Maverick

Richard Donner

1994

Avec : Mel Gibson, Jodie Foster, James Garner, James Coburn

L’autre jour j’ai vu une bande de trentenaires en costards jouer au poker dans le TGV en rentrant dans leur province. D’abord ils se prenaient super au sérieux en citant des tas de jargons super-pro agrémentés de théories techniques compliquées, tout ça pour ne même pas gagner du vrai argent. Ensuite ils jouaient au Texas Hold’em, ce poker où il y a trois cartes visibles, ce qui annihile totalement dans la plupart des cas le suspense des mains les plus mythiques, genre carré d’as (contrairement au poker fermé, ou poker western, où chaque joueur a cinq cartes inconnues des autres joueurs). Et enfin, le plus important, aucun d’entre eux ne buvait de whisky, aucun d’entre eux ne semblait avoir la moindre velléité de tricherie, aucun d’entre eux ne semblait prêt à cracher sa chique sur le mobilier SNCF, aucun d’entre eux n’avait de Colt 45 braqué sur les couilles de son adversaire. Le comble... Autant dire qu’en ce qui me concerne, Patrick Bruel peut bien être le chef de file médiatique de cette nouvelle mode du poker, je ne risque pas de me passionner pour un jeu devenu si aseptisé à force d’en enlever les éléments les plus marrants.

Oui, c'est juste pour dire ça que j’ai déterré Maverick de ma mémoire. Pour Jodie Foster, pour Mel Gibson, pour James Garner (Sept secondes en enfer, Maverick la série Télé), pour revoir encore une fois James Coburn et ses grandes dents, on pardonne beaucoup à cette comédie western et à ses situations abracadabradantesques et à ses gags qui tombent à plat. On aime les indiens totalement « intégrés », un ou deux gags décalés, la citation de l’Arme fatale avec Danny Glover, et c’est tout. Le film se suit avec plus de plaisir lorsque l’on s’y connaît un petit peu en poker, on sourit d’un air entendu, on passe un agréable moment, sans plus. Ce qui sauve le film finalement, c’est que Barry Sonnenfeld a fait bien pire en matière d’adaptation de série TV avec Wild Wild West.

El Puro, la rançon est à toi

La Taglia è tua... l'uomo l'ammazzo io
Edoardo Mulargia
1969
Avec : Robert Woods, Aldo Berti, Mario Brega.

El Puro, la rançon est à toi est le type même de mauvais western spaghetti fauché et sans génie et qui s’essaye vainement au bizarre sans y arriver du tout. Alors oui, il y a un roulage de pelle soudain entre hommes, après un tabassage particulièrement mortel d’une femme, oui il y a une scène incongrue de dîner où un mexicain offre une espèce de manteau de fourrure à notre héros, oui le duel final tente d’être un petit peu original (avec un Robert Woods en longjohns) et oui, la toute fin est subliminalement GrandSilencesque, mais non, ça ne suffit pas à rendre le film même modérément intéressant. Car ce que l’on retient finalement le plus de tout cela, c’est la lenteur et la nonchalance de l’ensemble, une esthétique involontaire type rock’n roll des années 60, due à l’allure effilée de deux des personnages principaux (Robert Woods et Aldo Berti) dont les silhouettes de grands échalas font penser à Mick et Keith, et un désenchantement de la biture, une complaisance à montrer la déchéance alcoolique qui laisse comme un mal de crane.
Alessandro Alessandroni, le siffleur célèbre des mélodies d’Ennio Morricone, compose une musique qui est à ce point un plagiat de celle du Bon la brute et le truand que cela en devient gênant et géant à la fois. Robert Woods, comme d’habitude, nous laisse de bois malgré un rôle plus complexe que d’habitude et ses grandes guibolles susmentionnées. Mario Brega, après de beaux rôles chez Sergio Leone, n’aura pas eu la carrière qu’il méritait, l’intérêt menaçant de ses rôles s’amenuisant avec son embonpoint. Il joue ici un méchant pas méchant, sans intérêt, loin, si loin du caporal Wallace.

Où le voir : DVD collection westerns mythiques. Image délavée et mal recadrée. C'est-à-dire que non seulement c’est recadré, mais en plus le recadrage n’est pas centré. Faut quand même pas être gêné pour vendre un truc pareil.

Plein de spagh dans les bacs...

Les DVD SNC/M6 Video en partenariat avec Fluide Glacial sont donc sortis semble-t-il avec les jaquettes "Fluide Glacial" prévues initialement. Si on peut louer l'initiative de "moderniser" la présentation de "vieux" films, l'idée de transversaliser les genres BD et westerns, on ne peut qu'être dubitatif devant le résultat. La colline des bottes est un western sérieux, M6 Vidéo a préféré lui garder sont titre ultérieur et idiot de Trinita va tout casser, alors qu'il ne s'agit en aucun cas d'un Trinita. Un tueur nommé Luke n'est en aucun cas non plus un western comique. L'idée d'associer les auteurs de Fluide glacial au western spaghetti aurait pu faire mouche avec des titres comme On m'appelle Providence ou Le blanc, le jaune ou le noir, mais là il s'agit manifestement d'une erreur de goût, autant que d'une arnaque commerciale visant à vendre des films pour ce qu'ils ne sont pas.

En attendant que je me procure - malgré tout - toute la clique, voici un aperçu:

• Un tueur nommé Luke, un bon western polar, critique ici
• La colline des bottes, le troisième Collizi, pas son plus grand succès, mais peut-être son meilleur? Critique ici.
• Durango encaisse ou tue, pas vu, un petit western comique qui semble être OK
• Django arrive, préparez vos cercueils: pas vu, ça n'a pas l'air génial, mais regardable quand même.
• On m'appelle King, pas vu, le film a une réputation exécrable malgré la présence de Klaus Kinski!

