la fin contraint de composer entre les constantes de sa popularité pourtant déclinante et son désir d’offrir des films plus mûrs, mieux construits et de casser sa propre image. Cette ambivalence produira des films réussis (White Oak, Three Word Brand) mais moins digestes que ses premiers films, et ce jusqu’à son ultime baroud d’honneur : Tumbleweeds.

Sources :
- My life East and West, autobiographie de William S. Hart.
- Introduction du livre The Complete Films of William S. Hart (basée en grande partie sur l’autobiographie)
- Notes du DVD Unknown Video par Christopher Snowden

Wild Horse Mesa

2010-07-13T21:41:00.004+02:00

Jack Holt

Wild Horse Mesa
1925
George B. Seitz
Avec : Jack Holt, Billie Dove, Douglas Fairbank Jr., Noah Beery, George Magrill

Wild Horse Mesa est avant tout un roman de Zane Grey. Zane Grey fut un romancier américain extrêmement populaire du début du vingtième siècle, qui s’était spécialisé dans les romans westerns. Son sens de la description était reconnu (il avait fait plusieurs voyages pour se documenter), son talent dramatique et ses personnages hauts en couleurs attiraient les lecteurs. Ses romans les plus connus, comme Riders of the purple sage furent adaptés de nombreuses fois au cinéma.
Bien que Wild Horse Mesa ne fut pas l’un de ses plus grands succès, il fut adapté trois fois au cinéma. C’est la première des trois adaptations qui nous occupe présentement. La deuxième version, expurgée semble-t-il de certains thèmes adultes, fut tournée en 1932 par Henry Hathaway, avec Randolph Scott. La troisième date de 1947 et présente Tim Holt dans le rôle principal.
L’histoire s’éloigne très sensiblement des canons de la série B, mêle plusieurs personnages et plusieurs sous-intrigues et pose en filigrane certains problèmes de société comme l’appât du gain rapide à tout prix, la cruauté envers les animaux et – classique – le problème indien. Au bout de vingt minutes, on ne sait toujours pas qui sont les gentils et qui sont les méchants, chaque personnage ayant sa part d’ombre, ce qui est une excellente nouvelle pour nos âmes du XXIe siècle peu friandes de manichéisme. La cinématographie de Bert Glennon est superbe, avec de larges plans sur des troupeaux de chevaux sauvages chevauchant les canyons arides. Le réalisateur George B. Seitz a le sens du cadre et compose également quelques très beaux plans, et la copie de Grapevine Video est encore a peu près correcte à l’exception de certains plans devenus beaucoup trop lumineux (l’image étant pour ainsi dire quasiment effacée de la pellicule). Toutes les conditions sont donc réunies pour profiter de cet excellent western, qui sans être un chef d’œuvre, se hisse malgré tout facilement dans le haut du panier du western de cette époque encore disponible.
En effet, on se retrouve vite pris par l’intrigue simple mais captivante par le fait même qu’elle sorte des sentiers battus. Le héros est joué par Jack Holt, star aujourd’hui totalement oubliée, qui dégage un incontestable charisme (sauf quand il révèle ses cheveux dégarnis en ôtant son chapeau) avec une dégaine mal rasée et un accoutrement de cowboy assez réaliste qui tranche avec les acteurs bondissant de ce temps. Il ne joue pas les héros, se fait désarmer facilement et souffre d’une réputation de squaw lover, un mal rédhibitoire à cette époque. Il est en effet ami d’un chef Navajo joué de façon très convaincante par Bernard Siegel. Et ce n’est pas le héros qui fera leur affaire aux trois méchants (dont le chef joué par Noah Beery), mais bien le Navajo, les snipant à la winchester d’une distance improbable, parce que ceux-ci avaient violé sa fille.

Bernard Siegel

L’Ouest présenté ici n’est donc pas un Ouest de cour de récréation : les gens meurent, souffrent, et se battent pour gagner leur vie. Jack Holt fout une trempée au cowboy opportuniste (George Magrill) qui avait l’intention de capturer les chevaux sauvages avec un piège de barbelé, au risque d’en perdre la moitié déchiquetés par le fil de fer. La baston fait rage, le cow-boy se fait balancer dans le barbelé à plusieurs reprises afin de goûter au supplice qu’il voulait faire endurer aux chevaux. Pas de doute, on est loin des fantaisies de Tom Mix.
La star féminine, c’est Billie Dove, très belle, pas nunuche, avec un style incontestablement moderne, aidée sans doute par son regard vif et sa coupe courte. Actrice talentueuse, peintre, pilote d’avion, elle exprime dans Wild Horse Mesa de la pitié pour les chevaux, de la compassion pour son père et ses problèmes financiers, de la perplexité face à un amour naissant pour le héros (ça l’emmerde un peu qu’il ait la réputation de se taper des squaws) et même une sorte de paternalisme pour le jeune frère du héros (Douglas Fairbank Jr.) qui la courtise. Il y a comme dans beaucoup de westerns de cette époque, le mythe de l’étalon, cheval blanc superbe indomptable qui mène le reste de la horde. Lorsque Jack Holt parvient à le capturer, et que Billie Dove le supplie de le relâcher, on ne peut s’empêcher de penser anachroniquement aux Désaxés.

Billie Dove

Douglas Fairbanks Jr, fils du grand Douglas Fairbanks, n’atteindra jamais la notoriété de son père, mais jouira d’une longue carrière dont il n’aura pas à rougir. L’ensemble du casting contribue donc grandement à la réussite de ce film, qu’il ne faut certes pas oublier de remettre dans le contexte général de son époque. Sans atteindre la perfection des grands chef d’œuvre du muet, Wild Horse Mesa est une incontestable réussite du western de cette époque.

Douglas Fairbank Jr., Billie Dove

Note : le film date de 1925, le roman date lui de 1928 selon à peu près toutes les sources. Je n’ai pas encore résolu cette contradiction. De même, de nombreuses sources (dont la jaquette Grapevine Video) prétendent qu’un jeune Gary Cooper fait une apparition dans ce film, mais John Howard Reid dément l’information dans son livre : Silent films and early talkies on DVD : a classic movie fan’s guide.

Sources:
- Wikipedia (oui je sais, c'est le mal)
- Silent films and early talkies on DVD : a classic movie fan’s guide.
- A guide to Silent Western

That Girl Montana

2010-07-10T15:37:00.003+02:00

That Girl Montana
1921
Robert Thornby
Avec : Blanche Sweet, Mahlon Hamilton, Frank Lanning, Edward Peil Sr

Ce western mélodrame est adapté d’un roman de Marah Ellis Ryan publié en 1901. Marah Ellis Ryan était un écrivain populaire en son temps, et elle avait la particularité de bien connaître et de prendre la défense des indiens, ayant même vécu parmi les indiens Hopi. Les titres de certains de ses livres, aujourd’hui oubliés, reflètent bien cet intérêt : Squaw Eloise, Indian Love letters…
Imdb est assez peu disert sur ce film, mais il ne semble pas que l’auteure ait été associée à l’écriture du scénario. De même, n’ayant pas lu le livre, je ne saurais juger de la qualité du matériau originel. Néanmoins, son parcours se reflète bien dans l’intrigue du film, puisque l’héroïne, sorte de garçon manqué embarquée dans des mauvais coups par son scélérat de père, trouve un temps refuge chez les indiens, avant d’être rendue à la civilisation blanche et de mettre des robes. Ce passage indien est assez peu exploité, il ne constitue qu’une parenthèse dans la vie de la jeune fille, utile pour expliquer sa disparition du monde civilisé, mais non significatif en tant qu’étape initiatique dans son parcours. En même temps, le monde des indiens (représenté brièvement par deux ou trois tipis au bord d’une rivière) est tout de même un lieu de sécurité et de sérénité dans un monde blanc corrompu et dangereux, ce qui est déjà remarquable dans un western de cette époque (bien que, l’ayant déjà fait remarquer dans ces colonnes, entre les westerns pro-indiens et les westerns qui représentent les indiens uniquement comme une menace de cinéma, les westerns ouvertement racistes et anti-indiens sont finalement plus rares qu’on ne le croît, même avant 1950).

