Durango

En 1980, le dessinateur Yves Swolfs commence une série Western en BD presque exclusivement influencée par le Western Italien : Durango.

Dès le premier tome la griffe « italienne » est très marquée puisque Les Chiens meurent en hiver est quasiment un décalque en BD du Grand Silence de Sergio Corbucci. Durango est un héros peu bavard, énigmatique, mal rasé, très proche de l’homme sans nom de Sergio Leone. Tout au long des albums qui suivront, l’influence du western européen ne cessera de se préciser : les titres de certains albums sont des références directes à des western spaghetti existants (Colorado, Une Raison pour Mourir), bon nombre de personnages sont des portraits assez réussis d’acteurs bien connus du genre (Klaus Kinski dans Les chiens meurent en hiver, le Tomas Milian du Dernier face à face dans Amos et les deux albums suivants), l’attention portée aux armes est typique de cet univers (on retrouve le Mauser du Grand Silence et la mitrailleuse de Django) et enfin un certain nombre de sales gueules typées parcourent l’ensemble des albums. Les scénarios très simples, secs, violents et sans concession font de Durango une série western agréable à suivre, d’autant que les dessins assez proches de l’univers de Giraud sont efficaces et s’améliorent d’album en album. Un grand souci de détails est porté aux décors, vêtements, etc…Là où la série pêche un peu à mon goût c’est dans sa volonté de vouloir trop coller au cadrage, au découpage et au langage cinématographique. Une succession de gros plans en BD avant un duel est loin de faire monter la tension, car le lecteur a tendance à lire les cases plus vite afin d’arriver rapidement à la conclusion. De même le fait d’étirer la mort violente d’un personnage sur plusieurs cases ne parvient pas à créer l’illusion du ralenti, et on sent que Swolfs est frustré de ne pas avoir la possibilité d’accompagner ses planches d’une belle musique de Morricone. Le traitement de la violence est également trop complaisant à mon goût : trop de noirceur, trop de violence gratuite, trop de méchanceté humaine. C’est assez curieux de ressentir ça pour cette série alors que cela me gêne rarement à la vision de westerns spaghetti souvent assez malsains. C’est aussi le reproche généralement fait au genre depuis qu’il existe par tous les puristes du western américain, alors je ne sais pas, peut-être que Yves Swolfs va trop loin pour moi. La représentation de la violence dans Durango n’est pas « divertissante », elle est crue et presque dérangeante, et au fond c’est peut-être mieux comme ça.

Swolfs se démarque quand même de ses modèles, puisque l’on suit son héros d’album en album et qu’on le voit évoluer lentement. C’est une sorte de première ici dans le western spaghetti, le héros se construit une histoire devant nos yeux. De même, l’auteur reste fidèle à certaines traditions de la BD qui éloigne la série du monde du western italien : Durango est un héros foncièrement bon et positif et les bulles nous font part de ses pensées et tourments. A noter également des personnages féminins assez travaillés dans les cycles entamés avec Une Raison pour Mourir et L’Héritière.
La série Durango compte 14albums publiés aux éditions Alpen. Le tome 14, est dessiné par Girod (et non pas Giraud) .

BlackJack

Evidis je te hais, ou comment gâcher un western italien sympa.

Gianfranco Baldanello
1968
Avec Robert Wood, Lucienne Bridou, Rick Battaglia

Black Joe met au point le hold up minutieux d’une banque qui réussit admirablement (c'est-à-dire qu’il y a des morts quand même mais le quota habituel n’est pas atteint…). Malheureusement, le partage avec ses complices tourne assez mal, sa sœur se fait violer et scalper. Black Joe va poursuivre inlassablement tout le petit monde présent ce jour là.

Alors là pour le coup je suis un petit peu en colère quand même ! Blackjack paraît tout à fait recommandable dans le petit monde inégal du western européen, mais Evidis gâche tout. Contrairement à ce qu’indique le boîtier, le format cinéma n’est absolument pas respecté. Il s’agit d’un recadrage 4/3 digne de nos bonnes vieilles VHS, et vraiment ce genre de trucs vous fout en l’air un film. Je me souviens de ma VHS de Mon Nom est Personne et j’ai envie de pleurer tellement elle était mieux. Certains gros plans deviennent vraiment trop gros et les plans larges ne méritent plus cette appellation. Les couleurs, déjà complètement passées dans la plupart des éditions Evidis frôlent ici le noir et blanc et c’est d’une tristesse à se pendre de voir les efforts d’un réalisateur réduits à néant par manque de respect pour l’œuvre d’origine. Et bien sûr on a droit aux habituelles tâches, rayures etc, sans parler de l’absence de menu et de bonus. Grosse déception ici, parfois le traitement « Evidis » rajouterait presque un charme supplémentaire pour les « sous-westerns » comme Le Justicier du Sud, mais ici quel dommage, on passe à coté d’un éventuel bon film! Scénario subtil (bien que ça reste une histoire de vengeance), sauvagerie à l’italienne, trouvailles scénaristiques (la façon dont le héros se venge différemment à chaque fois, sa jambe boiteuse, sa folie grandissante), attention portée aux décors (le bric à brac de la ville abandonnée, le désert), sonorités si particulières des armes, traitement de l’ambiguïté de la vengeance, thématique de la robe blanche font de Blackjack un régal pour les amateurs de westerns italiens, malgré les défauts récurrents (doublage au chausse pied, crédibilité quasi-négative de certaines scènes, Robert Wood glamour comme un poireau, le final presque ridicule tant il est surjoué). A noter que le film semble disposer d’importants moyens, et que la trahison Evidis est d’autant plus frustrante de ce point de vue.
Alors bien que Blackjack soit sans doute le seul western où vous verrez le héros étrangler un indien avec le scalp de sa propre sœur, je ne vous recommande pas ce DVD Evidis, même au prix dérisoire où il est vendu. C’est le pire DVD que j’ai jamais acheté après l’exécrable édition de Death Rides a Horse de Passion Productions. Bon vous êtes grands, vous faites ce que vous voulez, mais pour moi, le foutage de gueule a des limites. Quand ces films étaient rares et introuvables, les passionnés devaient se contenter de copies détériorées sur des VHS payées un prix d’or. Aujourd’hui le DVD a changé la donne, les rééditions de qualité sont légions, même pour les « petits » films, nous devons donc exiger une qualité minimum!

EVIDIS DEMISSION, EVIDIS DEMISSION!

Pistolets pour un Massacre (live)

 Attention, spoilers de folie !
Una pistola per Cento Bare
1968
Umberto Lenzi
Avec Peter Lee Lawrence, John Ireland