3h10 pour Yuma

3 :10 to Yuma
James Mangold
2007
Avec : Christian Bale, Russel Crowe, Ben Foster

Bigger, louder, faster, nastier. La diligence est blindée et dotée d’une mitrailleuse, elle fait un tonneau après qu’un assaillant explose à cause de la dynamite dans sa sacoche (tiens, c’est une bonne idée ça didon!), les survivants sont tous massacrés par le psychopathe de service. Commençons donc par ça. Je suis fatigué des psychopathes de service. J’aime bien Ben Foster en artiste névrosé dans Six Feet Under, je l’aime moins, malgré son beau panache, en Charlie Prince dans 3h10 pour Yuma. Ça fait vingt ans que l’on nous ressert toujours le même genre de psychopathes froids, déterminés, qui tuent sans broncher les gens (en les cramant dans la diligence cette fois là). L’archétype est tellement usé que le frisson n’est même plus là, pas le moindre petit grincement de dents, le Silence des agneaux, c’était en 1991 les mecs, faudrait voir à se renouveler. L’histoire aurait été tellement plus forte en faisant de Charlie Prince un type juste dangereux, mais follement amoureux de son patron. Au lieu de cela, il tue tellement de monde qu’on se demande pourquoi c’est Ben Wade qu’ils veulent mettre en prison et pas son homme de main, et son admiration amoureuse est juste exposée platement sans être notablement développée.
James Mangold passe ensuite en mode express, décidé à en donner au pékin pour son argent. Les péripéties s’enchaînent sans temps mort, Ben Wade se débarrasse de quelques uns de ses geôliers sans que les survivants ne pensent à l’entraver de façon plus efficace. Comme dans Appaloosa, l’épisode des indiens maraudeurs semble juste être là pour « faire western », la torture à la gégène est totalement ridicule (admettons, le gars qui a tué votre frère vous tombe entre les pattes, vous allez vraiment le torturer là comme ça, en plein milieu d’un chantier rempli de monde ?) et l’Ouest dans lequel évolue nos personnages est tellement violent et corrompu (la sécheresse qui accable le fermier dans l’original ne suffisait visiblement pas, il fallait bien qu’il soit aux prises avec des enfoirés de promoteurs qui lui crament sa grange, mais notons quand même qu’ils se sont abstenus de violer sa femme) que l’on se demande pourquoi trois ou quatre d’entre eux sont si déterminés à emmener un criminel pour le juger dans les règles.

En bref, la surenchère (spaghetti ou non) j’adore quand on a un scénario qui s’y prête, j’aime moins quand le matériau de base est une intrigue psychologique où la violence extrême et la corruption devraient former une singularité dans un monde en voie de civilisation, et non pas un monde entièrement anarchique où seuls deux ou trois gus semblent encore respecter la loi et l’honneur (en témoigne le massacre des hommes de loi de Contention, pourquoi donc continuer à discuter après ça, pour quoi ne pas tirer dans le tas tout de suite au lieu d’attendre 3h10?).
James Mangold n’est pas, malgré tout, n’importe qui. Il a réalisé l’excellent Copland. Il n’oublie donc pas les ressorts psychologiques de l’original, et parvient même à les développer et à les rendre plus intéressants, ce qui représente un beau tour de force au milieu de cette soupe western vitaminée. La relation père-fils en particulier, est vraiment très subtilement développée, et Christian Bale est tout simplement formidable en Dan Evans, avec son visage émacié, ses yeux fatigués, ses doutes lisibles dans ses sourires gênés. Russel Crowe est beaucoup moins bon, trop gros, trop bourrin, sans cette espèce de séduction qu’avait Glenn Ford. Comme dans l’original, malgré la progression narrative qui permet à ces deux là de se connaître et de se reconnaître, l’espèce d’amitié qui se lie entre eux à la fin tombe un peu comme un cheveu sur la soupe. Dans cette foutraque et irréaliste course finale vers la gare, de pure convention western (ça canarde de partout, Wade et Evans ne sont pas touchés, le fermier avec sa patte de bois saute sur les toits (normal, c’est Batman hé !) et descend des dizaines de poursuivants), Wade prend soudain conscience de quelque chose et décide d’aider Evans. Le point de vue sur la course poursuite change alors, la scène atteint alors une sorte d’état de grâce cinématographique qui la transcende, et le spectateur ne peut plus que regretter que ce moment précieux n’ait pas été mieux amené, mieux construit.

Puis, le portnawak reprend ses droits, dans un effort vain de se démarquer à tout prix de l’original. On pourrait ergoter longtemps sur la conclusion du film, chercher le pourquoi du comment de l’acte de Wade, la réalité aura à mon avis plus à voir avec la vogue à la mode de faire du théâtral et de l’inattendu à tout prix, quitte à ne pas faire beaucoup de sens.
Une semi-déception donc, si le film tient la route, est correctement réalisé et parvient à tenir son intrigue jusqu’au bout, 3h10 pour Yuma ne parvient pas à devenir un grand film (en cela, il me fait fortement penser à Tombstone, film plaisant mais un peu délirant qui partage avec le film de Mangold les mêmes défauts et les mêmes qualités). Il se contente donc d’être un western plein d’action, divertissant et fun, dont ne restera en mémoire que le personnage de Christian Bale, très bien composé.

Capture: Metek sur western movies

Pendez-les haut et court

Hang’em high
1968
Ted Post
Avec : Clint Eastwood, Ed Begley, Pat Hingle.

C’est Bob Steele, à nouveau, qui tient en joue notre petit Clintou fraîchement revenu de son expérience italienne. Bob Steele qui doute de la culpabilité du héros avant de rater sa pendaison avec ses potes, Bob Steele qui obtiendra le pardon final. Bob Steele qui joue le deuxième couteau avec Clint Eastwood, la roue a bel et bien tourné en 1968. Comme pour démontrer par A + B que la trilogie des dollars reposait sur lui-même et non pas sur le talent de Sergio Leone, Clintou engage le premier tâcheron issu de la télé venu pour le mettre en scène dans un western à l’italienne, avec l’espoir de faire aussi bien. Si le résultat lui donnera partiellement raison (succès au box-office, bonne réputation générale du produit), le connaisseur ne manquera pas d’objecter que le film reste somme toute mineur, manquant singulièrement de flamboyance, et surtout affublé d’une sorte de fin boiteuse qui nous laisse sur notre faim. Malgré tout, on assiste à un fascinant et oppressant florilège de pendaisons en tout genre, l’officielle de la justice toute puissante comme le lynchage de la justice expéditive, la pendaison manquée (l’argument principal du film, qui, si on oublie de le dire parce qu’on connaît le film par cœur, reste néanmoins un moment fort de western) comme le suicide par pendaison du méchant. Une belle galerie de sales types complète le tableau, Ed Begley en particulier en vieux et veule capitaine, écumant de vice et de peur. On note aussi Ben Johnson qui sauve Clintou et bien sûr Pat Hingle (le commissaire Gordon des Batman de Burton) en juge inflexible. Le sale gauchiste dangereux que je suis note bien sûr l’absence totale de moindre soupçon de remise en cause de la peine de mort, mais bah, on espérait quoi hein ?