Le mélodrame se joue ensuite, la fille devient partiellement propriétaire d’une mine, elle tombe amoureuse d’un beau gosse lisse et plat (Malhon Hamilton) qui est malheureusement marié, le père vicieux (Edward Peil Sr.) réapparaît bien sûr et réclame sa part, tandis que la fille retrouve son vrai père (Frank Lanning) et que la femme du beau gosse se fait adéquatement descendre à travers une porte sans que l’on ne comprenne bien pourquoi. Tout est bien qui finit bien donc.
L’héroïne est jouée par Blanche Sweet, une actrice dont la popularité n’égalait pas celle de Mary Pickford mais qui eut quand même son étoile au Walk of Fame. Sa popularité fut néanmoins rapidement déclinante, bien avant la fin du muet, et il est difficile à notre époque de se passionner pour sa prestation dans That Girl Montana. A vrai dire, Claire Du Brey qui joue la femme du beau gosse lisse provoque plus d’étincelles en cinq minutes que Blanche Sweet dans tout le film, mais c’est aussi leur rôle qui veut cela. A part ça, on remarque aussi le jeu passionné de Frank Lanning, et ça s’arrête là, le film ne brille ni par son originalité, ni par sa démarche artistique. La copie de Grapevine Video est exécrable, ce qui n’arrange rien, et ils s’en excusent d’ailleurs sur leur site. Un film qui vaut donc plus par son background (on serait curieux de redécouvrir les œuvres de Marah Ellis Ryan, fussent elles mauvaises) que par sa réussite cinématographique.

Une critique par Dana Savage: http://www.things-and-other-stuff.com/movies/reviews/that-girl-montana.htm

La vengeance aux deux visages

2010-07-03T14:34:00.001+02:00

1961
One-Eyed Jacks
Marlon Brando
Avec: Marlon Brando, Karl Malden, Katy Jurado, Pina Pellicer, Ben Johnson, Slim Pickens

Lenteur, violence rare mais brutale, chaleur, haine rentrée en dedans, anti-héros, vestimentation étudiée (Rio, joué par Marlon Brando a même un poncho), décors inhabituels (la mer), cruauté (séance de fouet, main broyée), intrigue légèrement œdipienne sur les bords (le héros fait un gosse à la fille adoptive de son père spirituel), La vengeance aux deux visages est un film ambitieux et réussi qui montre bien que le western américain était déjà en pleine mue dès le début des années soixante, sans avoir attendu Leone en 1964 pour le faire. Les rapports entre les hommes sont presque tous sur le mode de la confrontation, même entre complices. C'est parfois un peu longuet, mais cela reste toujours un excellent jeu, jeu du chat et de la souris des deux principaux protagonistes du film d’abord, jeu avec les conventions du western ensuite, jeu admirable des acteurs ensuite : Marlon Brando et ses murmures bien sûr, mais aussi Ben Johnson en crapule, Pina Pellicer en jeune fille en fleur, Katy Jurado en mama digne et inquiète, et bien sûr le veule arriviste Karl Malden, sans oublier le dégoûtant Slim Pickens et sa mâchoire protubérante, ni même Larry Duran, le mexicain, seul ami de Rio, qui se fait traîter de greaser avant d'être abattu.
Ces gueules, ces attitudes, ces carcans de société et cette fameuse scène de séduction sur la plage, suivie par la trahison du lendemain matin qui font vraiment très peu western (que ce soit par le thème, le traitement ou les costumes : montrez à quelqu'un un des gros plans de Brando issus de cette scène, il sera sans doute incapable de dire que cela provient d'un western: pas de chapeau, pas de foulard, une chemise limite contemporaine, une attitude de désœuvré...) évoquent plutôt les mauvais garçons des années 60 et le thème du jeune rebelle qui s'écarte de la société que le mythe de la frontière ou la thématique de la revanche libératrice. Quant à la situation de la jeune fille, sa culpabilité au sein de la famille, le poids de son acte, il s'inscrit également dans ce carcan de ces mêmes années qui commençait alors à se fissurer.
On peut alors se demander jusqu'à quel point Brando était intéressé par tourner un western et ce qu'il avait en tête en commençant le projet, sachant que le film fut d’abord scénarisé par Sam Peckinpah (alors plutôt inconnu) et prévu pour Stanley Kubrick (qui aurait d’ailleurs réalisé le début). La vengeance aux deux visages demeurera par ailleurs le seul film de Brando en tant que réalisateur. Ces conditions un brin chaotique et l’inexpérience de l’acteur en tant que réalisateur se ressentent à la vision du film, mais il n’empêche que ce que Brando y a apporté d’original en font un western à part, un brin atypique, et naturellement indispensable.

Où le voir : en 1988, Marlon Brando, oublia la demande de renouvellement du copyright auprès de la Bibliothèque du Congrès, faisant ainsi tomber le film dans le domaine public. De ce fait, toutes les éditions DVD disponibles sont très peu chères et toutes pourries. C’est dommage, mais il n’y a que ça à se mettre sous la main.

Brigade Volante

2010-06-12T15:36:00.001+02:00

Squadra Volante
1974
Stelvio Massi
Avec : Tomas Milian, Gastone Moschin

Tomas Milian est l’inspecteur Ravelli, moustache et cheveux mi-longs, béret et cigarillo au bec, le flic borderline qui cherche à venger la mort de sa femme survenue cinq ans plus tôt. Un hold up tragique le remet sur la piste de l’assassin. Et youpi c’est reparti pour un petit tour dans la faune poliziottesque italienne des années 70, les Simca, les sales gueules, les sursauts de violence, les sirènes, les intrigues politico-fascistes et les blondasses qui vont avec. On aime ou on trouve que cela a vieilli, peu importe, un petit air de nostalgie d’un cinéma sans ambition mais pas sans talent ne peut pas venir gâcher la fête.

Le héros Tomas Milian importe finalement peu ici, on se contente d’admirer sa capacité à réveiller son réseau, mais les flash-backs et le regard soucieux de l’acteur ne suffisent pas à rendre crédible – ni attachante - son interprétation. Ce sont plutôt les méchants qui nous intéressent. Apparaissants d’abord comme une bande hétéroclite et peu amène, les méchants révèlent peu à peu leurs aspérités, leur fêlures et leurs humanité – quoique sombre – au fur et à mesure que l’étau se referme autour d’eux de minuscule erreur en minuscule erreur. La peur, l’incompétence, la fatigue se lisent alors sur leurs visages de frappes déterminées. Gastone Moschin en tête parvient à composer un chef de bande polymorphe, à la fois légende de la pègre, stratège roublard et traître amoureux. Le reste du groupe est composé de tête connues et efficaces : Guido Leontini en cerveau du casse, respecté mais qui finit par craquer par manque de professionnalisme, Ray Lovelock en jeune homme politisé qui fait une intervention trop courte dans le film pour que ses souvenirs dans le bonus soient réellement intéressants, Giuseppe Castellano qu’on avait déjà vu dans La rançon de la peur et Stefania Casini en blonde heu… blonde.

Le scénario et son inéluctable dénouement nous rappelle Le Clan des pourris qui reste notre meilleur souvenir de cette collection "Italie à main armée" : pas de chichi, l’enquête et les déboires des méchants, c’est presque tout. Les tourments du flic sont tellement appuyés spaghetti style que l’on n’y croit guère, les tourments des méchants ne sont qu’effleurés, inscrits dans l’action, et c’est au spectateur de combler les trous avec tout le bagage du polar des années 70 qu’il possède (ou pas). Une belle poursuite en hélicoptère constitue le clou spectaculaire du film, tandis que tous les deuxièmes couteaux déjà cités et les troisièmes couteaux, de l’indic boiteux au supérieur hiérarchique de Ravelli sans oublier même la femme qui s’occupe de son fils constituent la substantifique moelle du plaisir ressenti à regarder ces petits films d’une époque révolue.