Résumé : apparemment c’est l’histoire d’un mec qui se venge…

Ce soir, j’innove formellement en écrivant cette critique en direct live en regardant le film parce que je ne voudrais pas me coucher trop tard. C’est pour dire le sérieux de ce blog qui, pour rappel ne contient pas un seul film vraiment intéressant, à l’exception peut-être de Adios California et La Cible Humaine. Je ne désespère pas d’écrire un jour une critique avant d’avoir vu le film, comme une réponse post-moderne déstructurée aux détracteurs du Western Italien, mais rassurez vous, vous serez prévenus. Revenons au film.
Dès la jaquette DVD, Pistolets pour un Massacre ne respire pas le chef d’œuvre. La mention « Garanti 100% pur Western » semble indiquer exactement le contraire de ce qu’elle énonce, et la tête de jeune bambin du héros (Peter Lee Lawrence) ne me dit rien qui vaille, et d’ailleurs elle ne me dit rien du tout, bien qu’il soit censé avoir joué dans Pour Quelques Dollars de Plus. J’ai bien vu Et Pour Quelques Dollars de Plus une cinquantaine de fois et je ne vois pas quel rôle ce blondinet peut y tenir. Vite, mon triple DVD ultimate editor en peau de cactus du chef d’œuvre de Leone pour vérifier, aaargh il est hors d’atteinte, tant pis ça me reviendra sûrement, mais un acteur dont le seul titre de gloire est d’avoir joué un rôle niveau figurant dans Et pour Quelques Dollars de Plus, ça n’augure rien de bon.
Le réalisateur c’est Umberto Lenzi, le réalisateur de Cannibal Ferox que je n’ai pas vu, de Démon 3 que je n’ai pas vu et de La Maison du Cauchemar que je n’ai pas vu non plus. Mais Umberto Lenzi a une certaine réputation et donc il subsiste un espoir très minime que Pistolet pour un Massacre soit, sinon le chef d’œuvre oublié du western européen, au moins peut être un « bon » film un peu barge.
Bon.
Le début est original, le blondinet est un soldat qui refuse de porter les armes par conviction religieuse, et il se fait condamner au bagne. Les forçats ramassent du sel, je sens venir une évasion à base de pelleté de sel en pleine face du sergent sadique. Ah ben non, perdu, le type est gracié, genre comme dans la vraie vie, pas d’évasion, nada, pfff. Du coup il retourne chez lui, mais NAN, faut jamais retourner chez soi, c’est chercher les ennuis que de retourner chez soi, ils devraient le savoir au bout d’un moment les héros. Alors comme par hasard, il trouve ses parents trucidés (admirez son timing, il arrive pile trop tard) et il est tout étonné. A peine le temps d’enterrer tout ça, il décide de se venger et d’apprendre à tirer, ce qui nous amène à une ellipse savamment dosée dans la mesure où on ne le voit pas du tout apprendre à tirer. Le but est avant tout de pomper sans vergogne une scène bien connue d’un certain film où Blondin coupe la corde à Tuco. Mais le blondinet n’est pas Blondin, et bien que le discours du juge sente l’authenticité dans sa palanquée de termes techniques, l’action manque un peu de fougue.
Pourtant le propos se noircit légèrement, car notre Blondinet n’a sauvé la vie au pendu que pour le descendre de sang froid après lui avoir fait creuser sa tombe. Le coté pathétique, sombre et noir de la vengeance est bien montré ici, comme dans la scène suivante où une femme voit son mari mourir devant ses yeux et ceux de ses enfants. Le malheur des uns fait le malheur des autres ! Diantre, mon intérêt se réveille, et le film m’en paraît d’autant plus prometteur. Un vieux petit croque mort gouailleur, ça vous rappelle quelque chose ? Un révérend qui sait se servir d’un pistolet et qui mâchouille sa pipe, ça vous rappelle quelque chose ? Oui oui, déjà trois éléments plagiés sur Sergio Leone, mais ça y est je suis dans le mood, et ces petits ‘hommages’ répétés ne vont pas me gâcher mon plaisir, au contraire, d’autant que les morts sont pour l’instant assez rares et qu’il y a quelques éléments de scénario qui viennent perturber le cours un peu trop lisse des évènements. Une bande de fous timbrés enfermés dans la prison et qui se mettent à hurler dès qu’on tire un coup de feu, avec gros plans sur leurs tronches hilares, c’est déjà moins lisse. Néanmoins, l’atmosphère de huis clos avec la ville encerclée par les bandits, et les habitants types (le maire, le maréchal ferrant, la chanteuse etc) qui jouent leur rôle d’habitant type est loin d’être vraiment Rio Bravesque, mais comme on dit, c’est l’intention qui compte. Et soudain les fous crasseux aux yeux exorbités sont lâchés dans la ville et c’est l’hallali à l’italienne : étranglement, tête fendue mais hors champ (scène coupée dans la version française ?), incendie, tentative de viol, la routine quoi. Les fous se font nettoyer au karcher façon spaghetti par nos héros et finalement cet épisode reste un pétard mouillé, dommage.
Le passage à tabac qui suit ne dure même pas les deux minutes réglementaires , flûte, l’intérêt général est en baisse, vite quelque chose à se mettre sous la dent, vite, une petite ambiance nocturne, oui ça bastonne, yes encore un petit aperçu du coté torturé et sombre de notre cher blondinet, et soudain, pour la troisième fois au moins, il fait semblant d’abandonner la ville, si señor, il passe du coté des méchants, va-t-il trahir ses amis, le suspense est à son comble, et pour la troisième fois au moins, il REVIENT au village en prenant l’air énigmatique du héros qui sait ce qu’il fait, et bon sang mais c’est qu’il se met à braquer des gens et à prendre des otages notre blondinet, on croit rêver, ah la la quel supplice, combien de temps cela va–t il durer, ouf, soulagement général dans le public aux abois, notre héros se lève doucement pendant que les bandits dorment, il est donc encore de notre coté, aaah purée, double twist d’un coup, en fait le révérend savait pour la fausse trahison du blondinet, mais plus fort encore, LE REVEREND EST DE MECHE AVEC LES BANDITS, et incroyable, troisième coup de théâtre en moins de 57 secondes, je viens de réaliser que le blondinet est le petit jeunot qui se fait abattre par Indio dans les flashback de Et pour Quelques Dollars de plus, aaah voilà voilà ; après être descendu par les toits alors qu’il aurait pu tout simplement prendre la porte, le blondinet nous mène droit vers la fin du film, on ne comprend plus vraiment qui trahit qui mais tant pis, blam, blam, blam, BOUM, pan, pan pan, piouuuww, ahhrgh, en fait OK, le révérend a trahi tout le monde, ça c’est du twist, et C’EST PAS FINI, en fait on apprend que c’est le révérend qui est à l’origine du meurtre des parents du blondinet, mais quand est ce que ça va s’arrêter, au passage le blondinet tue encore un type à bout portant de sang froid, il est carrémént ambigu, et non ça ne s’arrête pas, il restait un fou oublié en liberté, mais, nouveau pétard mouillé, il se fait descendre pronto et zou, c’est le duel final, sans surprise mais plutôt réussi, VICTOIRE, et puis ça y est notre blondinet a grandi, il se met à boire du whisky !!

Ouf…

Cinq minutes plus tard
Bon c’est sympa comme exercice. Bilan à tête un peu plus froide : héros dont l’ambiguité tranche avec le physique fade, quelques trucs très réussis, un manque d’audace en ce qui concerne les fous (mais est ce la version complète ?), mais pour les amateurs, je pense que ce n’est pas si mauvais. Pour les admirateurs d’Umberto Lenzi, j’imagine que c’est assez décevant.Film également connu sous le titre La malle de San Antonio.

Au fait c’est du Evidis ?
Non pas cette fois, c’est les Editions du film retrouvé, responsables également de El Puro, la Rançon est pour toi. Alors ça ne vaut pas beaucoup mieux en terme de qualité d’image, mais au moins a-t-on un menu et une préz. de la collec. Il s’agit d’un double DVD, le deuxième étant 4 dollars de Vengeance. J’y reviendrai peut-être…

Westerns et autres films en ligne

Voici un lien intéressant pour découvrir ou, tout du moins, se forger une idée de quelques classiques, ou pour visionner des vieux films complètement oubliés et libres de droit.

http://www.movieflix.com/

Ce site propose une bonne sélection de films à regarder en streaming, parfois gratuitement. Bien sûr la plupart des films récents et connus sont payants, mais si vous voulez découvrir des films avec James Dean, WC Fields, Douglas Fairbank, Elizabeth Taylor ou même Ronald Reagan, c’est pas mal. La qualité est médiocre et il n’y a pas de sous-titres, ce n’est donc pas une super séance cinéma à la clé, mais plutôt une curiosité pour amateurs.
En visionnement libre:

• Au rayon Films muets, vous pourrez visionner des courts de Chaplin et de Fatty Arbuckle, et par exemple Intolérance de Griffith et The Lodger d’Alfred Hitchcock
• Au rayon Horreur, vous trouverez un certain nombre de Bela Lugosi
• Aux rayons Porno, Arts Martiaux et Sci Fi, tout est payant (hin hin hin)
• Aux rayons comédie et drame, plein de trucs que je ne connais pas
• Au rayon Western, très bien fourni, des vieux John Wayne, des Randolph Scott, Gene Autry et autres Roy Rogers. Je viens de voir Cavaliers of the West de J.P. McCarthy (1931) avec Harry Carey (photo), star du western muet qui travailla beaucoup avec John Ford et auquel John Wayne rend hommage à la fin de La Prisonnière du Désert. Attention, ne vous fiez pas à la qualité de la photo, ceci n'est pas une capture d'écran, la qualité de la vidéo proposée n'est pas aussi bonne.
  Gratuit aussi, The Fast and The Furious, mais de 1954. ;-)

Pour accéder aux films payant, c’est genre 7 dollars par mois, j’espère pour eux que la qualité est meilleure quand on s’abonne, sinon ça sent l’arnaque. Beaucoup de références intéressantes également en payant. Je vous laisse découvrir.

Django & Sartana

Demofilo Fidani est-il bien le Ed Wood du western italien ? A voir…

Quel maledetto giorno d’inverno…Django e Sartana all’ultimo sangue
Demofilo Fidani
1970
Avec Fabio Testi, Hunt Powers

Sartana arrive en ville. C’est un peu un spoiler que je vous le dise d’emblée que c’est Sartana, parce que normalement, on ne l’apprend qu’à la fin du film. En même temps c’est un peu marqué dans le titre. Comme dans 90% des westerns italiens, la région est sous la coupe d’un ignoble bandit cruel. Sauf que là, ils sont deux méchants bandits, donc Sartana va avoir du fil à retordre. Heureusement arrive Django, qui se la joue super mystérieux.

Avant de parler du film en lui-même, je vais commencer par une petite digression. Si vous vous intéressez au western italien, je vous conseille le livre de Jean-François Giré Il était une fois… le western européen, qui donne une bonne synthèse du genre, est agréable à lire et surtout recense les quelques 500 westerns spaghetti tournés dans les années 60 et 70. Ce n’est pas la seule bonne référence sur le sujet, mais c’est la plus récente, donc celle que vous trouverez la plus facilement. Dans cet ouvrage, l’auteur porte une attention particulière au réalisateur de ce film, Demofilo Fidani, qui semble jouir du statut de réalisateur culte, à la manière d’un Ed Wood, tant ses films sont ratés, incohérents et grotesques. Jean-François Giré cite longuement un autre spécialiste du genre, Jean-Marie Sabatier, qui compare Demofilo Fidani à un « dadaïste qui s’ignore », ou qui résume « c’est un cinéma à la limite du Néant , dont le remplissage est la seule raison d’être. Il faut filmer n’importe quoi pourvu que cela fasse durer l’action quatre-vingts minutes. Mais le remplissage est tellement malhabile qu’on aboutit en plein irrationnel. »Avec une telle réputation, je salivais à l’avance une bonne petite soirée nanar, avec des éclats de rire à la pelle. J’avais déjà eu un aperçu de ce qui m’attendait avec Etranger fais ton signe de croix, donc je savais que je n’allais pas être déçu.