Capture: aveleyman.com

Rio Bravo

Rio Bravo

1959

Howard Hawks

Avec : John Wayne, Angie Dickinson, Dan Martin, Walter Brennan, Bob Steele, Ward Bond, John Russel, Yakima Canutt, Gordon Mitchell

On ne présente plus ce film intemporel. Bob Steele joue dedans. Parler de Rio Bravo sans évoquer la prestation remarquée de Bob Steele (non créditée) en Matt Harris, l’un des hommes de main de Burdette revient tout simplement à parler d’Il était une fois dans l’Ouest sans parler de Woody Strode. De même, on ne peut pas passer sous silence les rôles de Ward Bond et de John Russel ; ce serait prouver au monde cinéphilique que l’on est passé complètement à coté de ce chef d’œuvre. A coté de ces acteurs capitaux, les autres bloqués dans la prison avec leur prisonnier ont beau toucher la grâce quand ils se mettent à chanter My rifle my pony and me, tandis que dehors sonne la musique du Deguello d’Alamo, on ne peut plus trouver grand-chose à dire. Le Duke est là bien campé, comme s’il était né pour ce film, s’essayant à la comédie avec Angie Dickinson (en joueuse de carte qui n’use pas beaucoup de son art, mais plutôt de ses autres atouts), Walter Brennan campe Stumpy pour la vie, Dean Martin incarne la rédemption alcoolique pour l’éternité. Bon, tout ça c’est bien, mais si minime à coté des performances de Yakima Canutt (non crédité) en homme à cheval et de Gordon Mitchell (non crédité) en cowboy de saloon, performances qu’il est tout simplement impossible d’ignorer sous peine d’être discrédité à vie ! On dit d’ailleurs que les scènes supprimées de Harry Carey Jr. sont primordiales. Et puis comme dans tout bon western, il y a de la dynamite et de la tension nerveuse avec du sang qui tombe du plafond. Howard Hawks essaiera de nouveau par deux fois d’atteindre cette perfection ultime (El Dorado, Rio Lobo) sans toutefois y arriver tout à fait.

Capture de Bob Steele: Aveleyman.com

Le grand sommeil

The Big Sleep
1946

Howard Hawks

Avec: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Bob Steele

Ben non, je n’avais jamais vu ce film mythique, je l’ai découvert hier en VF. Dur, dur de reconnaître la patte du réalisateur de Rio Bravo, son humanisme, dans ce film noir. L’intrigue est absolument incompréhensible, les dialogues sont tendus du début à la fin, chacun reste sur ses gardes, c’est nerveux, c’est dur, c’est sec. On dirait un théâtre de marionnettes encore plus désincarnées que dans Il était une fois dans l’Ouest, le pathos tragique en moins. Pour être franc, si j’ai tenu jusqu’au bout, c’est parce que je voulais voir Bob Steele en méchant, lui qui aura vécu du cinéma dans son acception héroïque la plus basique et spectaculaire qui soit, l’entendre dire, de façon ignoble et presque ironique : « tu veux que je compte jusqu’à trois, comme au cinéma ? », puis le voir se faire descendre suite à une ruse idiote, c’est presque aussi émouvant que Ben Johnson mourant dans la Chevauchée sauvage. Pour le reste, le ciré, les belles pépées, les berlines brillantes de pluie en noir et blanc, la gueule incroyable de Bogart, fort bien, mais je ne suis guère allé au-delà de ça!

L’homme qui tua Liberty Valance

John Ford
The man who shot Liberty Valance
1962
Avec: John Wayne, James Stewart, Lee Marvin

Un western que j’affectionne, parce que outre le thème de la légende qui remplace la réalité, le film parle de la fine ligne qui existe entre la lâcheté et l'anti-violence, non pas que le personnage de James Stewart soit un lâche, mais son comportement peut être interprété comme tel. La phrase pivot est celle de John Wayne: "C'était mon steak Valance", c'est à partir de là que se joue le film. C'est ce genre de phrase qui dit quel genre d'homme vous êtes. Si vous la dites, la confrontation est inévitable, vous risquez votre peau, mais vous gardez la face. Si vous ne la dites pas et que vous ramassez le steak, vous êtes, disons prudent, voire un lâche, mais vous restez vivant.

Depuis le jour où j'ai vu ce film, je me demande comme tout le monde si je suis John Wayne ou James Stewart, parce qu’heureusement nous avons en Occident la chance de vivre dans une société où l’on peut mourir de sa belle mort sans avoir jamais eu la moindre occasion de choisir entre la bravoure et la lâcheté. Quelle ligne de conduite adopter dans ce genre de situation, où est la limite, à partir de quand faut il répondre à la provocation et à l'insulte, à partir de quand faut il dire stop, quand vaut-il mieux laisser courir? C'est une question essentielle que le film a le mérite de poser de façon magistrale. Pour le reste, j'adore le personnage de James Stewart, et j'adore la force désabusée de John Wayne, et j'adore le jeu de Lee Marvin! Mais ce film ne fait pas vraiment partie de mes Ford préférés, peut-être à cause de l’atmosphère trop urbaine, peut-être à cause du noir et blanc, mais quoi qu’il en soit, il démontre que John Wayne est un très grand acteur, aux facettes beaucoup plus multiples que l’on pourrait penser.

Affiche: western movies

Impitoyable

Unforgiven
1992
Clint Eastwood
Avec : Clint Eastwood, Gene Hackman

Consécration Eastwoodienne, Unforgiven (quand on est dans le coup, on ne dit pas Impitoyable, on dit Unforgiven, parce que ça fait beaucoup plus sens, et surtout, connaisseur) marque l’apogée critique d’un réalisateur passé en vingt ans de facho bourrin à réalisateur subtil et humaniste. Apogée parce qu’avant, les réalisations westerniennes d’Eastwood étaient vues d’un œil légèrement soupçonneux quant à un substantiel risque de rechute de son ancienne infection italienne, et que depuis, quelques voix s’élèvent pour considérer un peu plus sévèrement un certains nombre de ses récentes réalisations dites mineures (True Crime, Space cowboys), voire majeures (Million Dollar Baby ou L’échange, honnis par certains). Mais, quand sort Unforgiven, c’est l’apothéose, Les Cahiers du cinéma se déchaînent, tout le monde suit, on va jusqu’à louer la veine temporale saillante de l’acteur, et Eastwood remercie la critique française. Unforgiven est censé être à la fois le dernier des westerns, la mise à mort d’un genre et la mise à mort d’un personnage, tout en signant paradoxalement une renaissance du mythe dans une veine plus réaliste où l’on imprime la réalité plutôt que la légende, tout en offrant à Gene Hackman un rôle de salaud inoubliable qu'il nous resservira plusieurs fois (Absolute powers, The Quick and the dead). Pourtant, je me souviens surtout du final, où le réalisateur n’a pas su aller jusqu’au bout de la logique qui imprégnait tout le reste du film. Malgré le premier coup de feu foireux, Eastwood redevient Eastwood lors des ultimes minutes, c'est à dire qu'il retrouve la dextérité de Blondin allié au regard de Dirty Harry. Je me souviens en avoir parlé avec Vincent sur Inisfree, William Munny abattant à lui tout seul toute la clique des baddies, c’est Silence qui gagne à la fin dans la version alternative du Grand Silence, c’est Eastwood qui n’a pas osé frapper aussi fort et aussi dur que Sergio Corbucci en son temps. Quoi qu’on en dise, quoi qu’on en pense, les héros ne meurent jamais, the show must go on.