Où le voir : toujours excellent DVD Neo-publishing (qui nous manqueront par ailleurs).

Sukiyaki Western Django

2010-05-30T13:51:00.001+02:00

2007
Takashi Miike

Disons que je ne suis pas vraiment rentré dans le trip. OK c’est bien filmé, OK les costumes sont classes, crasseux, pouilleux, étudiés ! OK c’est plein de bonnes idées, c’est violent râpeux, un brin pervers. OK les références pullulent, le cercueil de Django, l’armurerie chevaline du Colonel Mortimer et tout le toutim. OK c’est déjanté, la musique est belle et les surprises ne manquent pas (par exemple les personnages féminins). Mais en fait il manque un film, il manque une histoire à laquelle on tient, des personnages qui apportent quelque chose. Il manque du bon gros premier degré émotif pour nous faire rentrer dans le film au-delà des gags visuels pastiches. Je n’ai rien a priori contre un faux western mêlant winchester, sabres et didgeridoo, mais Takashi Miike n’a pas su faire ce que Quentin Tarantino a réussi avec Inglourious Basterds : un vrai film qui dépasse l’hommage. Je ne suis en rien spécialiste du cinéma asiatique, mais revoyez plutôt The Blade de Tsui Hark, un vrai film de sabres plein de sang, de fureur, d’humanité et avec la même qualité d’ambiance, de vestimentation et de délire visuel.

Capture: J.L. sur western movies

Le convoi sauvage

2010-05-29T15:34:00.000+02:00

Man in the wilderness
1971
Richard C. Sarafian
Avec : Richard Harris, John Huston

Le western n’est pourtant pas propre à traumatiser les enfants. Mais Le convoi sauvage fut l’un de ceux qui me marqua, à cause de cette attaque de grizzly sauvage, gore, impressionnante, réaliste. Même si les effets ont un peu vieilli aujourd’hui, elle reste assez impactante, Richard Harris ballotté comme un fétu de paille, tentant de trouver refuge dans un arbre, et traîné sans ménagement, cela vous pose un film, surtout quand la scène en question est si proche du début.

Man in the wilderness en anglais, Le convoi sauvage en français, chaque titre évoque un aspect de l’intrigue. Man in the wilderness d’abord, raconte la quasi-mort de cet homme, Richard Harris, recousu hâtivement puis abandonné par les hommes du convoi qu’il guidait. L’homme reste allongé très longtemps, la caméra l’imite, filmant l’eau, la boue, les feuilles mortes au ras du sol. L’homme finit par se confondre avec la terre, il rampe, il grimace, il se recouvre de feuilles et fait corps avec la nature salvatrice. A plusieurs reprises, il se cache et s’unit ainsi à la terre, se camouflant naturellement dans son nouvel élément, si bien transformé en matériau naturel que même les indiens ne le repèrent pas. Sa vision est floue, des flashbacks le hantent et nous renseignent sur sa vie, son enfant, sa nature un brin misanthrope. Sarafian nous livre là un cinéma généreux et franc, il fait beaucoup avec peu et la survie, puis la renaissance de l’homme s’avère passionnante, et en même temps contemplative dans la mesure où le spectateur reste spectateur : on ne cherche pas à nous faire partager son calvaire, l’homme se débrouille très bien tout seul, c’est un professionnel. Plus qu’une immersion, c’est le spectacle aux premières loges du type aguerri qui survit par tous les moyens. Richard Harris est parfait dans la démonstration de la souffrance durable, il arbore un rictus de douleur et de haine permanent, accentué par sa blessure au visage. Une fois plus ou moins remis sur pattes, il cherche à rejoindre le convoi qui l’a abandonné. Pour se venger, pour retourner à la civilisation, on ne sait pas trop, l’homme reste énigmatique. En chemin il verra une indienne accoucher accroupie, seule, en silence et digne. Elle donne ensuite son enfant au père, comme une offrande, et l’homme qui assiste à tout cela, à nouveau planqué sous un tronc quelconque, exprime peut-être le désir de revoir son propre fils. C’est beau. Avec le temps, on voit un peu les ficelles, mais c’est beau.

Le convoi sauvage ensuite, c’est la petite troupe qui a abandonné l’homme. Un équipage hétéroclite qui traîne un énorme bateau dans la nature. Ceux qui ont oublié l’attaque de l’ours se souviennent de ce western avec des hommes qui tirent un bateau sur roues. Le capitaine de l’équipe, c’est John Huston, et apparemment il tient à son bateau dont le mat ressemble à une immense croix évangélique en territoire indien. Evidemment, Huston fait un peu penser au capitaine Achab, droit, poursuivant son rêve malgré la grogne de ses hommes. Il y a le froid et l’arrivée de l’hiver qui menace, et il y a les indiens, et il y a la boue finale qui enlise tout le monde. Plus qu’au roman de Melville, cette épopée un peu folle rappelle encore plus celle de Dundee, ou d’Aguirre, lorsque l’ambition, la détermination entêtée amène au fiasco de toute une troupe. Le convoi sauvage fait alors partie de ces westerns des années 70, qui réussissent parfaitement à renouveler le western, en l’ancrant dans le mythe du retour à la nature des ces années là avec les désillusions qui vont avec, un propos ambitieux et une grammaire qui ne sous-estime pas le spectateur, sans pour autant le noyer dans une forme absconse et des délires expérimentaux usants. Un juste milieu parfait en somme. A voir quoi…

The Miracle rider

2010-05-24T20:36:00.004+02:00

Bob Kortman

1935
Avec : Tom Mix

The Miracle Rider n’est pas un film, c’est un serial. Qu’est ce qu’un serial exactement, me demandez vous alors que vous avez déjà une petite idée de la réponse ? Et bien ce n’est pas une série télé, mais une série cinéma ! A l’époque où la télévision n’existait pas, les producteurs de cinéma avaient eu l’idée de fidéliser les spectateurs en proposant chaque semaine un nouvel épisode à suivre d’une intrigue à feuilleton. Le procédé remonte à 1912.
Serial des années 30, The Miracle Rider est la dernière apparition de Tom Mix à l’écran, qui avait alors 55 ans. Des 15 épisodes de ce serial, je n’ai vu que les 7 premiers, mais j’ai quand même une relativement bonne idée de l’ensemble, d’autant que l’intrigue, les poursuites et les cliffhangers se retrouvent rapidement répétitifs.

Du pur western !

Il convient d’abord de se pencher sur le premier épisode, tout à fait remarquable historiquement et cinématographiquement. L’introduction de cet épisode intitulé The Vanishing Indian, résume en dix minutes la disparition totale du territoire indien au cours des deux siècles de colonisation par les blancs, cartes animées à l’appui. Daniel Boone, Davy Crocket et Buffalo Bill sont appelés à la rescousse comme témoins de la cupidité des blancs qui toujours violent les traités et provoquent la guerre. C’est tout à fait remarquable pour un serial datant de 1935, alors qu’on entend souvent que tous les westerns tournés avant 1950 étaient d’immondes brûlots racistes et anti-indiens.
Anti-indien, The Miracle Rider ne l’est donc pas. Cette introduction, en plus d’être sans concession, permet d’introduire Tom Mix et de placer la star, par l’intermédiaire de son personnage de Texas Ranger, dans la lignée des Daniel Boone, Davy Crocket et Buffalo Bill. C’est très habile.

Charles Middleton, Jason Robards, Tom Mix

Tom Mix est donc le défenseur des indiens, courageux, valeureux, toujours mince et athlétique à 55 ans. Les indiens ont bien besoin de sa protection, car s’ils sont droits, honnêtes, bien habillés et « intégrés » ils sont quand même un brin froussards et facilement manipulés. Pro-indien, oui, mais toujours dans cette veine un rien paternaliste.
La distribution est adéquate. Outre Tom Mix qui a parfaitement bien mené sa transition du muet au parlant (et son cheval Tony Jr. qui n’a pas eu ce problème…) on trouve le toujours impressionnant Bob Kortman en indien traître, Charles Middleton en odieux capitaliste, aidé par le non moins odieux Jason Robards Senior (oui oui, le père de Cheyenne). Et on retrouve aussi le pauvre Edmund Cobb en méchant, un peu plus bouffi que pendant ses années du muet. Donc un petit régal pour l’amateur.