Et pourtant d’une certaine manière, je le fus ! Car le film n’est pas si mauvais que ça, et c’est ce qui le rend presque charmant. Alors oui bien sûr, il y a des trucs complètement foireux, à commencer par les premiers plans tournés dans une carrière à ciel ouvert dont on n’a même pas pris la peine de camoufler les ornières de camion. Et oui les raccords sont ratés, oui le scénario est creux, oui on s’emmerde, oui Fabio Testi a les cheveux trop longs, oui les dialogues ont été écrits un soir de cuite et oui le doublage n’arrange rien. Mais plus j’avance dans mon exploration du petit monde clos du western spaghetti, moins ce genre de détails n’entrave mon appréciation de ce qui me paraît essentiel dans un film de genre : la sincérité.
Car on sent que Demofilo Fidani fait tout ce qu’il peut pour créer une ambiance, trouver des idées et réussir quelque chose. Demofilo Fidani est mauvais, mais il essaye de faire bien, et c’est déjà beaucoup. Au fond, après avoir vu La Loi de la Violence, Le Justicier du Sud ou autres 4 Balles pour Joe, on finit par trouver que dans Django & Sartana les duels dans le vent froid avec les écharpes et les foulards ont de la gueule, que la surenchère de toiles d’araignées dans le bureau abandonné du shérif, ça fait pas si ridicule, que les dégaines des bandits mexicains avec leurs trognes et leurs armes clinquantes sont réussies, et même que, Dieu nous pardonne, le gros plan sur le pied de Sanchez lors du duel final, carrément pompé sur le pied de Ramon dans la même situation dans Pour une Poignée de Dollars, est pompé avec un minimum de talent, et que c’est déjà pas si mal (même si c’est un peu flou).
Bref, toute cette longue phrase illisible pour dire qu’il y a pire. Et que dans le monde du western spaghetti, les échelles de valeur sont tirées vers le bas la plupart du temps. Un film mauvais dans le sens strict du terme deviendra « regardable » et un film intéressant deviendra « bon ». Mais ça n’est pas nouveau et ça s’applique à tous les niveaux de cinéma « bis ». Alors Django et Sartana dans tout ça ? Nul, oui bien sûr mon bon monsieur, mais bien quand même.

Et alors Evidis, ils nous ont pondu quoi comme merde cette fois ?
Piste anglaise, italienne et française, version intégrale avec scènes manquantes dans la version française sous-titrées en français, restauration image par image au pinceau en poil de castor, format cinéma respecté compatible 16/9, interview d’époque de Hunt Powers et Fabio Testi, étude de caractères, filmographie et CV détaillé de Demofilo Fidani, documentaire « le style Fidani », commentaire audio et introduction par Jean-Pierre Dionnet, point de vue de Jan Kounen sur l’aspect «chamanique» du montage. Et tout ça pour 4.99€ !!
Nan, c’est pas vrai, vf uniquement, pas de menu, pas de bonus, qualité d’image très médiocre, transfert de copie française uniquement, quand les gars de Seven7 se décarcassent pour retrouver les versions intégrales quand elles existent! Et en plus, ils nous insultent encore sur la jaquette : « Découvrez un duel musclé et explosif !!! » Non!! Pas ça! Épargnez nous les phrases débiles, please, je suis obligé de planquer mes DVD Evidis si je veux garder mes amis et mon intégrité sociale.

Critique interactive: Le Justicier du Sud

Au pays du spagh, rien de nouveau. Alors faites vous même la critique de ce super western spaghetti.

1969

Guido Celano

Avec Edmond Purdom, Peter Holden

Le gentil shérif se fait tirer dans le dos par des méchants bandits. Alors y’a un nouveau shérif qui est très fort au pistolet qui arrive. Y’a aussi le père du shérif mort qui est vieux mais qui tire bien et la fille du shérif mort qui est bien jolie. Les méchants tirent bien, eux aussi, mais pas assez bien, alors pan pan pan…

Comme vous pouvez le voir avec le résumé ci-dessus, je suis fatigué. Alors je vous propose de faire la critique de ce film vous-même. Trouvez le DVD quelque part, regardez le, puis répondez au questionnaire ci-dessous :

Si vous deviez résumer ce film en un seul mot, ce serait :
A : Navrant
B : Navrantesque
C : Ed Woodesque
D : Uwe Bowlesque

Au fond, c’est quoi le plus désespérant dans ce western ?
A : Le charisme de limace farcie des acteurs
B : Les ellipses totalement mal gérées, les protagonistes qui répondent du tac au tac, le docteur qui dit « entrez » alors que personne n’a frappé
C : Les costumes achetés au rayon jouet de Monoprix
D : Le film dans sa totalité

Qu’est ce qui vous a fait le plus marrer dans Le justicier du Sud ?
A : Le mariage éclair aussi soudain que drôle
B : La bagarre avec le pistolero, filmée en plans serrés où qu’on voit rien.
C : Le bandit qui menace de faire sauter la montagne, on ne sait pas pourquoi, allez on va faire sauter la montagne
D : La fin quand j’ai tout passé en accéléré parce que j’en avais marre. Y’a Benny Hill dispo en kiosque tiens…

Si vous deviez dire du bien de ce film, faire remarquer un ou deux trucs réussis, que choisiriez vous ?
A : Le fait qu’un vieil homme joue un tireur rapide, c’est assez rare pour le souligner
B : Les duels mal foutus, mais codifiés et rigoureux
C : Les costumes achetés au rayon jouet de Monoprix
D : Quand on est inculte, on se tait au lieu de dire des conneries. Le Justicier du Sud est un grand film incompris, et ce n’est certes pas un ignorant comme vous qui risque d’en appréhender les subtilités. Monsieur, avant de jeter des œuvres aussi fortes que Le Justicier du Sud à la face de la plèbe abreuvée de film d’horreurs mal digérés, commencez par voir Sartana si ton bras gauche te gêne, coupe le ou Les Rangers défient les Karatéka. Cessez votre humour douteux et apprenez d’abord à regarder un film.

Pourquoi avoir vu ce film ?
A : Pour retrouver ne serait ce qu’un millième du bonheur du Bon la Brute et le Truand. Zut raté !
B : Par habitude, par masochisme, pour la gloire
C : Parce que ça donne une idée du chemin à parcourir pour faire un bon film
D : Nan j’ai pas vraiment regardé, je l’ai filé à mon petit frère, c’est lui qui m’a dit que c’était naze…

Regardez attentivement l’image en illustration, que voyez vous ?
A : Gregory Peck et Jennifer Jones dans Duel au Soleil
B : Buffy perdue dans un épisode de Code Quantum
C : « Mademoiselle, vous avez perdu votre mouchoir ! »
D : James Wood et Meryl Streep dans Holocaust (Rapport à l’étoile jaune, bon OK c’est nul…)

Comment qualifieriez vous l’édition Evidis de ce film ?
A : Pas pire que d’habitude, par contre celui-là ils auraient pu oublier de le ressortir
B : A force de ne pas faire les difficiles pour les films pourris, on se retrouve avec des éditions de merde pour les films biens. Evidis tire le niveau vers le bas. A bas Evidis !
C : Ouais mais honnêtement, tu t’attendais à voir ce film en Zone 2 un jour toi ?
D : Ah bon c’est un DVD, j’étais persuadé d’avoir maté une vieille VHS ?

Résultats :

Vous avez une majorité de A : Vous êtes un(e) sentimental(e), ce film n’est pas fait pour vous. Revoyez Vous avez un message ! ou Pretty Woman.
Vous avez une majorité de B : Vous êtes un mec qui en a, ce film n’est pas fait pour vous. Passez par la case Fight Club et revoyez Matrix Reloaded
Vous avez une majorité de C : Vous êtes un maître es-nanars, ce film est trop bien pour vous. Revoyez House of the Dead et filez moi le Div-X après, pasque moi je l’ai toujours pas vu.
Vous avez une majorité de D : Vous êtes un névropathe, ce film n’est pas fait pour vous. Revoyez Bambi, 5 minutes par jour pas plus.
Vous avez une majorité de E : Vous êtes Harry Potter, mais vous avez oublié vos lunettes, il n’y a pas de E.

Voilà, à vous de jouer.

Le vol du rapide

Regarder le tout premier western jamais réalisé, c’est doublement émouvant.

D’abord vous assistez à la naissance d’un genre, avec ses chapeaux, ses trains, ses chevaux, ses revolvers et même la dynamite. Tous les codes sont déjà en place : le combat à main nu (observez comment le conducteur se transforme en mannequin avant d’être balancé hors du train, on assiste aussi aux début des effets spéciaux), la mort surjouée (celle du voyageur qui tente de s’échapper), le bal typique western et la poursuite à mort. Et déjà, à la fin, la morale est sauve. A voir: cet effet terrifiant (à l'époque) et complètement déconnecté de l'histoire où le chef des bandits nous tire dessus. Les petits malins noteront qu’il essaye de tirer un septième coup alors que son barillet est vide !Ensuite, il n’est pas sans intérêt de constater que ce film a été tourné alors que la période qu’il décrit touche à sa fin. Le film date de 1903, et un certain nombre de westerns tournés depuis se situent justement au début de ce siècle. Comme un touchant passage de génération, de la réalité au cinéma.