Broken Trail

Broken Trail
2006
Walter Hill
Avec : Robert Duvall, Thomas Haden Church, Gwendoline Yeo, Greta Scacchi

Attention, c’est un téléfilm de trois heures, c’est à dire qu’il faut le voir comme tel, par petits bouts, comme une mini-série, pour s’attacher petit à petit aux personnages. On est un peu désarçonné au début, ça traine, c’est un peu lent, au bout de quarante cinq minutes, il ne s’est toujours rien passé. Walter Hill prend son temps pour filmer les chevaux, puis les herbes hautes, puis les chevaux au milieu des herbes hautes, c’est beau la mélancolie désincarnée, mais point trop n’en faut. Robert Duvall joue à nouveau le cowboy finissant, le cowboy trop vieux mais qui n’a pas la possibilité de prendre sa retraite, le cowboy un peu gauche, touchant, avec son accent incompréhensible. Thomas Haden Church (qui avait déjà tourné dans Tombstone) est son neveu, un brin monolithique, ils convoient ensemble des centaines de chevaux à travers les étendues américaines. Et leur route croise celle d’un esclavagiste qui transporte cinq jeunes chinoises promises à un destin pire que la mort : la prostitution. Le film s’attache fort à décrire les inquiétudes des chinoises, de très nombreux passages sont en chinois sous-titrés, ce qui est sans doute rare à la télévision américaine (comme française d’ailleurs, ne pas voir dans cette remarque l’habituelle condescendance envers les américains, toujours censés être plus neuneus que nous), elles ne comprennent littéralement pas ce qui se passe, et c’est seulement au fur et à mesure qu’elles intègrent que leurs nouveaux protecteurs sont bons et droits qu’elles se détendent petit à petit. Cet effort pour tenter l’identification du spectateur avec non seulement des femmes, mais en plus des chinoises, dans un western, est admirable. Elles n’ont aucune latitude pour agir, mais à aucun moment elles ne sont nunuches, nulle part elles n’apparaissent comme de simples faire-valoir de héros virils. Chacune sa personnalité, chacune se démarque, en particulier Gwendoline Yeo et son sourire radieux, que l’on a vu dans Desperate Housewives. En parlant de destin pire que la mort, les deux d’entre elles qui se font violer finissent par en mourir, tant il leur est impossible de vivre avec ce déshonneur. Je ne suis pas du tout assez calé sur cet aspect de la mentalité féminine chinoise de la fin du XIXe siècle pour savoir s’il est bien documenté, ou s’il appartient plutôt au domaine du poncif orientalisant (au même titre que les pieds minuscules de l’une d’entre elles), mais on sent néanmoins un vrai désir de le rendre crédible, de faire partager l’effroi de ces jeunes « recrues » immergées en milieu hostile, et rien que pour ça, Broken Trail est une réussite, car ce film explore des territoires nouveaux dans le monde du western, avec des figures – fantômes dans tous les autres westerns - qui n’avaient jamais été exploitées auparavant. Plus que la condition des esclaves sexuelles chinoises, c’est aussi la condition des prostituées tout court qui est fortement évoquée, à travers le personnage joué par Greta Scacchi. Certes c’est ici moins nouveau, le film étant passé après Deadwood, dont Walter Hill avait d’ailleurs tourné l’épisode pilote, mais le thème reste bien traité. On pourrait presque dire que Broken Trail est un western de femmes.
De Deadwood, Walter Hill a retenu la boue, la brume qui ne se dissipe pas et la vapeur qui jaillit des naseaux des chevaux, avec le frchhhh caractéristique, les campements miteux et les villes champignons au milieu de la mélancolie hivernale. On retrouve avec grand plaisir les hommes engoncés dans leur vestimentation qui leur colle à la peau et les putes rougeaudes, les chevaux qui galopent d’un pas lourd dans l’herbe grasse, évoquant bien plus des destriers moyenâgeux que le Tony nerveux de Tom Mix. On est bien dans le western des années 2000, outre Deadwood on pense aussi à l’ambiance crachoteuse de L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford, et bien sûr on pense à Open Range et ses étendues, Robert Duvall déjà et les coups de feu sales et vicieux. On remarque alors que nos deux héros sont droits dans leurs bottes, ils ne profitent pas des chinoises, ils ne se payent jamais de putes, ils restent dignes. On peut sourire, penser que c’est probablement totalement anachronique, mais on y croit. Il est juste dommage que le scénariste ait cru bon d’en rajouter une couche en leur faisant abattre froidement un abject disséminateur de couvertures variolées à destination des indiens, c’est la faute de goût, le petit moins très XXIe siècle qui n’apporte rien aux personnages, et qui au contraire les décrédibilise. Dommage, mais sur trois heures de film, ça passe presque inaperçu. On est content pour Walter Hill, qui est passé du statut d’auteur estimé de ses débuts à la déchéance de son 48 heures de plus, de la violence Peckinpienne à la consensualité de Wild Bill, pour finir avec ce petit bijou poétique et merveilleux. Le budget est parfois un peu serré, mais c’est du grand art tout de même, le western n’est pas mort, Broken Trail le prouve.