Edmund Cobb, sauf erreur, à gauche

L’autre particularité de ce serial est le mélange SF/western, qui pique un peu les yeux de prime abord. Les méchants communiquent par une sorte de récepteur télégraphique alpha-numérique, il est question d’un explosif révolutionnaire nommé X94, et Tom Mix se retrouve embarqué dans une sorte d’avion miniaturisé radioguidé utilisé pour foutre les jetons aux indiens ! ! ! C’est vrai qu’on est guère habitué à cela dans les westerns, pas plus qu’on a l’habitude de voir des courses poursuites avec baston dans un camion citerne qui ferait presque penser à 007. Pour autant, tous ces ingrédients, une fois admis, n’apportent pas une plus-value réellement intéressante à l’ensemble qui reste dans les limites de la série B : complots, poursuites, soupçons, captures, trahisons, cliffhangers ad infinitum.
Sans être du tout un chef d’œuvre, ce serial mérite toutefois d’être vu quand on aime ce cinéma là. Il est à noter que Tom Mix reste toujours populaire dans le cœur des américains, et que The Miracle Rider est sans doute l’œuvre de Tom Mix la plus connue là-bas, du fait de ses très nombreuses diffusions à la télévision*

Is it a bird ?...

Où le voir: DVD zone 1 sur amazon.com par exemple.

*j’ai lu ça quelque part, mais je n’arrive pas à retrouver où...

Le western B

2010-05-22T19:57:00.000+02:00

Le western B
Les années 1930-1939
Didier Lodieu

Buck Jones, George O’Brien, Tim Holt, Ken Maynard, Tim McCoy, Tom Mix, Harry Carey, Tom Keene, Hoot Gibson, Rex Bell, autant de noms exotiques pour nous français, et qui pourtant résonnent dans nos petites têtes comme un lointain écho d’héroïsme et de chevalerie. Encore bien vivants dans le cœur des américains, ces cow-boys valeureux et droits parcourent une géographie oubliée, un petit monde simple et archaïque. Les morts sont rares, le cow-boy gagne toujours à la fin et il y a toujours une belle demoiselle dont le cœur est à prendre. Les budgets sont serrés et les scénarios interchangeables, on pourrait se dire que ce petit monde a bien vieilli, pourtant, Didier Lodieu nous le fait revivre, en français, à travers son livre de 175 pages, richement illustré de multiples documents, lobby cards, photos, affiches.

L’auteur se concentre sur les années 1930-1939 et décide de ne pas évoquer le petit monde des cow-boys chantants (Gene Autry, Roy Rogers, Tex Ritter) qui mériteraient un livre à part. Petit à petit à la lecture de l’ouvrage, les préférences de l’auteur se dessinent (il semble particulièrement apprécier Bob Steele) et surtout, le principe évoqué en préface se confirme au fil des pages : ce n’est pas un acteur qui fait un bon film, ni un réalisateur, c’est surtout la firme qui produit le western en question. Didier Lodieu donne en exemple Buck Jones, dont les westerns tournés entre 1930 et 1934 pour la Colombia sont superbes, alors que ses westerns tournés les années suivantes pour l’Universal sont de moindre intérêt. D’où l’intérêt pour le néophyte de posséder cet ouvrage, s’il ne veut pas avoir de mauvaises surprises en découvrant un mauvais film d’un acteur pourtant réputé. Segmenté par années, le livre se picore comme tout bon ouvrage de référence au fil des films, des acteurs et des réalisateurs dont les noms se retrouvent au cours des années. Ces noms dessinent une contrée inconnue dans laquelle on a envie de se plonger. Seul bémol, si le livre est bien écrit et bien réalisé, le style de l’auteur manque un peu de passion communicative. Mais la richesse du monde exploré, la richesse de l’iconographie, et l’étendue des films visionnés par l’auteur compensent largement.

Où le lire : publié par les éditions Ysec, disponible par exemple sur Amazon ou fnac.com

Note: cliquer sur le lien "Années 30" à gauche pour un bref aperçu de ce petit monde merveilleux du western B.

Les couleurs du désert

2010-05-17T23:17:00.002+02:00

Helen Twelvetrees, J. Farrell MacDonald, Clark Gable

The painted desert

1931

Howard Higgin

Avec: William Boyd, Clark Gable, Helen Twelvetrees, William Farnum

1931, William Boyd n'est pas encore la grande star du petit et grand écran qu'il deviendra par la suite. Clark Gable non plus. Ils sont réunis dans cet honnête western, et c'est Clark Gable qui a les honneurs de la jaquette du DVD Bach film, bien que l'acteur ait une présence à l'écran somme toute modeste. William Boyd lui, a un rôle beaucoup plus étoffé, mais il est quasiment inconnu en France.
Les couleurs du désert est un film suffisamment ambitieux et soigné pour dépasser le cadre de la simple petite série B, d'autant qu'il dispose d'un budget conséquent: tournage en magnifiques décors naturels (Monument Valley semble-t-il), scène spectaculaire (l'explosion de la mine), convoyage de bétail, figuration importante en ville: les moyens sont là. Le scénario est également original, avec ce fils adoptif essayant de réconcilier les deux vieux hommes qui l'avaient trouvé abandonné dans un chariot. Clark Gable est le vilain traître et Helen Twelvetrees détonne un peu en jeune femme à la winchester et chemise échancrée au début du film. Dommage qu'elle rentre dans le rang ensuite et s'habille en vraie jeune fille!

Pour autant, le traitement de l'intrigue ne dépasse pas le niveau des pâquerettes, tout le monde est finalement gentil à part l'ignoble Clark Gable qui se rend sans même se battre. William Boyd est bien fade en ce qui me concerne, mais je me garderais bien de juger le futur grand Hopalong Cassidy sur des bases aussi branlantes. Le film datant de 1931, la sonorisation est encore rudimentaire, mais all in all, on passe un bon moment. A noter que l'un des deux pères adoptif du jeune premier est joué par William Farnum, qui comme William S. Hart commença au théâtre et partagea la scène avec lui sur Ben Hur. Farnum devint ensuite le premier acteur à être payé 10000 dollars par semaine à Hollywood au temps du muet. A voir donc, mais pas forcément uniquement parce qu'il y a Clark Gable dedans!

William Boyd, William Farnum

My Life East and West

2010-05-16T17:40:00.005+02:00

William Farnum, deuxième à partir de la gauche, William S. Hart, à droite, dans Ben Hur en 1899