The Great Train Robbery (Le vol du rapide)

1903

Edwin S. Porter.

Avec George M. Anderson, Justus D. Barnes, Walter Cameron.

Le film est disponible gratuitement sur le lien ci-dessous:

http://memory.loc.gov/ammem/edhtml/gtr.html

C’est en téléchargement libre, la Police ne va pas débarquer chez vous, allez y sans mauvaise conscience !

Condenados a Vivir

Le western européen le plus violent jamais tourné. C’est malsain, c’est gore, et ça vient d’Espagne.

1971

Joaquin Romero Marchent

Avec: Robert Hundar, Emma Cohen, Manuel Tejada, Alberto Dalbes.

Un convoi de prisonniers psychopathes condamnés à perpétuité est attaqué, et ça tourne plutôt mal. Il reste le sergent Brown, sa fille (déjà on se demande ce qu’elle fout là), et sept ou huit timbrés enchaînés ensembles. La petite troupe doit à présent survivre à pied, dans les montagnes, avec le froid et la faim pour les aider. Et on peut difficilement compter sur des névropathes pour faciliter la vie de Brown et sa fille. Une seule idée fait son chemin dans l’esprit torturé des prisonniers : éviscérer le sergent, violer la fille et se faire la belle. En outre, les chaînes qui les maintiennent attachés sont en or, un petit truc de l'armée pour convoyer de l’or incognito et sans risque. Quand l’un des sociopathes découvre le pot aux roses, c’est la fin des haricots.

La légende veut que ce western soit le plus violent jamais tourné en Europe. Et le fait que le film soit resté inédit en France n'est pas fait pour atténuer le coté "culte" du truc. Je vous vois venir, vous voulez savoir ce qu'il en est réellement. Le film est il à la hauteur de cette réputation légendaire ? Et bien OUI. Parmi tous les westerns spaghetti que j’ai vu, il s’agit bien du plus violent, entaché de mutilations, d’éventrations, de corps carbonisés, de viol et de tripes sanguilonentes, ce film ne fait pas mentir sa réputation. Mais attention, bande de pervers nourris à coup de Hostel ou autre joyeusetés, j’ai bien dis le plus violent des westerns spaghetti, rappelez vous que la mode des westerns spaghetti s’est éteinte vers 1977. Aussi faut il remettre cet aspect légèrement gore dans le contexte de l’époque : les effets ont vieillis et je suis sûr que le film ferait marrer la plupart d’entre vous, même si en ce qui me concerne certains plans m’ont quelque peu fait frémir… Vous voilà prévenus.
Maintenant qu’on a évacué l’aspect le plus spectaculaire du film, que reste t-il ? Il reste une atmosphère poisseuse, morbide, malsaine. Ce qui est intéressant, c’est la manière dont la tension monte lentement. Les joyeusetés macabres commencent d’abord avec les cadavres, car quand l’un des prisonniers enchaîné meurt, il faut bien tailler dans le gras pour éviter d’avoir à le trimballer. La musique discordante et oppressante donne le ton. Les flashbacks secs et nerveux avec arrêts sur image montrent les crimes des bagnards et quelques instants fugaces du passé heureux de Brown. La fille se ballade pendant tout le film avec une pancarte "rape me" accrochée au cou, mais pas en vrai, c'est juste une image. La violence est brusque, rapide et sans complaisance. Le fantastique surgit même, quand l’un des héros voit surgir un cadavre fantôme, qui ferait presque penser à un film de zombie (hé, j’ai dis presque). Et la neige, cette neige qui ralentit tout le monde, elle rappelle Le Grand Silence, mais sans ajouter cette touche mélancolique et silencieuse justement, qui faisait la beauté cachée du chef d’œuvre de Corbucci.

Alors, le film est il le joyau méconnu de ce genre si décrié ? Est il le petit secret flamboyant réservé à quelques aficionados ? Ben non, faut arrêter les fantasmes, il faut juste prendre le film tel qu’il est avec ses défauts et ses réussites. Ce qui dérange le plus, finalement, c'est le message nihiliste un peu vain : l’homme est horrible, il ne faut faire confiance à personne, la cruauté et la méchanceté règnent sur ce monde. Peut-être Joaquin Romero Marchent a-t-il personnellement souffert, ou assisté à des scènes particulièrement horribles au cours de sa vie, à l’instar du réalisateur de Tire Encore si tu Peux, ce qui expliquerait une vision aussi noire de l’humanité. Peut-être est il tout simplement un opportuniste qui a réussi à faire plus gore, plus malsain que tout le monde à une période clé de l’histoire du genre.

Quoi qu’il en soit, si vous aimez les films un peu extrêmes et que les oeuvres un peu datées ne vous font pas peur, Condenados a vivir est fait pour vous, même si vous n'êtes pas trop portés sur le western. En effet, le terme « western » ici n’a plus grand sens, vous pouvez transposer le scénario facilement dans la région et à l'époque qui vous convient le mieux. C'est d'ailleurs quasiment ce que j'ai fais, car on apprend dès le générique que le film a été tourné dans les Pyrénées dans la région de Huesca. Comme je connais un peu la région, l’ambiance « western » était dors et déjà perdue pour moi, j'essayais de reconnaître des lieux. Après tout l’histoire pourrait aussi bien se passer dans les Pyrénées au XIXe siècle, avec une bande de brigand, un gendarme et sa fille… Pourquoi pas ?

Pour finir, en 1971, le franquisme était toujours présent en Espagne, et j’ai cherché en vain une quelconque référence à la dictature ou à la situation de l’époque. Si j’en crois Jean François Giré, Marchent a reçu le prix du meilleur réalisateur en Espagne pour ce film. Curieux de voir que dans une dictature, un tel film pouvait voir le jour et recevoir un prix, tout en restant inédit dans la démocratie pompidolienne (censure ?). Mais je ne suis pas historien et ma vision du franquisme est sans doute trop simpliste et naïve pour appréhender la complexité de ce genre de faux paradoxe. D'après un membre du Spaghetti Web Board, la dictature franquiste n'en avait rien à secouer de la violence dans tous les westerns spaghetti tournés sur son sol, tant que l'église n'était pas attaquée. De même, le fait que de si nombreux westerns montrent des révolutionnaires massacrer l'armée mexicaine régulière au service de petits dictateurs locaux ne faisait pas tilt dans la tête des censeurs franquistes, tant que ce n'était pas le franquisme qui était directement visé. Et puis il ne faut pas oublier le coté économique de cette industrie jadis florissante qui incitait les autorités à l'indulgence. Mais tout ceci n'est que supposition et mériterait d'être étudié plus en profondeur par des spécialistes de l'histoire espagnole.

Où le voir: Qui sait ce qu'un simple d'esprit peut faire avec la technologie informatique de nos jours. Sinon il existe un DVD zone 0 (Cut Throats Nine). Dans les deux cas, il faut comprendre un peu l'anglais.

Priez les Morts, Tuez les vivants

 Klaus Kinski égal à lui même, une atmosphère lancinante, une (assez) bonne surprise.

Prega il morto e ammazza il vivo
Réalisateur: Giuseppe Vari
Avec Klaus Kinski, Victoria Zinny, Paul Sullivan, Dino Strano

1971

La bande de Hogan (Klaus Kinski) vient de cambrioler une banque . Ils ont besoin d’un guide pour aller au Mexique. Le guide en question réclame la moitié de l’or. Mais en fait, il a un agenda caché le coquin…