Le DVD: A vrai dire, je n'ai rien à dire sur le DVD lui même. Je ne devrais rien avoir à dire sur les analphabètes qui ont rédigé le résumé de la jaquette non plus, je suis un analphabète moi-même, je relis parfois mes textes vieux de deux ou trois ans et je trouve des fautes énormes. Mais quand il s'agit de professionnels, ça m'énerve. Une faute de conjugaison et une faute d'accord sur quatre lignes, ça m'énerve (en plus du fait d'écrire "Une fresque épique de plus de 3 heures" alors que les petites lignes juste en dessous annoncent 2h56). Quand après cela vous lisez la critique de Dvdrama, qui multiplie les fautes de français incroyables, les fautes sur les noms des acteurs (et même sur le titre du film!) et les inexactitudes (le film a été nominé pour trois Golden Globes, mais ne les a pas gagnés), on se dit que notre langue est perdue à jamais et que le travail de pro n'existe plus.

Open range

Open range

2003

Kevin Costner

Avec: Kevin Costner, Robert Duvall, Annette Bening

L’une des plus belles réussites du western des années 2000. Kevin Costner a rangé sa pesante et pontifiante armada post-apocalyptique (Waterworld, Postman) pour nous offrir un rôle sombre et ambigu, pour un film d’une beauté à couper le souffle, que ce soit dans la mise en scène de ces magnifiques et ondulantes grandes plaines qui semblent encore vierges et inexplorées, dans les rapports intimistes entre d’une part Costner et le toujours bon Robert Duvall (qui commence néanmoins à se faire vieux sans toutefois perdre une once de crédibilité, il faut le voir galoper sous l’admiration de Costner, tel John Wayne dans 100$ pour un shérif) et d’autre part Costner et Annette Bening, ainsi que dans la représentation sèche et brutale de la violence lors de cet ahurissant gunfight final, sans doute l’un des plus prenants gunfights de l’histoire du western. Un must, sombre, touchant et vrai.

Capture: toutlecine.com

Joe Kidd

Joe Kidd
John Sturges
1972
Avec : Clint Eastwood, John Saxon, Robert Duvall

Le pire western d’Eastwood, le voilà, oui parce que même si La Kermesse de l'Ouest est sacrément nul, l'ambiance de comédie musicale est quand même plus festive et encline au pardon. Les tickets gagnants ne gagnent pas à tous les coups. John Sturges, Elmore Leonard, Clint Eastwood et Lalo Schifrin auraient au minimum dû nous pondre un western potable, mais ils nous ont au contraire concocté un mélange d’ennui, d’emprunts hasardeux (le Mauser du Grand Silence), de n’importe quoi (la scène finale) et de réalisation bâclée. Clint Eastwood fait le minimum syndical coté mâchoire serrée, certains disent qu’il était malade, d’autres disent qu’il s’entendait mal avec John Sturges, peu importe, le résultat n’est pas là, et Sturges confirme avec ce film sa lente dégringolade depuis l’âge d’or. Reste la musique, qui ne plaît pas à tout le monde mais qui me plaît tout de même à moi et l’interprétation de Robert Duvall, qui plaît toujours à tout le monde.

Capture: U.S. Marshal Cahill sur Western Movies

Pale Rider

Pale Rider

1985

Clint Eastwood

Avec: Clint Eastwood, Richard Kiel, John Russel

La scène qui m’a le plus marqué dans Pale Rider, donc, c’est la mort du chien, forcément, à 10 ans, un meurtre aussi gratuit, ça fait mal. Par contre, avoir 10 ans en 1985, c’est la belle vie, on découvre Sergio Leone, et celui-ci n’est pas mort. Et Clint Eastwood ? Et bien il continue à faire des westerns tout pareil qu’avant, avec sa barbe, des bastons au bâton, des histoires de glace sur les roubignolles, des longs manteaux et des parties de cache cache dans les rues désertes. Mais revoir ce film vingt ans plus tard fait mal aussi. Tout semble désespérément puéril, convenu, la partie de cache cache est ultra-prévisible (tiens, un abreuvoir, où Clint est-il donc caché ?) et le numéro amoureux de la mère et sa fille envers le high plain drifter est absolument insupportable de crétinerie niaiseuse. La pire réalisation westernienne de Clint Eastwood, (mais pas le pire de l’acteur) qui reste malgré tout un bon divertissement. A voir si vous avez encore dix ans, ce qui est votre droit le plus strict …

Capture: U.S. Marshal Cahill sur Western Movies

L’homme de la plaine

The man from Laramie

Anthony Mann

1955

Avec : James Stewart, Arthur Kennedy

C'est mon préféré du duo Stewart/Mann en ce qui me concerne (mais je n'ai jamais vu l'appât), cette appréciation venant paradoxalement de mon goût prononcé pour le tragique, la démesure, les déchirements familiaux. Trois scènes ici répondent magistralement à ce besoin: le massacre des mules et la destruction des chariots, qui allient le désastre humain exprimé avec force par le jeu de Stewart à la simple horreur de s'en prendre à des bêtes innocentes (je dois être un grand sentimental, mais la scène qui m'a le plus marqué dans Pale Rider, c'est la mort du chien...); la mutilation de la main de Stewart, là aussi rendue beaucoup plus crédible par le jeu outré de Stewart que par l'étendue des dégâts que j'aurais imaginés beaucoup plus irréparables à bout portant, et enfin, clou du spectacle, la charge de l'aveugle, moment presque absurde confinant à la folie. Ces trois moments, presque perturbants dans une intrigue somme toute classique intégrée dans le cadre balisé du western "classique" parviennent sans effort à déloger le final, beaucoup moins surprenant dans sa forme, dans son air de déjà-vu et dans sa morale convenue du bad guy puni là où il a pêché...

Affiche: Metek sur Western Movies

L'homme des hautes plaines

High plains drifter

1972
Clint Eastwood

Avec: Clint Eastwood

Alors que je venais de découvrir les Clint Eastwood de Sergio Leone, mon papa m’avait dit : « je me souviens d’un western de Clint Eastwood où il force les habitants à repeindre leur ville en rouge », waouuh, que j’ai fait, ça doit être un super western, et je fus alors déçu en le découvrant, tant Eastwood avait poussé loin le nihilisme du scénario, le caractère abject de son personnage (le viol…), la cruauté alla spaghetti (la scène au fouet, étiré sur une longueur insupportable), le pétard mouillé de la défense style Sept Mercenaires, le final au fond assez décevant pour qui rêve d’une confrontation Leonienne. Bref, Eastwood semblait s’être beaucoup amusé à me décevoir, et aujourd’hui, je lui en suis très reconnaissant, parce que c’est sur ce genre de déception que l’on se forge une personnalité, plus que sur le connard qui vous fait bouffer de la neige en cour de récré.