William S. Hart
1929

Lire l’autobiographie de William S. Hart est à la fois incroyablement passionnant et démesurément décevant. Passionnant à cause du parcours de l’acteur, cet homme à la croisée des chemins, cet homme qui aura su faire le bon choix en exploitant la bonne idée au bon moment !
Son enfance est fascinante, il l’a vécue en majeure partie dans l’Ouest, il a côtoyé les Sioux et parlé leur langue, il a été sensibilisé à leur cause et à joué avec eux, il a croisé des vétérans de la guerre de sécession en vareuse et il s’est trouvé au beau milieu de gunfights, il a foulé du pied l’Ouest que l’on chérit dans nos westerns. Et l’aspect remarquable de son ouvrage est que la description qu’il en donne provoque une imagerie chez le lecteur totalement éloignée des westerns : lui et son père voyagent essentiellement à pied, son père étant meunier, ils voyagent le long des rivières à la recherche de moulins. Hart raconte son ouverture aux autres, son apprentissage de la vie, de petits boulots dans les ranchs en expériences diverses, Hart décrit toujours l’entraide et la fraternité entre les hommes de l’ouest, et la place centrale de la famille. C’est la grande force de l’acteur de ne pas avoir cherché à rapprocher sa vie réelle de sa vie de pellicule, comme il aurait pu être tentant de le faire à l’époque.
Néanmoins, la lecture de My life East and West se révèle largement frustrante également, tant Hart se refuse à laisser parler ses émotions, à analyser sa situation autrement que par la description de successions d’anecdotes et de souvenirs enfilés les uns à la suite des autres. Hart raconte sa vie, mais il ne l’organise pas, il n’explique pas ses choix ni ses motivation, ni ses passions ou ses tourments, à deux exceptions près : la révélation de sa vie, à savoir l’intuition formidable qu’il pourrait devenir une star de westerns après en avoir vu un très mauvais au cinéma, et la réalisation, quelques années plus tard, qu’il fut financièrement floué par son producteur : Thomas H. Ince. En dehors de ces deux épisodes, Hart ne s’épanche pas, il raconte peu ses films et ce qu’il a voulu y mettre (et il en va de même pour sa période théâtrale) et préfère se souvenir de ses chevaux, il ne raconte pas ses amours et passe pudiquement sur les nombreux scandales de sa vie de star. Pour en savoir plus sur ces sujets, il vaut mieux se reporter à l’introduction de la réédition de 1994 par The Lakeside Classics.
Au final, la sensation d’un acte manqué subsiste, un homme qui aura vécu la fin de l’Ouest, goûté à la différence entre l’Ouest et l’Est, la transition de la rusticité à la civilisation, un changement de carrière du théâtre au cinéma pile au bon moment (le nombre de théâtres déclinant largement aux Etats-Unis dans les années 10 et 20) aurait pu largement pu donner plus de matière, plus de passion, plus d’envie d’en connaître. My life East and West reste un témoignage intéressant sur le vieil Ouest, sur le monde du théâtre américain des années 1900 et sur le très jeune cinéma hollywoodien. Mais c’est bien aux historiens qu’il revient d’analyser tout ça et de nous le délivrer de façon cohérente et analytique.

Où le lire : Réédition (en anglais) par The Lakeside Classics en 1994, en version légèrement expurgée de détails familiaux qui auraient « ennuyé le lecteur ». « La pensée de l’auteur n’a pas été altérée » précise l’éditeur.

Image: http://filesofjerryblake.netfirms.com/index.htm

La porte du Paradis

2010-05-02T21:20:00.002+02:00

Heaven’s gate
Version courte: 1980
Version longue: 1989
Michael Cimino
Avec : Kriss Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert, John Hurt

Découvert trop jeune, lors de sa ressortie en salle en version longue, La porte du paradis m’avait profondément ennuyé, et j’en avais surtout retenu des scènes de danse interminables et la nudité d’Isabelle Huppert. Devenu alors pour moi film maudit personnel en plus de film maudit tout court, je ne l’avais jamais revu que par fragments plus ou moins longs. Le DVD de la version courte traînait chez moi depuis des années, et j’ai fini par retrousser mes manches et regarder ces 2h23 de version « courte » en ayant bien à l’esprit l’abjection cinéphilique d’une telle démarche, puisque nul n’est censé cautionner le charcutage de ces affreux incultes de saloperies de capitalistes de studios de merde.
Une fois ceci posé, on conviendra que cette version courte est déjà en soi un excellent film, et que son insuccès n’est sûrement pas dû au dit charcutage. La porte du paradis n’est tout simplement pas un film facile d’accès, et même lorsque l’on en a les clés, le plaisir immédiat est faible. Mais La porte du paradis est un film qui reste, un film auquel on pense encore les jours suivants, un film qui marque ! Et foin de toutes ces histoires de budget colossal dépassé, foin de l’échec commercial du film, foin de l’ego démesuré du réalisateur, je suis heureux et même très heureux que quelqu’un à Hollywood ait eu les coudées franches pour mettre autant de pognon et de figurants pour reconstituer une cérémonie de remise de diplôme à Harvard, introduction merveilleusement belle avec ces valses en cercle, son esprit si merveilleusement hors western et ses illusions sur les idéaux de la jeunesse. Je suis content que le réalisateur ait cru nécessaire de finir son film sur un bateau (c’est toujours cher les scènes nautiques) sans nécessité narrative, je suis content que les immigrants arrivent par milliers sur le toit des trains, en rang de marche telle une diaspora géante, en contradiction avec une phrase entendue à plusieurs reprises dans le film « 125 hommes, mais ça représente quasiment tous les hommes du conté ! ». Je suis époustouflé par les reconstitutions des villes, qui n’ont pas ce syndrome de la jaunisse de toutes les reconstitutions des films d’aujourd’hui, et j’apprécie immensément ce parti pris de réalisme qui ne confond pas naturalisme et crasse immonde sous déluge de boue et de dents pourries, jusqu’à la nudité d’Isabelle Huppert qui est une vraie nudité de vraie femme filmée avec pudeur et non pas une nudité à la Megan Fox filmée avec moultes esthétismes léchés. Et pour finir, j’aime cette lenteur, ce parti pris des dialectes et cette musique d’Europe centrale. Leone était un italien qui rêvait d’Amérique, Cimino était un américain qui rêvait d’Europe.

Les acteurs sont bons, à part Kris Kristofferson que je n’ai jamais vraiment pu apprécier après son interprétation grasse du menton de Billy The Kid dans Pat Garret et Billy The Kid. Les personnages sont tous ambivalents, le tueur Christopher Walken en tête, qui louvoie entre amour et fidélité à ses patrons, John Hurt, torturé entre les idéaux de sa jeunesse et les réalités de sa classe, Kris Kristofferson, Marshall qui ne semble pas vouloir s’impliquer dans la lutte. La violence est assez rare mais elle est dure, on se souvient longtemps du trou dans le bide de cet immigrant qui se confond avec la bidoche sanguinolente du bœuf qu’il était en train de dépecer illégalement. La bataille finale, loin d’être une révolution cathartique, montre les bons se faire laminer, les femmes mourir, les blessures atroces (avec un écho – involontaire ? – à une scène d’Allons z’enfants sorti la même année) et la cavalerie intervenir pour sauver la vie… des méchants. Comme une réponse dérangeante au rêve américain !
Magistrales, les morts épiques de certains personnages réinscrivent le film dans le cadre du western de convention, alors que les préoccupations amoureuses d’une femme ne sachant quel homme choisir nous en avaient un peu artificiellement sorti. En tout cas, dans cette version de 2h23, le prologue à Harvard et la scène de bal en patins à roulettes m’ont parus insupportablement courts, et il me tarde désormais de revoir la version longue !

Josey Wales hors-la-loi

2010-04-24T18:53:00.004+02:00

The outlaw Josey Wales
1976
Clint Eastwood
Avec : Clint Eastwood, Sondra Locke

En 1976, qu’il le veuille ou non, Clint Eastwood a encore bien du mal à se défaire de l’image de l’homme au poncho. Quand les gens vont voir un western de Clint Eastwood, que ce soit Pendez-les haut et court, Joe Kidd, Sierra Torride ou L’homme des hautes plaines, c’est un plaisir Leonien qu’ils cherchent à prolonger. Crac, avec Josey Wales hors-la-loi, Eastwood instaure une rupture, encore toute relative, mais une rupture propre à décevoir les fanatiques du maître transalpin (dont je suis). Pour ne pas perdre son spectateur lambda, Eastwood récite néanmoins ses gammes : tac tac tac, la mitrailleuse surgit d’un chariot, telle celle de Ramon, et fait le ménage chez les nordistes, bang bang bang les énormes colts Walker font chuter tour à tour un nombre impressionnant de victimes avec une précision délicieuse d’invraisemblance. A ces conventions somme toute spaghettienne, le réalisateur ajoute des conventions propres aux deux genres : le drame inaugural, l’errance, la vengeance.