Je m’attendais vraiment au pire avec ce film et finalement c’est beaucoup moins mauvais que ce que peut laisser présager le titre. Première bonne surprise, il s’agit vraiment d’un film avec Klaus Kinski, pas un de ces westerns où il apparaît seulement cinq minutes, avec son nom en gros sur l’affiche et les deux tiers du budget uniquement sur sa réputation. Non, là il joue un vrai rôle de méchant, cruel et un peu dément bien sûr, mais pas trop. Il se trimballe pendant les 86 min de la péloche avec un nerf de bœuf accroché à son poignet, ou une sorte de demi-fouet épais, enfin bref, un truc qui fait mal et dont on s’attend à ce qu’il l’utilise toutes les cinq minutes pour bastonner quelqu’un. Mais non, et c’est une des forces du film : la sobriété. Après une demi-heure : un mort seulement. Les gens ne meurent pas gratuitement, pas de surenchère, le tempo est lent, et Kinski se tient (à peu près) à carreau.
L’intrigue est grosso modo divisée en deux : les 40 premières minutes forment un huis-clos étouffant et stressant dans un relais de poste où les bandits attendent l’arrivée d’une femme. Tout le monde se méfie, il y a là le guide, dont on ne sait pas trop s’il est un bon ou un méchant (mais on se doute bien quand même), le télégraphiste et sa fille, un voyageur et deux femmes et bien sûr Klaus Kinski et toute sa clique. Kinski fulmine et s’énerve, la tempête fait rage dehors et la tension monte. J’ai trouvé tout ça pas mal mené, certains dialogues sont inattendus, la musique à base de sons discordants ajoute à la nervosité de l’ensemble, on dirait que le jeu de Kinski, fait de calme et de sursauts de démence déteint sur la réalisation. Et tout reste crédible car il n’y a pas de délire gore, pas de torture sadique, pas de viols généralisés et tutti quanti. Néanmoins, à la fin de ces quarante premières minutes, il y a quand même quelques morts de plus, ça reste du western italien hein…
La deuxième partie, c’est le voyage pénible vers le Mexique. Le réalisateur parvient à garder cette tension déjà bien installée, tout en rendant palpable la chaleur, la fatigue et la lenteur du trajet. Les jours de marche se succèdent dans un décor parfaitement exploité. Je ne sais pas trop où le film a été tourné, mais quand on commence à avoir vu beaucoup de westerns tournés à Almeria, on finit par reconnaître certaines vallées, grottes ou montagnes qui reviennent dans quasiment tous les films. Ici ce n’est pas le cas, on se trouve dans un décor sablonneux et aride, presque irréel par moments. Le petit groupe d’hommes et de femmes avance vers le Mexique, et petit à petit leur nombre diminue. Les deux femmes ont des rôles assez intéressants dans le genre et le final est plutôt bien, avec son mini coup de théâtre et son anti-duel (Kinski qui charge comme un malade sur son adversaire).
Evidemment, c’est loin d’être le film du siècle, c’est plein de défauts à la pelle, des ellipses mal gérées, des trucs un peu foireux. Mais je préfère cent fois un western fauché qui se donne à fond avec les moyens du bord à un film comme Mannaja qui se la pète avec tous ses figurants mais qui ne surprend pas vraiment. Priez les Morts, Tuez les Vivants exploite un scénario original qui privilégie les personnages et une certaine ambiance grinçante, et c’est déjà pas mal. Moi j’aime bien, mais ne vous fiez pas forcément à mon jugement, ce n’est pas Le Grand Silence, ni Colorado, ni Le Bon la Brute et le Truand. J'ai montré ce film à un membre de ma famille pourtant amateur de westerns spaghetti. Son seul commentaire: "C'est un navet." Quand je vous dis de ne pas forcément vous fier à mon avis... Pour amateurs mordus donc…

Le DVD Evidis

Fidèle à tous les westerns Evidis, c’est de l’arnaque pour ceux qui aiment les DVDs: pas de bonus, pas de menu, image pourrie, jaquettes insultantes ("un film choc", non pas vraiment quand même...) et prix pas si bas que ça (enfin, ça dépend où vous l’achetez…). Mais moi je m’en tape, je dis vive Evidis, continuez les gars, grâce à vous j’ai découvert Little Rita, Adios California, Gringo Joue sur le Rouge etc... Ouais !

Texas Adios

Un western spaghetti qui synthétise mon intérêt trouble, passionné mais déçu en même temps, pour le genre tout entier.

Ferdinando Baldi

1966
Avec: Franco Nero, Cole Kitosch, José Suarez

93 mn

Burt Sullivan et son jeune frère Jim traquent Cisco Delgado, le meurtrier de leur père, au Mexique. Cisco Delgado est devenu un riche propriétaire qui fait régner la terreur dans la région. Ce qui est original, c’est que Burt ne veut pas descendre l’assassin bêtement, il veut le ramener au Texas pour le livrer à la justice, ce qui au final, avouons le, risque bien de produire le même résultat. Mais, tout n’est pas si simple non plus, car les scénaristes nous ont pondu une petite surprise oedipienne tordue et bien cruelle qui va retarder quelque peu le bain de sang final.

Le générique de Texas Adios est à l’image du film : du bon et du moins bon : l’action commence brutalement sans préambule, deux hommes se pourchassent dans la ville avec la ferme intention de s’abattre comme des chiens. Les coups de feux ont cet écho ultra-amplifié qui fait le bonheur des films de Sergio Leone, et l’action se fige sur de brusques arrêts sur images, pendant que la chanson du film se déploie et provoque ce petit effet poignant qu’on aime bien. Bref, on nage en pleine félicité al italiana. Puis l’effet est gâché quand on se rend compte que la course-poursuite entre les deux hommes ne rime à rien : et vas-y que je te rate sans arrêt, que je grimpe sur les toits pour le simple plaisir d’avoir à sauter dans la rue où je suis déjà passé quatre fois. On dirait plus deux gamins qui se pourchassent dans une cour de récré qu’une chasse à mort haletante. Franco Nero vient mettre un peu d’ordre dans tout ça, et soudain, tous les habitants sortent de chez eux où ils s’étaient terrés jusqu’à présent. Petite surprise qui réveille à nouveau l’intérêt.Tout le film va être marqué par cette dualité entre bonnes idées et effets gâchés. La recherche du meurtrier par les deux frères confrontés à la loi du silence mexicaine est très bien menée, la menace pesant sur nos deux héros est vraiment palpable. Par contre la désinvolture avec laquelle les morts sont traités ôte toute crédibilité à l’intrigue. Franco Nero abat quatre hommes dans la taverna. Tout le monde s’en fout, cela ne porte pas à conséquence. Un mort de plus dans les rues : c’est pas grave. Trois macchabées supplémentaires à la sortie du pueblo, aucune importance. La mort n’a aucun poids dramatique autre que celui de voir un homme virevolter de façon grotesque avant de s’écrouler. Cette remarque d’ordre général peut s’appliquer à bon nombre de westerns spaghetti. Les morts sont oubliés dès qu’ils sont morts. Mais, quand il s’agit de la mort d’un proche, les sentiments sont exacerbés, la haine et la violence se déchaînent, le western spaghetti offre alors une représentation graphique poussée à l’extrême des passions humaines, de la dignité, de l’honneur et de la cruauté.

En terme de cruauté, le méchant de Texas, Adios est particulièrement réussi, puisqu’il n’est pas réduit à sa plus simple expression de sadisme révoltant, c’est aussi un être qui pense et qui ressent. Franco Nero lui, a le jeu sobre de l’homme buté, qui veut ramener sa proie au Texas quoi qu’il arrive, et son frère au physique de jeunot intéressant, tourmenté par une filiation abjecte, m’a beaucoup plu. Pourquoi alors ce sentiment de ne pas être rassasié une fois le film fini ? Peut-être parce que les scènes « à faire » se succèdent sans rythme et sans invention : le pugilat entre Burt et le méchant, le combat entre Jim et l’homme de main, qui forge le caractère du gamin, la confrontation finale qui ressemble malheureusement au générique de début, les invraisemblances qui font sourire (comment Burt rattrape-t-il les révolutionnaires ? Comment peut-on être si rapide aux armes ?). Le film est sorti en 1966, et on ne peut guère reprocher à Ferdinando Baldi d’avoir manqué d’inventivité, car le western italien commençait tout juste à trouver ses marques, mais il n’empêche que Texas, Adios réalise en ce qui me concerne une certaine synthèse du western spaghetti, entre enthousiasme pour des thèmes et des histoires formellement épurés et esthétiquement flamboyants, et déception devant un manque de rigueur dans la réalisation et la vraisemblance scénaristique.

Où le voir : DVD Seven 7 avec VF, ou DVD zone 0 Anchor Bay, en anglais où italien, avec sous-titres en anglais.

Deux mots sur Deadwood

Voici un petit avis à chaud sur la nouvelle série Western phare de Canal+, basé uniquement sur la vision de l’épisode 2 de la saison 1.

Deadwood propose un générique original (pour un western s’entend…), des scènes pittoresques de la vie quotidienne (entre naturalisme et fascination malsaine pour le manque d’hygiène d’antan), des hommes portant des tenues vestimentaires plus proches de Gangs of New York que des westerns habituels, des armes peu loquaces, pas mal de nudité sans tabou et une importante figuration. Deadwood se propose donc d’emblée de renouveler en profondeur la grammaire usuelle du western. La référence au film de Scorcese ne s’arrête pas aux détails vestimentaires : la couleur ocre générale des images, l’aspect parfois gore de certaines scènes rappelle le New York sauvage et barbare de Di Caprio et Day Lewis. Le personnage du propriétaire de saloon est par ailleurs une composition très proche du Boucher, dans sa violence intimidatrice et son coté parrain menaçant d’une mafia naissante (d’ailleurs il joue même du couteau à la fin de cet épisode). La description minutieuse d’une ville en construction semble parfaitement maîtrisée, les personnages bien en place, et l’intervention de quelques figures de l’Ouest authentiques ajoute une petite dose de crédibilité au truc. Bref pas grand chose de négatif à redire, même en cherchant la petite bête, et ce coté western réaliste est une très bonne surprise.
Bien sûr en un épisode, il est difficile de se faire une opinion précise de la série, autant qu’il est difficile de s’attacher aux personnages. Le propre d’une série étant de développer thèmes et personnages de façon lente et approfondie, on peut parier pour une intrigue de plus en plus consistante, et on peut même s’attendre, chose rare dans un western, à plusieurs personnages féminins riches et moteurs de l’action. Les bases semblent en tout cas suffisamment prometteuses pour donner au moins envie de voir la suite. La VF n’est pas catastrophique mais pas vraiment emballante non plus, ce qui est un argument en la faveur de l’achat du DVD.

La Cible Humaine

 Un pistolero légendaire, une jeunesse perdue, un destin qui se précise.