Capture: cinequartier
PS : j’entame ici une petite série d’avis courts et lapidaires sur des films vus il y a quelques temps. Il se peut que ces textes se voient remplacés un jour ou l’autre à l’occasion d’une revision, surtout pour les plus emblématiques d’entre eux.

3h10 pour Yuma

3 :10 to Yuma
Delmer Daves
1957
Avec : Glenn Ford, Van Heflin, Felicia Farr

C’est l’ouest le vrai, avec des vrais paysages du vrai Ouest filmés avec une vraie caméra américaine par un vrai réalisateur américain qui s’est donné la peine de réaliser tous ses westerns entre 1950 et 1959, c'est-à-dire en plein cœur du vrai âge d’or du genre. Autant dire qu’on a intérêt à faire vachement gaffe à ce qu’on va écrire, il n’est pas question de déblatérer sur les habituelles relectures du genre à base de codes retournés comme un gant, ou de déstructuration du mythe annonçant les prémices du western italien ou des années 60, non là on est vraiment au cœur du cœur du classicisme le plus classique possible, auquel on ne peut même pas greffer non plus le moindre soupçon de petite série B fauchée ni la moindre once d’insouciance des serials des années 40. Ici, sans l’ombre d’un accroc, on est dans le nec plus ultra du grand western de série A parmi les meilleurs.

3h10 pour Yuma pourtant, avec son noir et blanc largement dépassé en 1957, malgré les souvenirs d’une réalisation un peu pataude du même Delmer Daves sur La flèche brisée, est empreint d’une vraie modernité dans sa réalisation. La première scène, nous montrant une diligence à l’horizon, prenant le temps de parcourir tout le champ avant de s’approcher du premier plan, la nervosité du montage suivant avec la multiplicité des points de vue, la poussière et ces bandits silencieux qui font qu’on n’est pas sûrs d’avoir bien compris ce qui semble pourtant évident au cocher, tout cela tranche franchement avec même les meilleures séquences de La flèche brisée. Et la suite du hold up avec ses morts absurdes ne vient pas infirmer ce constat. Le scénario, adapté d’une histoire d’Elmore Leonard (mais quel âge a ce mec, ses histoires semblent avoir été adaptées au cinéma depuis la nuit des temps ??), ne se démarque pas vraiment de ceux du Dernier train de Gun Hill ou du Train sifflera trois fois, mais permet une belle progression psychologique entre le fermier qui n’a plus rien à perdre, et le méchant qui ne peut pas être trop méchant parce qu’il est joué par Glenn Ford. Tension à cran donc, où l’on passe son temps à regarder sa montre comme dans La cible humaine, pas parce qu’on s’emmerde, mais parce que l’échéance est là, menace lointaine des bandits que l’on attend, et l’homme, seul ou presque, face à face avec lui-même, avec son courage, aiguillonné on ne sait trop par quoi puisque plus personne à la fin ne lui en voudrait de laisser tomber, ni sa femme, ni ses fils qui l’avaient pourtant aiguillonné au début (« tu ne vas rien faire ?», alors qu’ils assistent, impuissants à l’attaque de la diligence) et qui ont pris conscience qu’il valait mieux un père vivant qu’un père mort en héros.

Photographie superbe, avec des ombres immenses qui se couchent à l’infini, langoureuse ballade de Frankie Laine (le chanteur du générique de Rawhide), et toujours cet idéalisme forcené de Delmer Daves, cette foi en l’humain, cette naïveté qui voudrait nous faire croire que les hommes peuvent s’améliorer au contact les uns des autres, alors qu’on sait qu’ils ne savent que s’entretuer. Glenn Ford est formidable dans ce film, en méchant plutôt roublard et séducteur, il faut le voir, magistral, draguer avec succès la fille du saloon, et avec moins de succès (quoique ?) la femme du fermier. Celui-ci est joué par Van Heflin, qui imprime parfaitement à son personnage la détermination de l’honnête homme que la fatigue de la vie n’a pas encore totalement émoussée. Les seconds rôles sont épatants aussi, les bandits ont une classe superbe, avec des ceinturons bien achalandés, Richard Jaeckel (le Shérif dans Pat Garett & Billy the Kid) détonne tellement il est beau, Henry Jones, l’ivrogne qu’on s’attend à voir mettre le héros dans le pétrin, mais qui ne le fait pas, nous gratifie d’une scène assez marrante avec le fils de celui-ci, et enfin Robert Emhardt, le gros propriétaire de la diligence, avec sa gueule à la Blier parvient aussi, en de très courtes apparitions, à dépasser le cliché du patron uniquement soucieux de ses affaires. La pluie finale est tellement surchargée de pathos appuyé qu’on craque et qu’on en a les larmes aux yeux. De la grande série A je vous dis !

Image: Metek sur Western Movies

El mercenario en DVD

C'est sorti, c'est tout beau, c'est un excellent western spaghetti qu'il faut voir avant de dire "ouais, c'est pompé sur Il était une fois la Révolution" puis de se rendre compte qu'il lui est antérieur!

14,99€ à la fnaque, allez hop tip tip tip tip tip...

Moi comme d'hab, je vais attendre un peu, ha ha ha, parce que je l'ai déjà vu, ha ha ha, et que j'en ai plein d'autres de bien en attente, ha ha ha...

Inglourious Basterds

2009

Quentin Tarantino

Avec: Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Brad Pitt, Diane Kruger, Michael Fassbender