La rupture est cependant montré dès le prologue, qui associé au générique contient suffisamment de "matériau" pour remplir tout un film: la vie simple et rustique, la mort des proches, l'anéantissement de toute une vie, puis l'enrôlement dans une bande qui fait peu ou prou la même chose que ceux qui ont tué les siens. En développant, le film pourrait s'arrêter à la fin de la guerre, on aurait déjà eu un grand vrai putain de film avec des tripes et des boyaux.
Et Eastwood raconte tout cela à l'aide de scènes de pure convention: les cris de l'enfant dans les flammes, le viol suggéré, la mort du personnage avec grosse visualisation du méchant pour la vengeance future, puis sa résurrection avec une cicatrice (comme dans Pendez-les haut et court). Puis l'enterrement de la famille avec bien sûr la main calcinée qui sort du linceul de fortune et la petite croix de bois. Puis c'est tout naturel, on ressort un vieux flingue des cendres et on s'entraîne jusqu'à ce que l'habileté revienne. Et pour finir, comme par hasard une milice passe par là pour l'enrôler et faire d'autres pillages!

Admirable condensé de cinéma en dix minutes, on ne sait pas trop d'ailleurs s'il faut comprendre la séquence comme du temps vécu ou s'il y a des ellipses entre l'enterrement, le déterrement du flingue, l’entraînement et l'arrivée de la milice. La seule scène qui fasse tâche dans cette enchaînement conventionnel, c'est Eastwood s'écroulant de douleur sur la croix qu'il vient de planter, la croix se tasse, s'affaisse, et à aucun moment le personnage ne songe à la remettre d'aplomb (on la voit, toujours couchée quelques images plus loin). Eastwood condense donc toute une frange du western en dix minutes comme pour passer à autre chose (première rupture), tout en donnant à son personnage une histoire et un vécu (il est fermier, a une famille, deuxième rupture) et en inscrivant l’histoire dans un contexte historique américain très précis (troisième rupture). La reddition des sudistes est également un moment de pure convention. Fletcher commence par poser la légende du grand Clint verbalement, avec des phrases ré-entendues depuis dans Rambo, genre "il vous faudra une armée pour l'avoir, c'est un spécialiste, un pro qui vous en fera baver et qui se battra jusqu'au bout!", puis c'est le mitraillage des sudistes qu’Eastwood retourne contre les nordistes et termine avec ses deux flingues, qu'il tient, à plusieurs reprises dans le film, exactement comme William Hart, the Two-Gun Man, hé oui, quoi qu'il arrive, on croit toujours voir ses fétiches partout.
Et finalement la vraie rupture, cinématographique celle-ci et non pas scénaristique, n'intervient qu'à 25 minutes du début, avec l'apparition du Dr. Doxey, qui, s'il est une figure classique du western, est traité ici de manière drolatique et décalée, tout comme l'épisode du bac fait basculer le film vers un autre chose mystérieux et le sort de la convention (même si Eastwood se débrouille malgré tout pour placer une référence ironique à son passé en tirant sur une corde). Suivent ensuite les chasseurs de prime grotesques, la première faille de Clint qui se fait surprendre, et le chef Dan George qui accentue la rupture en donnant au métrage un ton bavard, humoristique, incongru, pour tout dire très seventies. Josey Wales est le film où Eastwood trouve son style, son rythme propre et parvient à s'affranchir de ce qu'on attend de lui, tout en commençant déjà à se moquer de lui-même. Le film se rapproche beaucoup plus d'un classicisme à la John Ford ou à la Anthony Mann que Pendez-les hauts et courts, Sierra Torride, ou Joe Kidd avec en plus cette impression de manque d'unité, de road movie un peu nonchalant et un peu longuet. Curieusement et sûrement sans s’en rendre compte, Eastwood reprend des thèmes qui ont été servis des dizaines de fois dans le western italien, à savoir le traitement parfois très dur réservé aux sudistes vaincus et la constitution d’une sorte de micro-société constituée de faibles et d’exclus. Au final, le film n’oublie pas d’être représentatif de son époque en présentant une sorte d’anti-héros, qui malgré la victoire apparente, s’en va blessé au soleil couchant, sans qu’on sache bien s’il s’en va retourner sauter sa donzelle ou mourir comme un chien, l’ouest et le soleil couchant représentant bien sûr le crépuscule de la vie. Si cette deuxième vision vous sied, Josey Wales est alors à classer dans la liste de tous ces westerns des années soixante-dix où le héros meurt à la fin, de John McCabe à Cable Hogue en passant par le moins renommé Du sang dans la poussière.

PS : ne pas manquer la scène où Eastwood décharge rageusement ses deux flingues vides sur le red leg responsable de la mort des siens, en notant qu’il réitérera dix ans plus tard, cette fois avec des flingues chargés dans Pale Rider.

John McCabe

2010-04-16T23:26:00.001+02:00

McCabe & Mrs. Miller
1971
Robert Altman
Avec : Warren Beatty, Julie Christie

De Robert Altman, je connais surtout sa deuxième partie de carrière, de Prêt à porter à Gosford Park, sa soi-disant renaissance après cette redoutable traversée du désert des années 80 que connurent tant de personnes du show biz. Difficile donc de replacer ce film dans la carrière du réalisateur, d’autant que John McCabe est un film qui est loin d’avoir l’ironie ravageuse de M*A*S*H. Difficile également de replacer le film dans la carrière de Warren Beatty, si ce n’est pour dire que comme dans Bonnie & Clyde, l’acteur n’avait pas peur de rôles d’hommes à coté de la plaque et plus ou moins dominés par les femmes.
Recadrer John McCabe dans la veine des westerns réalistes des années 70, ça par contre, je peux. Héroïsme zéro, crasse puissance mille, boue, pluie et misère à gogo, l’Ouest d’Altman est sale, rustique et fatalement humain. Pas l’humain qui construit une civilisation par l’épopée qui fait rêver du western classique, non, pas non plus l’humain sordide, cynique et roublard du western italien. De l’humain juste humain, stupide, gauche, qui veut se faire sa place au soleil et qui ne provoque ni sympathie, ni antipathie. On pourra applaudir ce refus du spectaculaire, louer ce vérisme proche de l’abnégation, cette absence forcée de prise de position, tel un documentaire exemplaire sur notre nature profonde. On pourra aussi rétorquer que si c’est pour voir sa propre médiocrité à l’écran, à quoi bon aller au cinéma ?
Au final c’est donc une distanciation étrange qui prévaut, comme si de voir des humanoïdes si proches de nous s’agiter pour survivre ne pouvait nous émouvoir, comme si l’héroïsme, le tragique et la passion étaient des données inatteignables, mais nécessaires pour piquer notre curiosité et nous faire croire que nous valons plus que ce que nous sommes vraiment. John McCabe pourrait donc être un grand film, mais la volonté farouche de coller au plus près de l'humain empêche toute tentative d'identification, toute affectivité envers les personnages au point que le film se terminant, leur destin sans réelle destinée ne nous émeut nullement. Un curieux objet donc, comme de nombreux westerns des seventies, de Missourri Breaks à Un nommé Cable Hogue en passant par L'homme sans frontières ou même Jeremiah Johnson, une sorte d'anti-western qui aurait pu faire un vrai bon chef d’œuvre avec un peu d'humanisme à la John Ford. On retiendra surtout finalement cette très langoureuse et mélancolique atmosphère, distillée par la musique de Leonard Cohen, on se souviendra de la vestimentation de Warren Beatty reprise l’année suivante dans Far West Story (et peut-être aussi le langage peu châtié) par Sergio Corbucci, et de très belles images hivernales auxquelles le DVD rend plus ou moins justice, sans oublier un petit rôle convaincant du jeune Keith Carradine en cowboy manchanceux et un méchant impressionnant, engoncé dans une peau qui le fait ressembler à un ours blanc armé d’un fusil monstrueux, joué par Hugh Millais.