Henry King

The Gunfighter

Avec Gregory Peck

Noir et Blanc, 1950

Jimmie Ringo est le tireur le plus rapide de l’Ouest (10 morts à son actif), plus rapide même que Wyatt Earp. Mais Jimmie Ringo est aussi un homme qui mûrit, et il en a assez de voir des petits gringalets le défier à la moindre occasion. Après avoir abattu son 11e morveux en légitime défense, il s’enfuit à Cayenne (la ville, pas le pénitencier), poursuivi par les frères dudit morveux. A Cayenne, il cherche à revoir son ex-femme et son fils, mais le shérif l’en empêche, et du reste, sa femme ne veut plus le voir. Terré dans le saloon entouré de curieux et de gamins venu voir la légende, cernés par des revanchards prêts à lui tirer d’une balle dans le dos à la moindre occasion, houspillé par les dames convenables qui veulent son départ, Jimmie attend, fébrile et nerveux, que sa femme veuille bien lui parler. Pendant ce temps là, les trois hommes qui le pourchassent se rapprochent, se rapprochent…

Film sur l’immaturité de la jeunesse, sur les revers de la popularité et sur l’inconscience de forger celle-ci sur les armes, La Cible Humaine est aussi un huis clos stressant basé sur la détresse psychologique d’un homme, rattrapé par la tempête qu’il a lui-même provoquée et par sa chute imminente. Sa disgrâce est accélérée à chaque fois que Jimmie Ringo réclame "one more minute". Il voudrait changer, éviter les ennuis, mais les ennuis viennent à lui du fait de sa célébrité. La phrase clé est « il n’a pas l’air si terrible que ça ». Les gens intelligents la prononcent, puis vaquent à leurs occupations. Les jeunots vantards se font la même réflexion, mais ils vont aussitôt asticoter Jimmie Ringo pour vérifier, à leurs dépens, la rapidité de l'as de la gâchette. Le personnage principal est joué par Gregory Peck, très bon quand il sent les pépins venir à trois kilomètres et qu’il fait tout son possible pour ne tuer personne. Son ambivalence, entre bête traquée et fauve prêt à mordre donne un petit coté recherché à l’intrigue, et la conclusion assez noire en fait définitivement un western à part. Le shérif (Millard Mitchell), ancien ami de Jimmy Ringo, partagé entre son désir de se débarrasser de Ringo et sa loyauté, a un profil très intéressant, entre bonhomie et menace sourde. L’action est assez rare mais la tension très présente, ainsi que l’humour, quand Ringo rencontre incognito les dames de bonne société de la ville, et que celles-ci ne savent pas à qui elles parlent. Il est très intéressant de constater que le goût de la gloire facile a existé de tout temps à des niveaux différents.

Moins prenant que certains chefs d'oeuvre du genre sur des sujets similaires comme L'homme qui tua Liberty Valance , moins glorieux que Le Brigand Bien Aimé du même Henry King, La Cible Humaine est un bon film à l'atmosphère tendue et crispée (Gregory Peck, l'oeil rivé à l'horloge), sans fioriture ni exagération. Le cheminement de l'action, concentrée autour du saloon, est simple, mais dense et fluide. Ce western a marqué ma jeunesse, car je fus déçu à l’époque de voir le héros se faire abattre comme un chien, j'étais finalement comme tous les gamins de la ville qui attendent la confrontation finale: qui va tuer qui? Et quand c'est leur héros qui perd, les gamins sont abasourdis. La toute dernière image, qui montre l’éternel recommencement de la bêtise humaine est ancrée dans ma mémoire.

Où le voir : Il existe un DVD, mais le film est passé récemment sur France 3. Ce classique typique du western des années 50 est probablement diffusé régulièrement sur les chaînes du câble et du satellite.

La Bataille de la Vallée du Diable

Duel at Diablo
Réalisateur : Ralph Nelson

Acteurs : James Garner, Sydney Poitier, Bill Travers, Bibi Anderson, Dennis Weaver

Année de sortie : 1966

Un détachement de tuniques bleues commandé par le Lieutenant McAllister, qui rêve de devenir Général, doit relier un fort à un autre avec des chariots de munitions. Font partie du voyage un éclaireur, un vendeur de chevaux, un marchand et sa femme. Mais les apaches, menés par le chef Chata, rôdent.

Des indiens cruels, des tuniques bleues valeureuses, rien de neuf au pays du western, semble-t-il. Vraiment rien de neuf? Dans l’intrigue principale, non, mais dans les historiettes secondaires, tout est moderne. Une femme blanche a été enlevée par les indiens, puis récupérée par les blancs. Elle cherche absolument à retourner chez les apaches, car elle ne se sent pas à sa place parmi les blancs, et surtout elle a eu un enfant du fils de Chata. Jess Remsberg, un éclaireur blanc, cherche à venger la mort de sa femme, une squaw assassinée par un blanc, dont il ne lui reste que le scalp. Lui aussi est mal accepté par les siens, parce que se taper une indienne, ça ne gêne personne, mais l’appeler « sa femme », ça commence à faire moche. Il explique au Lieutenant pourquoi, à son avis, les apaches sont forcés par les blancs à déterrer la hache de guerre. Le racisme anti-indien est donc fortement dénoncé, même si Ralph Nelson ne se prive pas de montrer la barbarie des apaches à travers plusieurs scènes de torture qui pourraient s’avérer traumatisantes pour les jeunes enfants, sauf si vous leur avez déjà montré Cannibal Holocaust. En tout cas, ce bras brûlé qui dépasse d’une roue de chariot, m’avait marqué lors de la diffusion télé de ce film riche en action, il y a 20 ans. (Mais c’est vrai, à l’époque, on était beaucoup plus influençable, on jouait à Pac Man, et non pas à Soldier of Fortune 2 ou Doom 3). Curieusement, si le racisme anti-indien est dénoncé, le racisme anti-noir n’existe pas dans l’Ouest de Ralph Nelson. Sydney Poitier joue un ex-sergent parfaitement intégré qui se retrouve du voyage malgré lui. A aucun moment, sa couleur de peau ne pose le moindre problème aux autres soldats ou au Lieutenant. Le Lieutenant trop ambitieux, joué par Bill Travers, nous change un petit peu de ces éternels meneurs d’hommes au grand cœur, dévoués pour leurs soldats et leur mission. Ici, sa volonté de devenir général mène au désastre, et ses hommes sont complètement inexpérimentés. Au début, tout le monde se méfie de tout le monde, et les prises de bec se multiplient, mais face à la menace indienne, on sert les coudes au fur et à mesure que le nombre de figurants diminue. Si le happy end a lieu malgré tout, il ne fait pas oublier que presque tous les protagonistes sont restés sur le carreau une flèche dans le dos. Et le regard de Chata, le chef apache, pour son petit fils qu’il ne reverra jamais est chargé d’émotion.

La Bataille de la Vallée du Diable, est au final un western assez surprenant dans sa volonté de ne pas prendre parti entre apaches et tuniques bleues, et dans son traitement de la violence que Ralph Nelson augmentera d’un cran quatre ans plus tard, avec son culte, extrême et traumatisant Soldat Bleu.

Le DVD:

Image non restaurée, mais de qualité acceptable à mon goût. Les couleurs des canyons de l’Utah du Sud paraissent néanmoins bien fade. De la part de MGM, c'est un peu léger.Version mono d’origine, « restaurée de manière à apporter une qualité optimale et un rendu de haute fidélité». Alors si c’est marqué sur la boîte…La musique, avec son petit thème entêtant répété tout au long du film, a peut-être été fortement influencée par une mode nouvelle en 1966 dans les westerns, qui venait en direct de la lointaine europe. Ceci n'est pas sûr, parce qu'en 66 le spagh avait à peine traversé l'Atlantique, mais de toute manière, c'est une chouette musique.

Ces bande-annonces d'époque, ça durait des plombes, ça manquait de rythme, et ça montrait encore plus de choses que dans les bande-annonces d'aujourd'hui.

Go West - Ma Vache et Moi

Buster Keaton,

1925

NB

muet

67 minutes

Certains traversent la vie en se faisant des amis, où qu’ils aillent, d’autres ne font que traverser la vie. Buster n’a pas le sou, et surtout, c’est un sans ami, car même les chiens le fuient. Pour cette raison, il décide de partir tenter sa chance vers l’Ouest. Débarqué d’un train par erreur, il va travailler dans un ranch où son inaptitude à socialiser avec son prochain va s’aggraver. Mais en ce lieu, il va rencontrer une vache qui curieusement s’attache à lui. Buster a enfin trouvé une amie ! Le hic, c’est que dans les ranchs, les vaches c’est promis à l’abattoir…