Ce qu’il y a de bien avec les autoroutes de l'information, c’est que le culte du réalisateur est de facto découragé. Quand quatre gus sur cinq mettent Le bon la brute et le truand dans leur top 20 sur dvdrama, on questionne rapidement sa propre admiration dans ce qu’on lui trouvait de si particulier. Or, je n’avais pourtant déjà pas le culte facile, de Clint Eastwood à Stanley Kubrick, personne pour mériter de tonitruants maîtres, personne à mettre sur un T-Shirt, personne qui mérite un exposé en cours de Français. Quentin Tarantino n’eut donc pas plus que les autres, le droit à cet honneur, malgré un Reservoir Dogs traumatisant en 1992 (on ne m’avait pas prévenu de l’ablation auriculaire), malgré un Pulp Fiction épatant mais limite trop virtuose, malgré un Jackie Brown très réussi, et malgré un Kill Bill dont on vanta naguère déjà les qualités soi-disant spaghettiennes, mais qui se révéla tout juste consommable. Vous le savez, il ne suffit pourtant pas, à mon sens, de mettre quelques gros plans, quelques ralentis, quelques notes de Ennio Morricone pour faire un hommage réussi au western spaghetti ou au cinéma de genre, il faut de la texture, il faut de l’émotion labellisée « premier degré » qui fasse que le spectateur se prenne au jeu, que le spectateur tremble pour les personnages. C’est par ailleurs ce qui manquait au foutraque Pacte des loups, Christophe Gans eut sabré dans les combats Kung Fu et le délirium scénaristique au profit d’une vraie tension palpable et crispante, il aurait réussi un film à peu près aussi parfait que Inglourious Basterds.
Certes, le mot est lâché. Parfait n’est pas synonyme de chef d’œuvre. Parfait veut dire que toutes les composantes sont dosées harmonieusement pour prendre son pied du début à la fin, du premier tableau bluffant au dernier tableau bluffant en passant par les deuxièmes, troisièmes et quatrièmes tableaux bluffants. Les dialogues à rallonge sont un plaisir pour l’oreille, d’autant que comme le dit le Dr. Orlof quelque part, ils participent à 100% à cette tension qui crispe le spectateur pendant tout le film. Les personnages sont tous parfaits, les acteurs sont tous au diapason. Vincent a dit ailleurs que Tarantino savait filmer les femmes (à moins qu'il ait dit ça de quelqu'un d'autre, je ne retrouve pas la phrase), et malgré la suspicion sexiste que peut susciter habituellement ce genre de propos, il a raison. Mélanie Laurent n’est jamais aussi passionnante que lorsqu’on la filme sans fard, sans tentative d’iconisation, comme une personne réelle qui n’a pas nécessairement besoin de séduire à l’écran. La violence qui éclate sporadiquement est bien sûr toute Tarentinienne, mais modérée, histoire de décevoir bien profond les bourrins qui ne voient en Tarantino qu’un geek qui se vautrerait dans la démesure bisseuse. Mais c’est bien le cinéma dans son ensemble que Tarantino adore, et il le prouve plan après plan. Alors on peut chercher les références, crier Bingo comme l’un des personnages, quand il filme les yeux en gros plan (bingo : Sergio Leone), quand il filme une scène à travers une porte (bingo : John Ford (on nous fait le coup à chaque fois, étudiants en cinéma, filmez une scène ou deux de votre court-métrage de fin d’étude à travers une porte (ouverte quand même), vous aurez assurément une bonne note)) ou quand il donne des noms de bisseux italiens à ses personnages (bingo : Antonio Margheriti) ; contrairement au Spirou de Yann, l’essentiel n’est pas masqué par les coups de coudes complices, Tarantino nous transporte, nous scotche au fauteuil, nous emmène où il veut malgré un théâtralité imposante.
C’est amusant comme les connexions se font, Le groom vert-de-gris a fait l’objet d’une polémique initiée par le dessinateur Joann Sfar, qui, s’il admet que les nazis de Yann ou ceux de Tarantino (ou ceux de Steven Spielberg dans les Indiana Jones) puissent être des nazis de pacotilles uniquement destinés à endosser le rôle de grand méchant loup dans les histoires d’aventure, n’admet pas qu’il en aille de même pour la représentation des juifs et de l’Holocauste au cinéma ou en BD, prenant en exemple cette petite juive aux seins naissants qui veut que Spirou l’embrasse. On ne va pas remettre une couche sur le travelling de Kapo, ni sur Claude Lanzmann scandalisé par l’émotion obscène de La liste de Schindler de Steven Spielberg, lui-même outré de voir l’holocauste juif réduit à un terrain de jeu dans La vie est belle de Roberto Benigni, il s’agit d’interrogations valables, discutables et discutées, mais lorsque Tarantino parvient à nous foutre la trouille avec un nazi de pacotille, quand il parvient à insuffler une angoisse permanente dans sa France occupée uchronique (si vous aimez les mots à la mode) ou parallèle (si vous préférez les mots de l’ancienne mode), et que cette angoisse horrible n’a aucune différence conceptuellement, dans son ressenti intime et physiologique, avec celle ressentie dans L’armée des ombres pendant les séances de torture, avec celle ressentie dans la Liste de Schindler quand les SS ne parviennent pas à abattre l’ouvrier qui ne travaillait pas assez vite, avec celle éprouvée lors de la monstrueuse scène du coiffeur dans Shoah, il démontre tout simplement que les films dits « réalistes » et « sérieux » (rajoutez des guillemets autour de ces mots si vous sentez qu’il n’y en a pas assez) ne parviennent pas plus qu’un film aussi crétin et décérébré que Inglourious Basterds à s’approcher d’une vérité quelconque sur la barbarie nazie. Lorsque Lanzmann met en scène un survivant dans son ancien salon de coiffure, il fait in fine exactement la même chose que Tarantino qui cache des juifs de fiction sous un plancher dans Inglourious Basterds, quelque fut l’intention de départ.

Alors certes, cette démonstration de l’inutilité de s’en prendre à ce film dans sa bêtise crasse d’une représentation des juifs vengeurs et scalpeurs était en soi inutile elle-même, tant le réalisateur a pris soin de grossir délibérément le trait pour s’affranchir de ce genre d’attaque, mais que voulez vous, je nettoyais mon clavier, les mots sont partis tout seuls.

On l’aura donc compris, Inglourious Basterds est un film parfait dans sa façon de jouer dans une deuxième guerre mondiale de cour de récréation comme Leone jouait dans un Ouest de cour de récréation, tout en faisant flipper sa race au spectateur. C’est bien simple, on ne sait jamais précisément ce qui va se passer, les destins basculent en permanence, les personnages parlent et parlent et parlent et glacent le sang. La dernière fois que j’ai ressenti cette impression de perdre pied et de réellement retenir mon souffle sans savoir à quoi m’attendre, c’était pour le fameux épisode de la saison quatre de Six Feet Under où l’un des personnages prend en stop un gars vraiment instable. Ceux qui me connaissent un peu diront, bah et alors, c’était le mois dernier, mais tant pis, Inglourious Basterds m’a diverti da A à Z, sans imperfection autre que ce discours du cinéma dans le cinéma, les discussions sur Max Linder, Charlie Chaplin et Georg Pabst, qui montrent de façon beaucoup trop visible que Tarantino ne fait que parler de cinéma. Le trait est déjà connu chez les écrivains ; passe encore que le très talentueux Paul Auster mette en scène un écrivain dans 99.99% de ses romans, mais même un prolifique et commercial gars comme Stephen King ne peut pas s’empêcher d’en placer régulièrement, comme si un artiste ne pouvait que parler de son art. C’est finalement un peu dommage de voir le même travers au cinéma. On aimerait que le réalisateur soit un peu plus con, qu’il n’y connaisse rien en cinéma et qu’il continue d’emballer ses films idiots comme il l’a fait pour Inglourious Basterds, mais sans faire une déclaration d’amour à son art à chaque plan, là ce serait vraiment le pied !