Professionnels pour un massacre

2010-04-13T00:09:00.001+02:00

Professionisti per un massacro
Fernando Cicero
1967
Avec: George Hilton, Edd Byrnes, George Martin, José Bodalo

Castellarien. Ce mot de l’amigo Sartana sur Western movies est plutôt bien trouvé, encore qu’il soit nécessaire de préciser que c’est de la veine loufoque de cet estimé réalisateur que l’on cause. Le scénario rappelle Aujourd’hui ma peau, demain la tienne. Trois lascars pieds nickelesques (« Et vous, vous ne travaillez pas ? ») partent à la poursuite d’un trésor comme on part à la pêche aux coquillages. Le trésor est bien sûr sudiste, je ne sais pas pourquoi les nordistes n’avaient pas de trésor mais là n’est pas le sujet, le trésor est sudiste, il passe de mains en mains, de bandits en bandits et de sale gueule en gueule de traître. Seuls les trois lascars ne se trahissent pas fort heureusement, sans quoi on aurait été quelque peu perdus. En tout cas, si les multiples rebondissements d’un scénario à tiroir pouvaient amuser en 1967, ce n’est guère plus le cas aujourd’hui malheureusement, alors que toutes les péripéties se succèdent comme convenu et que les surprises s’enchaînent sans surprise. Néanmoins, la réalisation fluide et la bonne humeur générale font passer la sauce agréablement.

L’autre point Castellarien par excellence, c’est la science du cadre. Quel que soit le sujet à filmer, la caméra se place de façon à nous mettre un avant-plan pittoresque agrémenté de figurants à la pose hiératique négligente, formant moultes figures géométriques savantes et lignes de fuite dans tous les sens. Et quand la caméra se met à bouger, ce n’est jamais par hasard, c’est toujours pour nous montrer quelque chose, une trogne qui fait son entrée, un flingue pointé, une mèche qui fume nonchalamment, des cadavres qui pendouillent. Bon, Fernando Cicero s’amuse bien, et c’est toujours plus agréable à regarder que dix minutes de champ contre-champ. Par contre, en ce qui concerne les cavalcades dans les canyons d’Almeria et les tueries interminables, c’est le service minimum : cataclop cataclop à gauche, catclop cataclop à droite et pan pan pan tout le monde virevolte. La base, bien faite quoi, mais sans plus.

Troisième point Castellarien, le casting, avec un Edd Byrnes toujours aussi sans intérêt en pistolero depuis 7 winchester pour un massacre, mais qui a le mérite d’être là (ça ne veut rien dire, mais bon au moins il est là quoi), et un George Hilton que je vais bien finir par complètement apprécier puisqu’il est ici tout bonnement formidable en prêtre déchu, récitant ses sermons tout en allumant des mèches, explosant de joie à chaque fois qu’il réussit à faire sauter un régiment nordiste, et flairant littéralement l’odeur de l’argent à distance. Un régal, tout sourire, iconoclaste et gentiment sacrilège, George Hilton est la bonne surprise du film, alors que dans Je vais je tire je reviens, c’était Edd Byrnes la bonne surprise du film, effaçant un George Hilton légèrement, heu, effacé. Comme si les acteurs de spaghetti avaient décidé d’un commun accord d’être bons à tour de rôle sur leurs films : « Hé George, c’est à ton tour de bosser ce coup-ci ! » « Hé tu rigoles, y a Robert Woods qu’en fout pas une rame depuis trois films ! »
Et pour compléter le casting, George Martin n’est pas mal du tout en spécialiste des chevaux, capable de lire dans le crottin, vigoureusement musclé, et toujours en pleine forme. José Bodalo fait le chef de bandit mexicain qui gesticule partout et il le fait bien. L’originalité, c’est la Mama, à demi infirme, qui préside, un œil mort et la parole inintelligible (ou alors j’écoutais pas). Quelques scènes plus tôt, il y avait une patronne de taverne, grosse également, toujours assise également, muette, tapant sur son souffre douleur pour qu’il parle à sa place. Il y a quelqu’un dans l’équipe du film qui avait un faible pour les grosses bonnes femmes assises et qui a quand même réussi à en placer deux. Ces personnages secondaires un peu hors norme ainsi que certaines scènes sadiques ou mortifères (le jeu du mexicain dans l’amphore, le massacre de la ferme) tranchent avec les péripéties de gamin du reste du film, montrant ainsi un cinéma en constante recherche d’une direction à suivre et d’un difficile équilibre à trouver. A ranger donc dans la catégorie "Stupido ma non troppo", Professionnels pour un massacre est un spagh sympa à réserver tout de même aux fans.

Où le voir : DVD SNC M6 à l’image superbe, VF et VI, avec jaquette de Dupuy et Berberian, pas vraiment aussi inspirée que celles de leurs collègues.

Frank et Jesse

2010-04-08T22:29:00.001+02:00

Frank & Jesse

Robert Boris

1995

Avec : Rob Lowe, Bill Paxton, Randy Travis, Luke Askew

Continuant notre petite exploration des westerns “récents”, nous tombons sur cette énième variation autour du gang des frères James. Rob Lowe interprète le célèbre bandit légèrement antipathique, Bill Paxton joue le frère, plus charmeur, meilleur tireur et plus intelligent.

Rien dans cette version ne retient spécialement notre attention en comparaison avec d’autres oeuvres plus prestigieuses telles Le brigand bien-aimé, The Great Northfield Minnesota Raid, L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford ou Le Gang des frères James. Ou plutôt si, ce qui démarque vraiment ce film des autres, c’est qu’il se plante (volontairement ?) en montrant Charlie Ford tuer Jesse, plutôt que son frère Robert.

La mise en scène oscille entre le transparent et le mauvais, en particulier en ce qui concerne les scènes d’action. Le dilemme semble avoir été d’offrir un important quota de personnages virevoltant all’italiana tout en préservant le nombre historique de personnes réellement tuées par le gang. Résultat, les soldats nordistes décimés lors de l’attaque d’une banque se relèvent soudain pour continuer à tirer. Les fenêtres qui sont traversées sont très visiblement fausses, le mobilier cassé par les chutes est très visiblement préparé à l’avance, ce qui a pour résultat que ce film est également plus grotesque et moins fun que Americain Outlaws pourtant très mineur.

Malgré tout, certaines scènes parviennent à se révéler intéressantes, comme le meurtre sanguilonent du banquier ou la confrontation verbale avec le détective Pinkerton (William Atherton, excellent). Robert Boris réalise mollement mais avec suffisament de métier. Par exemple, la relation entre frangins ne fait pas d’étincelles mais fonctionne cependant correctement, le ressentiment du Sud est bien exploité et l’ensemble de l’intrigue se suit sans déplaisir. L’imagerie colle aux westerns des années 90, avec un mic-mac d’éléments spagh, de détails véridiques et de dialogues pompeux, genre Wyatt Earp.

Parmi les petites curiosités, on a un long plan fixe sur les fesses de Bill Paxton (pour les curieux de la chose) et on retrouve Luke Askew en vieillard exterminateur. Il jouait Jim Younger dans The great northfield Minnesota raid, et le gringo pouilleux d’Un tueur nommé Luke.

Un film sans saveur dans l'ensemble, sans surprise qui ne contentera que ceux qui veulent absolument voir toutes les versions possibles de l'histoire de Jesse James.

La traque sauvage

2010-04-05T22:06:00.002+02:00

The Jack Bull

1999

John Badham

Avec : John Cusack, LQ Jones, John Goodman

Petite production télévisuelle HBO pré-Deadwood, The Jack Bull partage avec les westerns récents ces paysages hivernaux et le pas lourd des chevaux qui font badaboum badaboum plutôt que cataclop cataclop. Bien que le film mette du temps à démarrer, bien que la réalisation soit aussi pataude que le pas des chevaux, bien que le scénario soit cousu de ce fil consensuel des grandes causes et des grands principes, le téléspectateur béta se retrouve peu à peu happé par l’intrigue finalement de plus en plus prenante. Parti d’une simple brouille entre un éleveur de chevaux et le baron tyran local, le réalisateur prend son temps pour montrer les choses dégénérer, avant de commencer à délivrer l’habituel pensum sur la civilisation qui se crée, la justice qui remet les choses en ordre et la corruption vaincue par la force des grands hommes. John Goodman, car c’est lui le grand homme, tarde à venir, mais quand il arrive, c’est un peu le sauveur, l’homme providentiel, la foi en l’homme renaît et youpi tout n’est pas si pourri finalement. Entre-temps, on aura compris que faire justice soit même provoque beaucoup plus de complications que de satisfactions et que ce n’est pas bien de brûler les granges des innocents.