Avec Go West, Buster Keaton livre un film comique qui exploite intelligemment plusieurs niveaux de comédies. La comédie burlesque d’abord, avec son lot de chutes et de poursuites, donne à Go West son niveau de lecture le plus immédiatement accessible. La scène dans la grande ville ou Buster ne parvient pas à faire un seul pas en avant dans une foule à contre-courant en est l’exemple le plus intéressant, car l’humour permet ici une critique caustique de la modernité déshumanisée. Le final qui montre un troupeau entier en roue libre dans le Los Angeles civilisé n’est pas mal non plus, et très crédible par l'ampleur des moyens accordés au projet. Buster, déguisé en diablotin rouge pour attirer le bétail, devient le trublion de la civilisation et incarne la revanche de tous les mal-aimés du monde. Mais cet humour très premier degré n’est pas l’aspect le plus réjouissant du film. Buster Keaton distille aussi un certain nombre de situations cocasses, poétiques et émouvantes. On rit, mais on rit un peu jaune, car c’est du malheur d’un homme que Buster Keaton nous contraint à rire : comment Buster perd tout son argent en quelques secondes, la scène drôle mais terrible où un chien ignore ses caresses, les scènes de repas où Buster n’est jamais présent au bon moment. Qui ne s'est pas retrouvé un jour dans ce genre de situation embarrassante  en total déphasage avec tout le monde? Keaton parle ici à chacun de nous, car même les personnes les plus populaires ont ressenti un jour le désagrément de ce que l'expression à la mode nomme "un grand moment de solitude". La poésie naît également des effets spéciaux, comme ces voyages en train où le baluchon contenant les vivres de Buster qui fond à vue d’œil comme neige au soleil suggère le passage du temps, ou cette apparition de la fameuse statue invitant notre héros à partir vers l'Ouest. Enfin, Go West est une enthousiasmante parodie de western. En 1925, le western était déjà un genre florissant, et beaucoup de scènes « classiques » sont tournées en dérision : Buster se force à arquer ses jambes pour se faire passer pour un authentique cowboy, mais il porte un minuscule petit révolver tout à fait ridicule. Incapable de monter à cheval, il grimpe sur son mulet avec une échelle portative, et pour épargner à son amie la vache la douleur du marquage au fer rouge, il reproduit le motif distinctif du ranch au rasoir! La partie de poker également, où Buster se défend très bien, mais perd quand même au final est assez inattendue et drôle. On note au passage un gag qui fait référence à la réputation d’homme « qui ne sourit jamais » de l’acteur. Enfin, l’attaque du train constitue une bonne scène d’action tout à fait représentative du genre.

Au delà de la comédie, Go West est l’émouvante histoire d’un homme totalement inadapté à l’espèce humaine. Son attachement irrationnel pour ce bovidé qui est le seul être au monde à avoir remarqué son existence devient la principale surprise de ce scénario, car ce postulat de départ à priori peu porteur pour un scénario de film fonctionne pourtant parfaitement, et donne une touche de modernité surprenante à cette œuvre singulière. Dommage que Keaton n’aille pas jusqu’au bout de son personnage et propose un happy end plutôt convenu et sans saveur. Mais que cela ne gâche pas votre plaisir de découvrir un excellent film muet qui comme quasiment tous les films de Keaton, va bien au-delà de la simple comédie burlesque.

Où le trouver :DVD mk2 éditions.

Young Guns-Young Guns II

1988 - 1990
Réalisateurs : Christopher Cain - Geoff Murphy Acteurs : Emilio Estevez, Kiefer Sutherland, Lou Diamond Phillips, Terence Stamp, Jack Palance, Charlie Sheen

Attention, SPOILER sur Young Guns II
A la fin des années 80 au cinéma, nous avons eu droit à nouveau à l’histoire de Billy The Kid, revisitée en deux westerns modernes. Modernes non pas par comparaison avec de prestigieux films comme Little Big Man ou Pat Garrett et Billy the Kid, mais modernes dans le sens hollywoodien du terme, à savoir formatés pour plaire au plus grand nombre. On trouve donc beaucoup d’action et de nombreux coups de feu, de la musique rock à faire retourner John Ford dans sa tombe, un peu de romance, et des personnages suffisamment complémentaires dans leurs archétypes identitaires pour que tout le monde s’y retrouve. L’action est très typée fin des années 80. C’est l’époque de Die Hard, Robocop 2 et Total Recall. Conséquence, quand Billy et ses acolytes sont assiégés dans une maison, c’est un véritable déluge de feu qui s’abat sur eux. Les fenêtres explosent toutes les unes après les autres, la maison entière menace de s’écrouler, mais Billy s’en sort quand même. De même quand la bande de régulateurs est confrontée à un redoutable tueur, une cinquantaine de coups de feus sont tirés avant que nos braves petits gars s’en sortent (sauf Charlie Sheen). Curieusement, cela rejoint une certaine vérité historique que Clint Eastwood a tenté de montrer dans Impitoyable : dans la réalité de l’Ouest, quand les gens commençaient à se tirer dessus, ils passaient en général leur temps à se rater. Néanmoins, les deux films sont encombrés de clichés et ils s’oublieraient bien vite s’ils n’y avait pas le jeu des acteurs.

Billy The Kid est joué par Emilio Estevez qui transforme le Billy The Kid historique en cinglé de la gâchette au rire de hyène, vantard comme pas deux, immature et obnubilé par sa renommée. Difficile de s’identifier à un tel héros, ce qui est assez rare dans ce genre de production calibrée. Heureusement, il y a Kiefer Sutherland qui se pose en sage, celui qui voit le tout avec l’œil du spectateur. Dans Young Guns II, Emilio Estevez corrige un peu le tir, Billy est un peu plus humain, moins dangereux. Le ton se fait plus lent, plus poignant, essentiellement grâce à l’astuce scénaristique qui consiste à utiliser l’histoire vraie de Brushy Bill Roberts. Ce vieil homme apparût dans les années cinquante en clamant haut et fort qu’il était Billy The Kid, le vrai, l’unique, et réclama du même coup le pardon du gouverneur pour ses actes passés. Interrogé, l’homme était capable de réciter les grandes lignes de la vie de Billy The Kid, même s’il se trompait sur certains faits pourtant parfaitement connus des historiens. Malgré une certaine ressemblance physique, il est plus que probable que cet homme était un imposteur, même si beaucoup de monde voudrait croire à son histoire. Le film laisse clairement entendre que Pat Garrett n’a jamais tué Billy The Kid, ajoutant ainsi une énorme pierre à la légende. Vraie ou pas, cette histoire de vieillard procure une certaine richesse émotionnelle à une suite qui sinon ne serait qu’une resucée des aventures du premier épisode. Les scènes d’action sentent le déjà vu, et le personnage de Pat Garrett manque totalement de charisme.Bons divertissements sans prétention, les deux Young Guns permettent de passer un agréable moment sans parvenir à la hauteur de films plus prestigieux sur le même sujet, comme Le Gaucher, ou le déjà cité Pat Garrett et Billy The Kid. Et sans être non plus aussi divertissants que Silverado auquel ces deux films font penser immanquablement de part leur ressemblance de ton et de rythme.

Tom Horn le hors la loi

Tom Horn

1980

William Viard

Avec Steve McQueen, Linda Evans, Richard Fansworth

En 1901, Tom Horn est une légende de l’Ouest. C’est lui-même qui a capturé Géronimo. Il est recruté par des éleveurs pour faire la chasse aux voleurs de bétail qui sévissent dans la région. Horn est un dur qui n’hésite pas à tuer, et ses méthodes expéditives ne tardent pas à porter leurs fruits. La population n’a pas trop à se plaindre de lui, jusqu’au jour ou Tom Horn abat un tueur en pleine rue. Les gens commencent à jaser. Plus tard, un gamin est assassiné et Tom Horn est accusé et promptement emprisonné. Ayant vécu toute sa vie à la belle étoile, Tom Horn supporte mal la captivité. Il tente de s’échapper mais échoue. Son procès peut alors commencer, mais Tom Horn n’est pas très au fait des subtilités de la loi moderne, et tout ce qu’il veut, c’est se retrouver à nouveau sur un cheval, dans ses montagnes chéries…

En 1980, Steve McQueen est malade et cela se voit à l’écran. Il se déplace avec difficultés, et dans la scène d’évasion on souffre avec lui, car l’acteur donne tout ce qu’il lui reste. Dire que son état de santé est le principal intérêt de ce western en manque d’inspiration serait un peu cruel pour un acteur à la filmographie si riche, mais malheureusement sa maladie est bel et bien le premier rôle du film. On attend un western de la veine crépusculaire, mais le désenchantement du vieux pisteur décalé par rapport au monde qui se modernise n’est pas très convaincant (Tom Horn en difficulté quand il doit manger du crabe lors d’un déjeuner, Tom Horn incapable de dire quoi que ce soit de positif pour sa défense lors de son procès…). On voudrait s’identifier au vieux briscard, mais on ne ressent que de la pitié pour lui. L’attachement du héros pour la vie sauvage est crédible, mais peu développé, et bien sûr, l’inévitable romance avec l’institutrice du coin est navrante de mièvrerie et de phrases toutes faites. La violence éclate par à-coups, brefs et fulgurants, et le caractère impitoyable de Tom Horn ajoute une touche d’ambiguïté bienvenue à un personnage sinon assez fade. Le scénario est assez fidèle à la réalité de la vie de Tom Horn, mais il semblerait que cet aspect réaliste ait plus joué un rôle de carcan qu’autre chose pour William Viard, réalisateur de téléfilms, qui n’a pas vraiment su exalter l’âme et le caractère d’un personnage pourtant assez riche. Reste l’interprétation de Steve McQueen, qui malgré sa maladie ou grâce à sa maladie, finalement cela n’a pas beaucoup d’importance, parvient à sauver ce western de la banalité.