Capture: cinemovies

Yankee

Yankee di americano
1966
Tinto Brass
Avec : Phillipe Leroy, Adolfo Celi.

On va dire que j’en ai marre. Marre de voir le coup du chapeau qui se relève lentement. Marre de voir un homme seul démolir une bande entière de sales gueules. Marre de voir des tortures idiotes. Marre de voir des innocents tués de sang froid sous les rires appuyés des sales gueules qui se feront froidement abattre ensuite. Marre des villages incendiés et des collines d’Almeria que l’on connaît par cœur, marre des airs Morriconiens entêtants sifflés et trompettés jusqu’à plus soif, marre des scénarios désincarnés où rien ne compte sauf l’esthétique de la scène. Et là, même les petites trouvailles ne suffisent plus, les zooms tordus, les poses étudiées, les angles improbables, les plongées verticales, les décors christiques et les peintures au mur, oui, c’est original, et après ? Le bandido mexicain pend une femme sur les épaules de son mari, on devrait être fasciné, non seulement par la scène, mais aussi par le fait que Sergio Leone a repris ça dans son célébrissime Il était une fois dans l’Ouest, mais non rien, rien ne se passe, Tinto Brass enchaîne les péripéties sans âme et sans génie. Phillipe Leroy est insipide en pistolero ténébreux, Adolfo Celi fait le minimum syndical en chef mexicano exubérant. On va citer Jean-François Giré : « A force d’être uniquement préoccupé par l’idée de surenchérir sur le cadrage le plus original et le plus insolite possible, la tension dramatique est négligée ». C’est tout à fait ça. En termes d’exercice de style pur et dur, il y a beaucoup plus réussi : Sentence de mort ou Matalo. En terme de pistolero solitaire qui dézingue tout le monde, il y a beaucoup plus charismatique (Django, Keoma etc). Alors concluons vite en citant à nouveau Giré : « Yankee est un western rare, il mérite d’être redécouvert avec ses couleurs originales pour en apprécier les « bizarreries » esthétiques ». En effet, le travail sur la lumière et les couleurs (le rouge) semble important sur ce film, malheureusement je l’ai vu dans une copie délavée de mauvaise qualité. On va donc laisser à Yankee le bénéfice du doute, en attendant une sortie en DVD.

Merci à Sartana pour le film

Affiche: Western Movies

[HW] – Spirou : Le groom vert-de-gris

Par Schwartz et Yann

Le scénario dormait plus ou moins dans les tiroirs de Yann depuis des lustres. Il avait été prévu pour Chaland, et c’est Schwartz qui l’a finalement dessiné. Bam, l’album sort juste après le succès retentissant du Journal d’un Ingénu , et ça tombe bien, l’histoire reprend un peu la suite de l’album d’Emile Bravo, c'est-à-dire en 1942 en Belgique occupée. Spirou est résistant, toujours groom au Moustic Hôtel, mais dans un uniforme vert, Spip lui donne un coup de main, Fantasio invente ses trucs loufoques. Yann comme d’habitude, signe un scénario grinçant, ironique, qui ne lésine pas sur la violence malsaine et la méchanceté. Il n’oublie pas d’établir une réelle histoire d’aventure, avec des coups de théâtre, des mystères et de la technologie à gogo. Cet aspect là est réjouissant. Mais un autre aspect, conçu à la base pour être extra-réjouissant, commence à lasser sérieusement. Il s’agit des clins d’œil, ou des clins d’yeux je ne sais point comment on dit, qui pullulent littéralement dans cet album-ci, au point de donner une impression de gigantesque fourre-tout à destination des fans, un patchwork bricolé à partir de tout et n’importe quoi, puisque on y trouve pèle mêle des références à Buck Danny, à Blake et Mortimer, à La traversée de Paris, à Félix le chat, à Albert (de Chaland), à IBM, à Tif et Tondu et même à Superman et Daredevil et aux propres personnages de Yann. Hergé bien sûr, est multi-nommé, puisque les références qui lui sont associées s’étalent sur deux niveaux : le niveau réel, où Hergé existe réellement dans l’intrigue (on discute de son cas (collabo ou pas ?), on attend la parution du Trésor de Rackam le rouge dans Le Soir) et le niveau fictionnel, où des personnages d’Hergé sont aperçus à tous les coins de rue : Quick et Fluke, Jo et Zette, le professeur Tournesol, Müller. Il en va de même pour les références à l’univers de Spirou : Jean Doisy (l’inventeur de Fantasio) est de la partie, on trouve une rue Davine (l’épouse de Rob Vel), Franquin, Greg et Fournier sont cités, et moult anciens personnages sont réutilisés, à commencer par Poil Dur et le prof Samovar et son robot, le tout arrosé de belgicismes à n’en plus finir. On y voit aussi le petit Maurice, présent dans Quatre aventures de Spirou et dans Le journal d’un ingénu, et quand on sait que ce personnage était déjà, sous la plume de Franquin il y a soixante ans, une référence à Morris, qui doit bien être référencé quelque part dans l’album, l’accumulation commence à donner le tournis. On s’attend, certes, à une pelletée de références dans un One Shot tel que ce Groom vert-de-gris, mais là c’est l’apothéose, surtout que le tome 50 de la série officielle (Aux sources du Z, dans lequel Yann est intervenu) semble également incapable de proposer autre chose que cet auto-référencement qui n’a en fait jamais cessé depuis Fournier. Dans cet album, Spirou se promène au gré de ses propres aventures avec une tentative casse gueule de créer une sorte de continuité à la Marvel, on y retrouve à nouveau une foultitude de personnages anciens, avec cette désagréable impression de tourner en rond. Emile Bravo est censé donner une suite à son Journal d’un Ingénu, la partie va être rude, non seulement parce que Le Groom vert-de-gris peut déjà en être considéré comme une suite, mais surtout parce qu’il semblerait qu’on arrive à saturation de ces laborieux et incessants hommages à l’âge d’or de la série. Quitte à créer une continuité à la Marvel, il serait temps que quelqu’un dépoussière tout ça, tue Fantasio, ou Spip ou Zorglub même si c’est pour nous faire une résurrection dans cinq ans :-)

Image: lecomptoirdelabd.blog.lemonde.fr