Ce qui sauve ce téléfilm de la banalité, c’est finalement le refus du spectaculaire et l’absence de toute fusillade et de tics du western: pas de longs manteaux, pas de virtuosité aux flingues, pas de délires pyrotechniques. Cela participe d’autant au réalisme pour une histoire qui transcende finalement largement le cadre du western. La violence est pourtant loin d’être absente, du mauvais traitement des chevaux aux divers morts qui égrènent le film, on trouve là une violence âpre et dérangeante. En outre, la fin en forme d’anti-happy end, tout en étant une fin moralement juste (à l’exception du sort réservé aux indiens) est assez originale, même si elle est en grande partie due au fait que l’histoire s’inspire d’une histoire vraie. Les acteurs sont tous bons, même les seconds rôles. John Cusack parvient étonnamment à être impressionnant en homme libre, sûr de son droit et n’ayant peur de rien. L.Q. Jones, l’un de ceux qui veut pendre Eastwood dans Pendez-les haut et court est épatant en salopard.

Un téléfilm à ne pas jeter aux orties, et bien supérieur à d’autres westerns de la même époque sortis au cinéma, type American Outlaws.

Le dernier western

2010-04-03T01:03:00.001+02:00

Once upon a texas train

1988

Burt Kennedy

Avec: Willie Nelson, Richard Widmark, Angie Dickinson, Shaun Cassidy, Chuck Connors, Jack Elam, Harry Carey Jr.

Petit téléfilm sans budget ni talent particulier, Le dernier western fonctionne par son casting nostalgique, qui réunit une dernière fois avant trépas des premiers rôles et des seconds rôles du western de l’âge d’or : Richard Widmark (L’homme aux colts d’or, Les deux cavaliers), Angie Dickinson (Rio Bravo), Chuck Connors le rifleman, Jack Elam, second rôle bien connu et homme à la mouche chez Leone, Harry Carey Jr., acteur Fordien par excellence.

Burt Kennedy, le grand scénariste passé mauvais réalisateur ne cherche visiblement pas à faire un grand film, mais à s’amuser, à ressasser une dernière fois une mythologie éteinte. Les vieux briscards gouailleurs nous font bien plaisir, ces space cowboys ne voient plus rien, ne savent plus tirer, ont perdu le sens de l’orientation, ne savent plus monter un coup, mais ils ont encore l’expérience, l’habitude de la piste, le flair des vieux renards. Le scénario qui promet un bel affrontement à l’ancienne entre les deux bandes éternelles rivales, flanche à mi parcours pour nous proposer un gunfight gériatrie versus jeunes outlaws, ou plutôt hommes mûrs contre petits cons inexpérimentés, puisque la morale du film est que c’est dans les vieux pots qu’on fait les meilleurs soupes. Tous les papys ont leur content de grimaces, de ronchonnements, de rhumatismes et de vannes acerbes, sauf Angie Dickinson naturellement sous-employée. C’est donc un petit film à regarder obligatoirement une après-midi tranquille, au tic-tac de la pendule, si vous voulez être un minimum interpellés par la vigueur de ces vieillards qui ne s’en laissent pas conter, qui vivent leur vie malgré leur âge (applause pour Willie Nelson qui dévalise une banque six heures après sa libération et pour Jack Elam qui suit ses compères en vélo) et qui visiblement semblent beaucoup s’amuser. Nous aussi, bien que l'ensemble reste malheureusement assez mauvais.

Mort ou vif

2010-03-31T23:26:00.002+02:00

The quick and the dead

1995

Sam Raimi

Avec : Sharon Stone, Gene Hackman, Russel Crowe, Leonardo Di Caprio

En 1995, le western est mort depuis longtemps, personne ne songe à le réanimer, et surtout pas Sam Raimi qui nous présente là un pastiche fort bien léché mais dénué de la moindre petite touche d’émotion, d’affectivité, d’humanisme ou d’héroïsme.
Comme une mécanique bien réglée, Sam Raimi applique le manuel du parfait petit fan et oublie de faire un film. Alors d’accord, point de vue divertissement, on a tout, des ralentis sur des éperons qui font cling, des tenues crasseuses surmontées de gueules crasseuses farcies de dents cariées ou absentes, des zooms avant arrières, circulaires, zoom travelling ou travelling zoomés, plongées, contre-plongées et contre-contre plongées, tourbillons d’images parfaites et scintillantes. Quand il pleut, chaque goutte brille de mille feux comme un flingue astiqué de près, quand il y a des nuages, c’est du Turner puissance mille, quand il fait beau, le monde est ocre pastel magnifico caramba ! La caméra se promène comme une pro omnisciente toujours là pour capturer chaque détail important, soigner l’entrée des personnages, des éperons au visage, animée de mouvements fluides puis brusques avec bruitages qui percutent toutes les trente secondes à chaque fois qu’un percuteur fait clic, qu’une allumette fait scratch, qu’une porte fait bang, qu’un glaviot fait spioutch ou qu’un verre fait bling en tombant, clac clac boum, tu es mort, il est mort, nous sommes morts, hein qui est mort ? Ha c’est lui qui est mort ! Hooo le beau trou trou dans la tête qu’on voit le paysage à travers !

Coté fringues c’est un défilé de mode, des cache poussière, des vareuses noires, des costumes rutilants, aucune faute de goût, Raimi a bien bossé, ses scénaristes se sont décarcassés aussi pour trouver toutes les variantes possibles et imaginables à un duel, de face, de coté, en courant, en tuant, avec une pétoire rouillée, avec un indien immortel, oui rien à dire, c’est de la belle ouvrage !
Rien à reprocher non plus au sempiternel thème de la vengeance, c’est propre, c’est net, sans anicroche douteuse, tout comme la ville terrorisée par le dictateur sadique et ses sbires armés. Yep, les acteurs sont aussi tous aussi super-pro, Sharon Stone en tête qui fait très bien oublier l’incongruité d’une tireuse d’élite dans l’Ouest (mais quand même elle est mal peignée la Sharon !), Gene Hackman qui nous refait son Little Bill sans un accroc, Russell Crowe pas encore empâté et Leonardo Di Caprio carrément juvénile, et boudiou, y a même un cameo de Woody Strode!

Mais alors pourquoi on n’accroche pas, pourquoi on prend ça juste comme un respectable divertissement, pourquoi avec un tel savoir faire se contenter de décliner l’intégralité des poncifs possibles plutôt que d’essayer de scotcher le spectateur avec une vraie histoire, une tension qui grimpe, une tragédie au premier degré assumé pour faire larmoyer les ménagères, une empathie pour les personnages plutôt qu’un survol net et minimaliste de leurs motivations? Il aurait fallu nous montrer les faiblesses et l’humanisme de Herod, le coté sombre de Cort, les véritables blessures de l’héroïne, dépeindre des êtres vivants humains et touchants et non pas des mécaniques inertes qui ne parviennent pas à s’exprimer au sein d’un montage taillé à la serpe. Trois minutes dans le film, lorsque Hackman se bat contre Di Caprio, trois minutes où l’humain l’emporte sur le cynisme, où la tragédie commence enfin à s’exprimer, pourquoi tout le film n’est il pas comme ça ?
On va me dire, Sam Raimi a juste voulu se faire plaisir et nous faire plaisir avec un exercice de style totalement maîtrisé. Je le conçois, mais c’est juste très très dommage quand on a toutes les cartes en mains de miser petit quand on pourrait faire tapis.

PS : on note aussi certains plans de Sharon Stone, la clope au bec, qui de nos jours, font carrément subversifs !