Panique à Yucca City

Blue Steel
Réalisateur : Robert N. Bradbury

Acteurs : John Wayne, Eleanor Hunt, Gabby Hayes, Yakima Canutt

Durée : 50 minutes
Année de sortie: 1934

La nuit, dans un hôtel, un shérif (c'est John Wayne) surprend un vol et part à la poursuite du malfaiteur qui porte un foulard à pois. Pendant ce temps là à Yucca City, c’est la panique parce qu’il n’y a plus rien à manger. En fait, c’est un riche spéculateur qui a découvert une énorme mine d’or qui courre sous plusieurs ranchs de la région. Il fait bloquer l’approvisionnement pour forcer les gens à partir !

John Wayne a obtenu son premier grand rôle en 1930 avec Raoul Walsh dans La Piste des Géants. Mais il ne connaîtra la consécration qu’en 1939 avec La Chevauchée Fantastique de John Ford. Entre les deux, on découvre un marathon cinématographique rempli de séries B alimentaires. Panique à Yucca City fait partie de cette vingtaine de courts westerns (une petite heure en général) tournés par l’acteur mythique pendant les années trente. Inutile de dire que la curiosité est quasiment le seul motif valable pour vouloir se procurer ce film qui n’offre rien de bien palpitant pour les pupilles. Ceci dit, John Wayne jeune et beau, ça vaut quand même le détour.

Pour le reste, c’est du classique un peu vieillot : poursuites à cheval à répétitions, coups de poings sans punch, la jeune première qui hurle quand on la touche et John Wayne qui la demande en mariage à la fin. Le montage est binaire : plan sur John Wayne et son associé qui galopent, plan sur leurs poursuivants, plan sur John Wayne et son associé qui galopent, plan sur leur poursuivants etc… L’absence de tension dramatique est d’autant plus forte qu’il n’y a absolument aucune note de musique pendant toute la durée du métrage. Les bruitages sont au nombre de trois : tagada tagada, pan pan et pif paf. Evidemment, en 1934, les débuts du parlant n’étaient pas loin, et j’imagine qu’il est mal venu de se moquer ainsi du travail honnète d’une équipe qui faisait sans doute au mieux avec les moyens de l’époque.

D’ailleurs il faut quand même noter un morceau de bravoure original : John Wayne saute entre les deux chevaux de tête d’un chariot lancé à toute allure, et il rattrape au passage la jeune fille en danger qui venait juste de tomber de cheval. Chapeau! Il y a aussi ce début tout à fait prometteur dans un hôtel où a lieu un vol, alors que la tempête fait rage à l’extérieur. On assiste d’abord à l’arrivée de tous les occupants, les uns après les autres, dégoulinants de pluie. Puis, le drame se met en place, et on s’imagine qu’une sorte de film policier avec enquête minutieuse et rebondissements va avoir lieu. Mais non, la suite redevient du pur western pur jus, avec un héros grand beau, fringant et invincible! Si vous aimez John Wayne et que vous êtes curieux de connaître ce pan méconnu de sa filmographie, n’hésitez pas, le spectacle est convenu mais pas trop ennuyant, sinon passez votre chemin.

Le DVD

Image noir et blanc tout à fait lisible, étant donné l'âge du film. Les contrastes sont corrects mais les contours manquent un peu de netteté. Mais c'est tout à fait honorable pour un film de cet âge, et vendu si peu cher. Aucun bonus, mais on ne va pas faire la fine bouche, on est déjà content de pouvoir assouvir sa curiosité sur ce genre de vieux trucs, avec tout de même des sous-titres français pour comprendre quelque chose, car l’anglais baragouiné est loin d’être facile à décrypter.

Blueberry

J’aurais donc attendu un bon moment avant de me procurer ce film et de découvrir enfin cette œuvre démesurément décriée ou encensée, mais qui aimerait bien devenir culte. Examinons donc les principaux griefs régulièrement entendus à l’encontre de ce faux western :

1) C’est pas très malin d’avoir appelé ça Blueberry.

Certes, les fans de la BD doivent être déçus. L’univers de Blueberry est à peine évoqué de ci de là. Pourtant on retrouve deux composantes principales qui font que le film est fidèle non pas au Blueberry de Jean-Michel Charlier, mais plutôt au Blueberry que Moebius aurait peut-être voulu faire, à savoir l’aspect chamanique, qui n’est pas étranger à l’œuvre de Moebius, et surtout le caractère d’anti-héros du personnage, qui rate tout ce qu’il entreprend, tout en étant très courageux. Dans les derniers Blueberry que Moebius a écrit seul, cet aspect du personnage a été nettement intensifié, ce qui fait que le personnage du film n’en n’est pas si éloigné. Maintenant, que répondre à ceux qui rêvaient d’une vraie adaptation de la BD ? Espérer un Blueberry 2 par Christophe Gans avec du Kung Fu dedans ? Bah…

2) Si je veux un économiseur d’écran, j’allume mon PC

Remarque un brin méchante, les effets spéciaux du film rappellent effectivement certains motifs que l’on peut retrouver dans les économiseurs d’écran. Néanmoins, ces effets spéciaux qui ont rebuté tant de monde ne durent, au final qu’une dizaine de minutes, et si l’on se prend au jeu, ils sont parfaitement intégrés à l’histoire, le spectateur étant préparé à leur venue par de nombreuses et brèves « visions » qui parcourent tout le film. Au pire, si l’on n’est pas très réceptif au moment ou l’on visionne le film, il s’agit d’une succession d’effets numériques et de monstres assez joliment réalisés. On reste pantois devant la beauté et la luminosité des « âmes » qui accompagnent les personnages. Le pari qui consistait à essayer de nous faire partager la réalité d’une expérience chamanique est sans doute raté, mais cet essai peu concluant ne réussit pas à couler complètement le film.

3) C’est trop lent, c’est même pas un western

La lenteur est ce qui m’a le plus plu dans le film. L’histoire est rythmée tout en étant lente. A quoi bon faire un western si c’est pour répéter tout ce qui a été fait en mieux il y a 40 ans. Ce qui m’aurait vraiment déçu justement, c’est de voir un western spaghetti modernisé, avec un Blueberry plongeant au ralenti derrière le bar avec deux révolver à la main, dans un déluge de feux et d’explosions. Ici, les rares coups de feu sont tirés hors champ, Blueberry se fait assommer de façon stupide et le duel final a lieu sans armes, en position couchée. Kounen nous gratifie de deux explosions tout de même, une pour l’affiche, et l’autre pour la bande annonce. Mais on sent bien que le propos n’est pas là, et s’il y a bien un intérêt à ce film, c’est de ne pas être une transposition de Doberman dans l’Ouest. Blueberry est un film qui mérite d’être revu sans haine et sans passion, sans pour autant essayer d’en faire un film culte. Malgré certains clichés, malgré certains effets trop appuyés, le film est réellement attachant, peut-être aussi parce que tous les personnages sont réussis. Blueberry en looser pathétique et déchiré entre deux ou trois identités, Wally Blount en méchant très sombre mais qui recèle un dernier fond d’humanité, Prosit en chercheur d’or, traître et opportuniste, et même le vieillard sur sa chaise, joué par Ernest Borgnine, que l’on a plaisir à voir encore acteur. Seul le personnage de Juliette Lewis, peine à convaincre, démontrant une fois de plus qu’il est difficile de réussir un personnage de femme au sein d’un western, même d’un faux western. Blueberry est donc une œuvre bâtarde, un peu trop appuyée dans certains tics de réalisation, mais assez courageuse dans sa volonté de prendre le contre-pied de tout ce à quoi l’on s’attendait. Et finalement, on se surprend à penser qu’il manque à ce film encore un peu plus d’audace pour être complètement réussi. Il aurait sans doute mieux valu s’affranchir complètement du nom de Blueberry, bannir totalement les conventions liées aux films d’action, oser un film encore plus personnel et mélancolique.

Le DVD:Même les plus grands détracteurs de ce film le reconnaissent : les images sont magnifiques, belles et propres, même quand il s’agit de montrer la crasse. Chaque goutte d’eau est étincelante, chaque plan de paysage est digne d’être montré au Kinemax, les cheveux de Vincent Cassel se détachent un à un dans les décors d’Almeria. Au point que l’on aimerait parfois un peu moins de soin, un peu plus de spontanéité, quelques plans foirés, une lumière un peu merdique, histoire de semer le doute et de se rapprocher du réel.

C’est aussi un reproche d’ordre général que l’on pourrait faire à la bande sonore de la plupart des films d’aujourd’hui : pas un son qui ne résonne parfaitement comme les douilles qui tombent par terre dans Matrix, pas un mouvement de tête ou de caméra sans bruitage associé. Le procédé devient lassant, et là aussi, on aimerait parfois que les sons se mélangent et se fondent pour que la lecture soit moins immédiatement accessible. Comme dans la vraie vie quoi…

A part ça, excellent commentaire audio de Jan Kounen, pour peu que vous ayez un tant soit peu apprécié le film. Sinon, ça n’est même pas la peine de commencer à l’écouter. Le réalisateur prend le soin d’expliquer longuement son film, sans donner trop d’anecdotes sur le tournage. Le commentaire audio de Vincent Cassel est complémentaire de celui de Jan Kounen, car lui s’attarde plus sur les petits détails du film, comment faire ressortir ses cicatrices avec du papier toilette, ou faire croire qu’on est dans 5 mètres d’eau alors qu’en réalité la profondeur ne dépasse pas 20 cm, ce genre de choses…L’introduction du film n’apporte rien, sinon un avertissement pour ceux qui, naïvement, s’attendraient soit à un western, soit à un Blueberry.